Wikibrief

Música clásica del siglo XX

Editar artículo
Historia de la música clásica occidental
Musica antigua
Medieval C. 500–1400
 • Ars antiqua C. 1170-1310
 • Ars nova C. 1310-1377
 • Ars subtilior C. 1360-1420
Renacimiento C. 1400-1600
 • Transición al barroco
Barroco C. 1580-1750
Periodo de práctica común
Barroco C. 1580-1750
Música galant C. 1720-1770
 • Empfindsamkeit C. 1740-1780
Clásico C. 1750-1820
 • Escuela de Mannheim C. 1740-1780
 • Sturm und Drang C. Década de 1770
 • Transición a lo romántico
Romántico C. 1800-1910
Finales de los siglos XIX, XX y XXI
Modernismo C. 1890–1975
 • Impresionismo C. 1890-1930
 • Expresionismo C. 1900-1930
 • Neoclasicismo C. 1920-1950
 • Serialismo C. 1920-1975
Contemporáneo desde c. 1950
 • Minimalismo desde c. 1960
 • Posmodernismo desde c. 1960
 • Posminimalismo desde c. 1980
  • v
  • t
  • mi

La música clásica del siglo XX describe la música artística que se escribió nominalmente desde 1901 hasta 2000, inclusive. El estilo musical divergió durante el siglo XX como nunca antes. Así que este siglo no tuvo un estilo dominante. El modernismo, el impresionismo y el post-romanticismo se remontan a las décadas anteriores al cambio del siglo XX, pero se pueden incluir porque evolucionaron más allá de los límites musicales de los estilos del siglo XIX que formaban parte del período de práctica común anterior. El neoclasicismo y el expresionismo vinieron principalmente después de 1900. El minimalismo comenzó mucho más tarde en el siglo y puede verse como un cambio de la era moderna a la posmoderna, aunque algunos fechan el posmodernismo desde alrededor de 1930. Aleatorio, atonalidad, serialismo, La musique concrète, la música electrónica y la música conceptual se desarrollaron durante el siglo. El jazz y la música folclórica étnica se convirtieron en influencias importantes para muchos compositores durante este siglo.

Contenido

Historia

En el cambio de siglo, la música era característicamente de estilo romántico tardío. Compositores como Gustav Mahler, Richard Strauss y Jean Sibelius estaban empujando los límites de la escritura sinfónica posromántica. Al mismo tiempo, el movimiento impresionista, encabezado por Claude Debussy, se estaba desarrollando en Francia. De hecho, Debussy detestaba el término impresionismo: "Estoy tratando de hacer 'algo diferente, en cierto modo realidades, lo que los imbéciles llaman' impresionismo 'es un término que se usa tan mal como sea posible, particularmente por los críticos de arte". La música de Maurice Ravel, también a menudo etiquetada como impresionista, explora la música en muchos estilos que no siempre están relacionados con ella (ver la discusión sobre el neoclasicismo, más adelante).

Arnold Schoenberg, Los Ángeles, 1948

Muchos compositores reaccionaron a los estilos posromántico e impresionista y se movieron en direcciones muy diferentes. El momento más importante en la definición del curso de la música a lo largo del siglo fue la ruptura generalizada con la tonalidad tradicional, efectuada de diversas maneras por diferentes compositores en la primera década del siglo. De ahí surgió una "pluralidad lingüística" sin precedentes de estilos, técnicas y expresión. En Viena, Arnold Schoenberg desarrolló la atonalidad, a partir del expresionismo que surgió a principios del siglo XX. Más tarde desarrolló la técnica de doce tonos que fue desarrollada por sus discípulos Alban Berg y Anton Webern ; compositores posteriores (incluido Pierre Boulez ) lo desarrollaron aún más. Stravinsky (en sus últimas obras) también exploró la técnica de los doce tonos, al igual que muchos otros compositores; de hecho, incluso Scott Bradley utilizó la técnica en sus partituras para los dibujos animados de Tom y Jerry.

Igor Stravinsky

Después de la Primera Guerra Mundial, muchos compositores comenzaron a regresar al pasado en busca de inspiración y escribieron obras que extraen elementos (forma, armonía, melodía, estructura) de él. Este tipo de música pasó a denominarse neoclasicismo. Igor Stravinsky ( Pulcinella ), Sergei Prokofiev ( Sinfonía clásica ), Ravel ( Le tombeau de Couperin ), Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro ) y Paul Hindemith ( Sinfonía: Mathis der Maler ) produjeron obras neoclásicas.

Compositores italianos como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo desarrollaron el futurismo musical. Este estilo a menudo intentaba recrear sonidos cotidianos y colocarlos en un contexto "futurista". La "Machine Music" de George Antheil (comenzando con su Segunda Sonata, " The Airplane ") y Alexander Mosolov (más notoriamente su Iron Foundry ) se desarrolló a partir de esto. El proceso de ampliar el vocabulario musical mediante la exploración de todos los tonos disponibles se vio impulsado por el uso de Microtonos en obras de Charles Ives, Julián Carrillo, Alois Hába, John Foulds, Ivan Wyschnegradsky, Harry Partch y Mildred Couper, entre muchos otros. Los microtonos son aquellos intervalos que son más pequeños que un semitono ; Las voces humanas y las cuerdas no tensas pueden producirlas fácilmente entre las notas "normales", pero otros instrumentos tendrán más dificultades: el piano y el órgano no tienen forma de producirlas, aparte de la resintonización y / o la reconstrucción mayor.

En las décadas de 1940 y 1950, los compositores, en particular Pierre Schaeffer, comenzaron a explorar la aplicación de la tecnología a la música en musique concrète. El término música electroacústica se acuñó más tarde para incluir todas las formas de música que involucren cinta magnética, computadoras, sintetizadores, multimedia y otros dispositivos y técnicas electrónicos. Música electrónica en vivo usos viven sonidos electrónicos dentro de una actuación (en contraposición a los sonidos que son preprocesados overdubbed durante una actuación), John Cage 's cartucho musical siendo un ejemplo temprano. La música espectral ( Gérard Grisey y Tristan Murail ) es un desarrollo posterior de la música electroacústica que utiliza análisis de espectros de sonido para crear música. Cage, Berio, Boulez, Milton Babbitt, Luigi Nono y Edgard Varèse escribieron música electroacústica.

Desde principios de la década de 1950 en adelante, Cage introdujo elementos de azar en su música. La música de proceso ( Karlheinz Stockhausen Prozession, Aus den sieben Tagen ; y Steve Reich Piano Phase, Clapping Music ) explora un proceso particular que está esencialmente al descubierto en la obra. El término música experimental fue acuñado por Cage para describir obras que producen resultados impredecibles, según la definición "una acción experimental es aquella cuyo resultado no está previsto". El término también se usa para describir música dentro de géneros específicos que empuja contra sus límites o definiciones, o cuyo enfoque es un híbrido de estilos dispares, o incorpora ingredientes nuevos, poco ortodoxos y distintivamente únicos.

Las tendencias culturales importantes a menudo informaron la música de este período, romántica, modernista, neoclásica, posmodernista o de otro tipo. Igor Stravinsky y Sergei Prokofiev se sintieron particularmente atraídos por el primitivismo en sus primeras carreras, como se explora en obras como The Rite of Spring y Chout. Otros rusos, en particular Dmitri Shostakovich, reflejaron el impacto social del comunismo y, posteriormente, tuvieron que trabajar dentro de las restricciones del realismo socialista en su música. Otros compositores, como Benjamin Britten ( Réquiem de guerra ), exploraron temas políticos en sus obras, aunque por su propia voluntad. El nacionalismo también fue un importante medio de expresión a principios de siglo. La cultura de los Estados Unidos de América, especialmente, comenzó a informar un estilo vernáculo estadounidense de música clásica, sobre todo en las obras de Charles Ives, John Alden Carpenter y (más tarde) George Gershwin. La música popular (Vaughan Williams cinco variantes del rico y Lázaro, Gustav Holst 's Un Somerset Rhapsody ) y jazz (Gershwin, Leonard Bernstein, Darius Milhaud ' s La création du monde ) también fueron influyentes.

En el último cuarto del siglo, el eclecticismo y el poliestilismo cobraron importancia. Estos, así como el minimalismo, la nueva complejidad y la nueva simplicidad, se exploran más a fondo en sus respectivos artículos.

Estilos

Estilo romantico

A finales del siglo XIX (a menudo llamado Fin de siècle ), el estilo romántico comenzaba a desmoronarse, moviéndose por varios cursos paralelos, como el impresionismo y el posrromántico. En el siglo XX, los diferentes estilos que surgieron de la música del siglo anterior influyeron en los compositores para seguir nuevas tendencias, a veces como reacción a esa música, a veces como una extensión de ella, y ambas tendencias coexistieron hasta bien entrado el siglo XX.. Las primeras tendencias, como el expresionismo, se comentan más adelante.

A principios del siglo XX, muchos compositores escribieron música que fue una extensión de la música romántica del siglo XIX, y las agrupaciones instrumentales tradicionales como la orquesta y el cuarteto de cuerdas siguieron siendo las más típicas. Se mantuvieron en uso formas tradicionales como la sinfonía y el concierto. Gustav Mahler y Jean Sibelius son ejemplos de compositores que tomaron las formas sinfónicas tradicionales y las reelaboraron. (Véase Música romántica.) Algunos escritores sostienen que el trabajo de Schoenberg está directamente dentro de la tradición tardía del romanticismo de Wagner y Brahms y, de manera más general, que "el compositor que conecta más directa y completamente a Wagner tardío y el siglo XX es Arnold Schoenberg".

Neoclasicismo

Artículo principal: Neoclasicismo (música)

El neoclasicismo fue un estilo cultivado entre las dos guerras mundiales, que buscaba revivir las formas equilibradas y los procesos temáticos claramente perceptibles de los siglos XVII y XVIII, en un repudio a lo que se veía como gestos exagerados y sin forma del romanticismo tardío. Debido a que estos compositores generalmente reemplazaron la tonalidad funcional de sus modelos con una tonalidad, modalidad o atonalidad extendida, el término a menudo se considera que implica una parodia o distorsión del estilo barroco o clásico. Ejemplos famosos incluyen la Sinfonía clásica de Prokofiev y Pulcinella de Stravinsky, Sinfonía de salmos y Concierto en mi bemol "Dumbarton Oaks". Paul Hindemith ( Sinfonía: Mathis der Maler ), Darius Milhaud, Francis Poulenc ( Campeón de conciertos ) y Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro, Concierto para clavecín ) también utilizaron este estilo. Maurice Ravel 's Le tombeau de Couperin es a menudo visto como neobarroco (un término arquitectónico), aunque la distinción entre los términos no siempre se hace.

Composición clásica influenciada por el jazz

George Gershwin Véase también: Lista de composiciones clásicas influenciadas por el jazz

Varios compositores combinaron elementos del idioma del jazz con estilos compositivos clásicos, en particular:

Movimientos

Impresionismo

Claude Debussy (1908) Artículo principal: Impresionismo en la música

El impresionismo nació en Francia como una reacción, liderada por Claude Debussy, contra la exuberancia emocional y los temas épicos del romanticismo alemán ejemplificados por Wagner. En opinión de Debussy, el arte era una experiencia sensual, más que intelectual o ética. Instó a sus compatriotas a redescubrir a los maestros franceses del siglo XVIII, para quienes la música estaba destinada a encantar, entretener y servir como una "fantasía de los sentidos".

Otros compositores asociados con el impresionismo incluyen a Maurice Ravel, Albert Roussel, Isaac Albéniz, Paul Dukas, Manuel de Falla, Charles Martin Loeffler, Charles Griffes, Frederick Delius, Ottorino Respighi, Cyril Scott y Karol Szymanowski. Muchos compositores franceses continuaron con el lenguaje del impresionismo durante la década de 1920 y más tarde, incluidos Albert Roussel, Charles Koechlin, André Caplet y, más tarde, Olivier Messiaen. Los compositores de culturas no occidentales, como Tōru Takemitsu, y músicos de jazz como Duke Ellington, Gil Evans, Art Tatum y Cecil Taylor también han sido fuertemente influenciados por el lenguaje musical impresionista.

Modernismo

Artículo principal: Modernismo (música)

Futurismo

Filippo Tommaso Marinetti Artículo principal: Futurismo (música)

En su concepción, el futurismo fue un movimiento artístico italiano fundado en 1909 por Filippo Tommaso Marinetti ; fue rápidamente acogido por la vanguardia rusa. En 1913, el pintor Luigi Russolo publicó un manifiesto, L'arte dei rumori (El arte de los ruidos), pidiendo la incorporación de ruidos de todo tipo en la música. Además de Russolo, los compositores directamente asociados con este movimiento incluyen a los italianos Silvio Mix, Nuccio Fiorda, Franco Casavola y Pannigi (cuyo Ballo meccanico de 1922 incluía dos motocicletas), y los rusos Artur Lourié, Mikhail Matyushin y Nikolai Roslavets.

Aunque hoy en día se interpretan pocas de las obras futuristas de estos compositores, la influencia del futurismo en el desarrollo posterior de la música del siglo XX fue enorme. Sergei Prokofiev, Maurice Ravel, Igor Stravinsky, Arthur Honegger, George Antheil, Leo Ornstein y Edgard Varèse se encuentran entre los compositores notables de la primera mitad del siglo que fueron influenciados por el futurismo. Los rasgos característicos de la música de finales del siglo XX con orígenes en el futurismo incluyen el piano preparado, el serialismo integral, las técnicas vocales extendidas, la notación gráfica, la improvisación y el minimalismo.

Disonancia y experimentalismo libres

Artículo principal: Música experimental

A principios del siglo XX, Charles Ives integró las tradiciones americanas y europeas, así como los estilos vernáculo y eclesiástico, mientras utilizaba técnicas innovadoras en su ritmo, armonía y forma. Su técnica incluyó el uso de politonalidad, polirritmo, grupos de tonos, elementos aleatorios y cuartos de tono. Edgard Varèse escribió piezas muy disonantes que utilizaron sonoridades inusuales y nombres futuristas que suenan científicos. Fue pionero en el uso de nuevos instrumentos y recursos electrónicos (ver más abajo).

Expresionismo

Artículo principal: Música expresionista

A finales de la década de 1920, aunque muchos compositores continuaban escribiendo de una manera vagamente expresionista, estaba siendo suplantado por el estilo más impersonal de la Neue Sachlichkeit alemana y el neoclasicismo. Debido a que el expresionismo, como cualquier movimiento que había sido estigmatizado por los nazis, ganó una reconsideración comprensiva después de la Segunda Guerra Mundial, la música expresionista resurgió en obras de compositores como Hans Werner Henze, Pierre Boulez, Peter Maxwell Davies, Wolfgang Rihm y Bernd Alois Zimmermann..

Música posmoderna

Artículo principal: música posmoderna

El posmodernismo es una reacción al modernismo, pero también puede verse como una respuesta a un cambio profundamente arraigado en la actitud social. Según este último punto de vista, el posmodernismo comenzó cuando el optimismo histórico (en oposición al personal) se convirtió en pesimismo, a más tardar en 1930.

John Cage es una figura prominente en la música del siglo XX, reivindicada con cierta justicia tanto para el modernismo como para el posmodernismo porque las complejas intersecciones entre el modernismo y el posmodernismo no se pueden reducir a simples esquemas. Su influencia creció constantemente durante su vida. A menudo utiliza elementos de azar: Paisaje imaginario nº 4 para 12 receptores de radio y Música de cambios para piano. Sonatas and Interludes (1946–48) está compuesto para un piano preparado : un piano normal cuyo timbre se altera dramáticamente al colocar cuidadosamente varios objetos dentro del piano en contacto con las cuerdas. Actualmente el posmodernismo incluye compositores que reaccionan contra las vanguardias y estilos experimentales de finales del siglo XX como Astor Piazzolla, Argentina y Miguel del Aguila, Estados Unidos.

Minimalismo

Artículo principal: Música mínima

A finales del siglo XX, compositores como La Monte Young, Arvo Pärt, Philip Glass, Terry Riley, Steve Reich y John Adams comenzaron a explorar lo que ahora se llama minimalismo, en el que la obra se reduce a sus características más fundamentales; la música a menudo presenta repetición e iteración. Un ejemplo temprano es In C (1964) de Terry Riley, una obra aleatoria en la que los músicos eligen frases cortas de una lista de canciones y las tocan un número arbitrario de veces, mientras que la nota C se repite en corcheas (corcheas) detrás de ellas..

Las obras de Steve Reich Piano Phase (1967, para dos pianos) y Drumming (1970-71, para percusión, voces femeninas y flautín) emplean la técnica llamada phasing en la que una frase tocada por un músico manteniendo un ritmo constante es tocada simultáneamente por otro. pero a un ritmo un poco más rápido. Esto hace que los jugadores se "desfasen" entre sí y la actuación puede continuar hasta que vuelvan a estar en fase. Según Reich, “La percusión es la expansión final y el refinamiento del proceso de fases, así como el primer uso de cuatro nuevas técnicas: (1) el proceso de sustituir gradualmente ritmos por descansos (o silencios por ritmos); (2) el cambio gradual de timbre mientras el ritmo y el tono permanecen constantes; (3) la combinación simultánea de instrumentos de diferente timbre; y (4) el uso de la voz humana para formar parte del conjunto musical imitando el sonido exacto de los instrumentos ”. La percusión fue el uso final de Reich de la técnica de fases.

1 + 1 de Philip Glass (1968) emplea el proceso aditivo en el que las frases cortas se expanden lentamente. Compositions 1960 de La Monte Young emplea tonos muy largos, volúmenes excepcionalmente altos y técnicas extramusicales como "dibuja una línea recta y síguela" o "haz fuego". Michael Nyman sostiene que el minimalismo fue una reacción y fue posible gracias al serialismo y al indeterminismo. (Véase también música experimental ).

Técnicas

Atonalidad y técnica de doce tonos

Ver también: atonalidad

Arnold Schoenberg es una de las figuras más importantes de la música del siglo XX. Si bien sus primeras obras fueron de un estilo romántico tardío influenciado por Wagner ( Verklärte Nacht, 1899), este se convirtió en un idioma atonal en los años previos a la Primera Guerra Mundial ( Drei Klavierstücke en 1909 y Pierrot Lunaire en 1912). En 1921, después de varios años de investigación, desarrolló la técnica de composición de doce tonos, que describió por primera vez en privado a sus asociados en 1923. Su primera obra a gran escala compuesta íntegramente con esta técnica fue el Quinteto de viento, op. 26, escrito en 1923–24. Los ejemplos posteriores incluyen las variaciones para orquesta, op. 31 (1926-28), el tercer y cuarto cuartetos de cuerda (1927 y 1936, respectivamente), el Concierto para violín (1936) y el Concierto para piano (1942). En años posteriores, regresó intermitentemente a un estilo más tonal ( Kammersymphonie n. ° 2, comenzada en 1906 pero completada solo en 1939; Variaciones sobre un recitativo para órgano en 1941).

Enseñó a Anton Webern y Alban Berg y estos tres compositores a menudo se refieren como los miembros principales de la Segunda Escuela Viena (Haydn, Mozart y Beethoven, ya veces Schubert, son considerados como la Primera Escuela vienesa en este contexto). Webern escribió obras utilizando un riguroso método de doce tonos e influyó en el desarrollo del serialismo total. Berg, al igual que Schoenberg, empleó la técnica de doce tonos dentro de un estilo romántico tardío o posrromántico ( Concierto para violín, que cita un coral de Bach y usa la forma clásica). Escribió dos óperas importantes ( Wozzeck y Lulu ).

Música electrónica

Edgard Varèse, uno de los pioneros de la música electrónica Artículos principales: Música electrónica y Musique concrète

El desarrollo de la tecnología de grabación hizo que todos los sonidos estuvieran disponibles para su uso potencial como material musical. La música electrónica generalmente se refiere a un repertorio de música artística desarrollado en la década de 1950 en Europa, Japón y América. La creciente disponibilidad de la cinta magnética en esta década proporcionó a los compositores un medio que permitió grabar sonidos y luego manipularlos de diversas formas. Toda la música electrónica depende de la transmisión a través de altavoces, pero hay dos tipos generales: la música acústica, que existe solo en forma grabada destinada a la escucha por altavoz, y la música electrónica en vivo, en la que se utilizan aparatos electrónicos para generar, transformar o disparar sonidos durante interpretación de músicos que utilizan voces, instrumentos tradicionales, instrumentos electroacústicos u otros dispositivos. A partir de 1957, las computadoras se volvieron cada vez más importantes en este campo. Cuando el material de origen eran sonidos acústicos del mundo cotidiano, se utilizó el término musique concrète ; cuando los sonidos fueron producidos por generadores electrónicos, se denominó música electrónica. Después de la década de 1950, el término "música electrónica" pasó a utilizarse para ambos tipos. A veces, tales música electrónica se combinó con instrumentos más convencionales, de Stockhausen Hymnen, Edgard Varèse 's Déserts, y Mario Davidovsky ' serie de s Synchronisms son tres ejemplos.

Otros compositores notables del siglo XX

Artículo principal: Lista de compositores clásicos del siglo XX.

Varios compositores destacados del siglo XX no están asociados con ningún movimiento compositivo ampliamente reconocido. La siguiente lista incluye algunos de ellos, junto con varios compositores clasificables notables que no se mencionan en las partes anteriores de este artículo:

Ver también

Referencias

Citas
Bibliografía
  • Burkholder, J. Peter. 2001. "Ives, Charles (Edward)". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers.
  • Cage, John. 1961. Silencio: conferencias y escritos. Middletown, Connecticut: Wesleyan University Press. Reimpresiones inalteradas: Weslyan University press, 1966 (pbk), 1967 (tela), 1973 (pbk ["First Wesleyan paperback edition"], 1975 (encuadernación desconocida); Cambridge, Mass: MIT Press, 1966, 1967, 1969, 1970, 1971; Londres: Calder amp; Boyars, 1968, 1971, 1973 ISBN   0-7145-0526-9 (tela) ISBN   0-7145-1043-2 (pbk). Londres: Marion Boyars, 1986, 1999 ISBN   0-7145-1043 -2 (pbk); [np]: Reprint Services Corporation, 1988 (tela) ISBN   99911-780-1-5 [En particular, los ensayos "Experimental Music", págs. 7-12, y "Experimental Music: Doctrine", págs. 13-17.]
  • Dack, John. 2002. " Tecnología e Instrumento ". In musik netz werke — Konturen der neuen Musikkultur, editado por Lydia Grün y Frank Wiegand, 39–54. Bielefeld: transcripción Verlag. ISBN   3-933127-98-X.
  • Dennis, Flora y Jonathan Powell. 2001. "Futurismo". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers.
  • Dufourt, Hugues. 1981. "Musique spectrale: pour une pratique des formes de l'énergie". Bicéphale, no. 3: 85–89.
  • Dufourt, Hugues. 1991. Musique, pouvoir, écriture. Colección Musique / Passé / Présent. París: Christian Bourgois. ISBN   2-267-01023-2.
  • Emmerson, Simon y Denis Smalley. 2001. "Música electroacústica". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers.
  • Evans, Peter. 1979. La música de Benjamin Britten. Londres: Dent.
  • Fanning, David. 2001. "Expresionismo". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers.
  • Fauser, Annegret. 2005. Encuentros musicales en la Exposición Universal de París de 1889. Eastman Studies in Music 32. Rochester: University of Rochester Press. ISBN   978-1-58046-185-6.
  • Heyman, Barbara B. 2001. "Barber, Samuel". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers.
  • McBurney, Gerard. 2004. "Pollo frito en los cerezos de pájaro". En Shostakovich and His World, editado por Laurel E. Fay, 227–73. Festival de Música de Bard. Princeton: Prensa de la Universidad de Princeton. ISBN   0-691-12068-4 ; ISBN   0-691-12069-2.
  • Machlis, Joseph. 1979. Introducción a la Música Contemporánea, segunda edición. Nueva York: WW Norton. ISBN   0-393-09026-4.
  • Mauceri, Frank X. 1997. "De la música experimental al experimento musical". Perspectivas de la nueva música 35, no. 1 (invierno): 187-204.
  • Meyer, Leonard B. 1994. Música, artes e ideas, segunda edición, con un nuevo postludio. Chicago y Londres: The University of Chicago Press. ISBN   0-226-52143-5.
  • Morgan, Robert P. 1984. "Lenguas secretas: las raíces del modernismo musical". Investigación crítica 10, no. 3 (marzo): 442–61.
  • Vecino, OW 2001. "Schoenberg, Arnold". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell, 22: 577–604. Londres: Macmillan Publishers.
  • Nyman, Michael. 1999. Experimental Music: Cage and Beyond, segunda edición. Música en el siglo XX. Cambridge y Nueva York: Cambridge University Press. ISBN   0-521-65383-5.
  • Pasler, Jann. 2001a. "Impresionismo". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers; Nueva York: diccionarios de música de Grove.
  • Pasler, Jann. 2001b. "Neorromántico". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers.
  • Politoske, Daniel T. y Werner Martin. 1988. Música, cuarta edición. Prentice Hall. ISBN   0-13-607616-5.
  • Reich, Steve. "Drumming (1971)". Escritos sobre música 1965-2000: 1965-2000.: Oxford University Press, 3 de octubre de 2011. Oxford Scholarship Online. Fecha de acceso: 8 de diciembre de 2020 https://oxford.universitypressscholarship.com/view/10.1093/acprof:oso/9780195151152.001.0001/acprof-9780195151152-chapter-10.
  • Ross, Alex. 2008. El resto es ruido. Londres: cuarto poder. ISBN   978-1-84115-475-6 ; Nueva York: Picador Press. ISBN   978-0-312-42771-9.
  • Russolo, Luigi. 1913. L'arte dei rumori: manifiesto futurista. Manifesti del movimento futurista 14. Milán: Direzione del movimento futurista. Versión en inglés como The Art of Noise: Futurist Manifesto 1913, traducido por Robert Filliou. A Great Bear Pamphlet 18. Nueva York: Something Else Press, 1967. Segunda versión en inglés como The Art of Noises, traducido del italiano con una introducción de Barclay Brown. Monografías de Musicología núm. 6. Nueva York: Pendragon Press, 1986. ISBN   0-918728-57-6.
  • Salzman, Eric. 1988. Música del siglo XX: Introducción, tercera edición. Serie de Historia de la Música de Prentice-Hall. Englewood Cliffs, Nueva Jersey: Prentice-Hall. ISBN   0-13-935057-8.
  • Schoenberg, Arnold. 1975. Style and Idea, editado por Leonard Stein con traducciones de Leo Black. Berkeley y Los Ángeles: University of California Press. ISBN   0-520-05294-3.
  • Schwartz, Elliott y Daniel Godfrey. 1993. Música desde 1945: Temas, Materiales y Literatura. Nueva York: Schirmer Books; Toronto: Maxwell Macmillan Canadá; Nueva York: Maxwell Macmillan International. ISBN   0-02-873040-2.
  • Thomson, Virgil. 2002. Virgil Thomson: A Reader: Selected Writings, 1924–1984, editado por Richard Kostelanetz. Nueva York: Routledge. ISBN   0-415-93795-7.
  • Watanabe, Ruth T. y James Perone. 2001. "Hanson, Howard". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers.
  • Whittall, Arnold. 2001. "Neoclasicismo", The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers.
  • Williams, Alastair. 2002. "Cage and Postmodernism". The Cambridge Companion to John Cage, editado por David Nicholls, 227–41. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN   0-521-78348-8 (tela); ISBN   0-521-78968-0 (pbk).
  • Wright, Simon. 1992. "Villa-Lobos, Heitor". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell. Londres: Macmillan Publishers.

Otras lecturas

  • Ashby, Arved Mark (ed.). 2004. El placer de la música modernista: escuchar, significado, intención, ideología. Estudios Eastman en Música. Rochester: Prensa de la Universidad de Rochester. ISBN   978-1-58046-143-6.
  • Crawford, John C. y Dorothy L. Crawford. 1993. Expresionismo en la música del siglo XX. Bloomington: Prensa de la Universidad de Indiana. ISBN   0-253-31473-9
  • Grun, Constantin. 2006. Arnold Schönberg y Richard Wagner: Spuren einer aussergewöhnlichen Beziehung, 2 volúmenes. Gotinga: Vandenhoeck amp; Ruprecht Unipress. ISBN   3-89971-266-8 (volumen 1), ISBN   3-89971-267-6 (volumen 2)
  • Lee, Douglas. 2002. Obras maestras de la música del siglo XX: el repertorio moderno de la orquesta sinfónica. Nueva York: Routledge. ISBN   0-415-93847-3, ISBN   978-0-415-93847-1
  • Roberts, Paul. 2008. Claude Debussy. Compositores del siglo XX. Londres y Nueva York: Phaidon Press. ISBN   0-7148-3512-9, ISBN   978-0-7148-3512-9
  • Salzman, Eric. 2002. Música del siglo XX: Introducción, 4ª edición. Upper Saddle River, Nueva Jersey: Prentice Hall. ISBN   0-13-095941-3
  • Simms, Bryan R. 1996. Música del siglo XX: estilo y estructura, 2ª edición. Nueva York: Schirmer Books; Londres: Prentice Hall International. ISBN   0-02-872392-9
  • Enseña, Terry. 1999. "Obras maestras del siglo: una música clásica de final del siglo XX". Comentario 107, no. 6 (junio): 55.
Contactos: mail@wikibrief.org
El contenido está disponible bajo la licencia CC BY-SA 3.0 (a menos que se indique lo contrario).