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Art Nouveau

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Art Nouveau
Abbesses.JPG Alfons Mucha - F. Champenois Imprimeur-Éditeur.jpg Louis comfort tiffany, lampada da tavolo pomb lily, 1900-10 ca.JPG Louis Majorelle - Armario de pared - Walters 6587.jpg Escalera de la casa de la borla.JPG
En el sentido de las agujas del reloj desde la parte superior izquierda: estación de metro de París Abbesses, de Hector Guimard (1900); Litografía de Alphonse Mucha (1898); Mueble de pared de Louis Majorelle ; Interior del Hôtel Tassel de Victor Horta (1892–1893); Lámpara de Louis Comfort Tiffany (1900-1910).
Años activos C. 1883-1914
País mundo occidental

Art Nouveau ( / ˌ ɑ r t n U v oʊ, ˌ ɑ r / ; francés:  [aʁ nuvo] ) es una organización internacional estilo del arte, la arquitectura y las artes aplicadas, especialmente las artes decorativas, conocido en diferentes idiomas por diferentes Nombres: Jugendstil en alemán, Stile Liberty en italiano, Modernismo català en catalán, etc. En inglés también se le conoce como Modern Style. El estilo fue más popular entre 1890 y 1910 durante la Período de la Belle Époque que terminó con el inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914. Fue una reacción contra el arte académico, el eclecticismo y el historicismo de la arquitectura y la decoración del siglo XIX. A menudo se inspiraba en formas naturales como las sinuosas curvas de plantas y flores. Otras características del Art Nouveau fueron una sensación de dinamismo y movimiento, a menudo dado por la asimetría o las líneas de latigazo, y el uso de materiales modernos, particularmente hierro, vidrio, cerámica y luego concreto, para crear formas inusuales y espacios abiertos más grandes.

Uno de los principales objetivos del Art Nouveau era romper la distinción tradicional entre bellas artes (especialmente pintura y escultura) y artes aplicadas. Fue más utilizado en diseño de interiores, artes gráficas, muebles, arte en vidrio, textiles, cerámica, joyería y trabajo en metal. El estilo respondió a los principales teóricos del siglo XIX, como el arquitecto francés Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814-1879) y el crítico de arte británico John Ruskin (1819-1900). En Gran Bretaña, fue influenciado por William Morris y el movimiento Arts and Crafts. Los arquitectos y diseñadores alemanes buscaron una Gesamtkunstwerk ("obra de arte total") espiritualmente edificante que unificara la arquitectura, el mobiliario y el arte en el interior en un estilo común, para elevar e inspirar a los residentes.

Las primeras casas y decoración de interiores Art Nouveau aparecieron en Bruselas en la década de 1890, en la arquitectura y el diseño de interiores de casas diseñadas por Paul Hankar, Henry van de Velde y especialmente Victor Horta, cuyo Hôtel Tassel se completó en 1893. Se mudó rápidamente a París, donde fue adaptado por Héctor Guimard, quien vio la obra de Horta en Bruselas y aplicó el estilo para las entradas del nuevo Metro de París. Alcanzó su punto máximo en la Exposición Internacional de París de 1900, que presentó el trabajo Art Nouveau de artistas como Louis Tiffany. Apareció en artes gráficas en los carteles de Alphonse Mucha y la cristalería de René Lalique y Émile Gallé.

Desde Bélgica y Francia, se extendió al resto de Europa, tomando diferentes nombres y características en cada país (ver la sección Naming a continuación). A menudo aparecía no solo en las capitales, sino también en ciudades de rápido crecimiento que querían establecer identidades artísticas ( Turín y Palermo en Italia; Glasgow en Escocia; Múnich y Darmstadt en Alemania), así como en centros de movimientos independentistas ( Helsinki en Finlandia)., entonces parte del Imperio Ruso; Barcelona en Cataluña, España).

En 1914, y con el comienzo de la Primera Guerra Mundial, el Art Nouveau estaba en gran parte agotado. En la década de 1920, fue reemplazado como el estilo de arte arquitectónico y decorativo dominante por el Art Deco y luego el Modernismo. El estilo Art Nouveau comenzó a recibir una atención más positiva de los críticos a fines de la década de 1960, con una importante exposición de la obra de Hector Guimard en el Museo de Arte Moderno en 1970.

Contenido
  • 1 Nombramiento
  • 2 Historia
    • 2.1 Orígenes
    • 2.2 Desarrollo - Bruselas (1893–1898)
    • 2.3 París - Maison de l'Art Nouveau (1895) y Castel Beranger (1895-1898)
    • 2.4 Exposición Universal de París (1900)
  • 3 variaciones locales
    • 3.1 Art Nouveau en Francia
    • 3.2 Art Nouveau en Bélgica
    • 3.3 Nieuwe Kunst en los Países Bajos
    • 3.4 Estilo moderno y escuela de Glasgow en Gran Bretaña
    • 3.5 Jugendstil en Alemania
    • 3.6 Secesión en Austria – Hungría
      • 3.6.1 Secesión de Viena
      • 3.6.2 Szecesszió húngaro
      • 3.6.3 Otras variaciones
    • 3.7 Art Nouveau en Rumanía
    • 3.8 Stile Liberty en Italia
    • 3.9 Modernismo en Cataluña y España
    • 3.10 Arte Nova en Portugal
    • 3.11 Jugendstil en los países nórdicos
      • 3.11.1 Finlandia
      • 3.11.2 Noruega
      • 3.11.3 Suecia y Dinamarca
    • 3.12 Moderno en Rusia
    • 3.13 Jūgendstils (Art Nouveau en Riga)
    • 3.14 Style Sapin en La Chaux-de-Fonds, Suiza
    • 3.15 Tiffany Style y Louis Sullivan en los Estados Unidos
    • 3.16 Art Nouveau en Argentina
    • 3.17 Art Nouveau en el resto del mundo
  • 4 características
  • 5 Relación con estilos y movimientos contemporáneos
  • 6 Géneros
    • 6.1 Carteles y arte gráfico
    • 6.2 Pintura
    • 6.3 Arte en vidrio
    • 6.4 Arte del metal
    • 6.5 Joyas
    • 6.6 Arquitectura y ornamentación
    • 6.7 Escultura
    • 6.8 Mobiliario
    • 6.9 Cerámica
      • 6.9.1 Mosaicos
    • 6.10 Textiles y papel tapiz
  • 7 museos
  • 8 Véase también
  • 9 notas
  • 10 referencias
  • 11 Bibliografía
  • 12 Lecturas adicionales
  • 13 Enlaces externos

Nombrar

El término Art Nouveau se utilizó por primera vez en la década de 1880 en la revista belga L'Art Moderne para describir el trabajo de Les Vingt, veinte pintores y escultores que buscaban reformas a través del arte. El nombre fue popularizado por la Maison de l'Art Nouveau ("Casa del Arte Nuevo"), una galería de arte inaugurada en París en 1895 por el marchante de arte franco-alemán Siegfried Bing. En Gran Bretaña, el término francés Art Nouveau se usaba comúnmente, mientras que en Francia, a menudo se lo llamaba con el término Style moderne (similar al término británico Modern Style) o Style 1900. En Francia, también se le llamó a veces Style Jules Verne (en honor al novelista Jules Verne ), Style Métro (en honor a las entradas de hierro y vidrio del metro de Héctor Guimard ), Art Belle Époque o Art fin de siècle.

El Art Nouveau está relacionado, pero no es idéntico, a los estilos que surgieron en muchos países de Europa aproximadamente al mismo tiempo. Sus nombres locales se usaban a menudo en sus respectivos países para describir todo el movimiento.

  • En Bélgica, sus detractores lo llamaron a veces Style coup de fouet ("estilo Whiplash"), Paling Stijl ("estilo Eel") o Style nouille ("estilo Noodle").
  • En Gran Bretaña, además del Art Nouveau, se conocía como el estilo moderno o, debido a las obras de la Escuela de Glasgow, como el estilo de Glasgow. El término moderno también se usa en Azerbaiyán, Kazajstán, Rusia y Ucrania, y Modernas en Lituania.
  • En Alemania y Escandinavia, se llamó Reformstil ("estilo Reform"), o Jugendstil ("estilo juvenil"), después de la popular revista de arte alemana de ese nombre, así como Wellenstil ("estilo Wave"), o Lilienstil (" Estilo lirio "). Ahora se llama Jugend en Finlandia, Suecia y Noruega, Juugend en Estonia y Jūgendstils en Letonia.
  • En Dinamarca, se conoce como Skønvirke ("Obra de belleza").
  • En Austria y los países vecinos entonces formaba parte del Imperio Austro-Húngaro, Wiener Jugendstil o Secessionsstil ("estilo de la Secesión"), después de los artistas de la Secesión de Viena ( húngaro : szecesszió, checo : secese, eslovaco : secesia, polaco : secesja).
  • En Italia, a menudo se llamaba estilo Liberty, en honor a Arthur Lasenby Liberty, el fundador de Liberty amp; Co de Londres, cuyos diseños textiles eran populares. A veces también se lo llamaba Stile floreale ("estilo floral") o Arte nuova ("arte nuevo").
  • En los Estados Unidos, debido a su asociación con Louis Comfort Tiffany, a veces se le llamaba "estilo Tiffany".
  • En los Países Bajos, se llamó Nieuwe Kunst ("Arte nuevo") o Nieuwe Stijl (" Estilo nuevo").
  • En Portugal, Arte nova.
  • En España, Modernismo, Modernismo (en catalán) y Arte joven ("Arte joven").
  • En Suiza, Style Sapin ("estilo pino").
  • En Finlandia, Kalevala Style.
  • En Rusia, Модерн ("Moderno") o, para pintar, Мир Искусства ( Mir Iskusstva, "Mundo del Arte").
  • En Japón, Shiro-Uma.
  • En Rumanía, Arta Nouă ("Arte nuevo") o Noul Stil ("Estilo nuevo").

Historia

Véase también: Cronología del Art Nouveau

Orígenes

El nuevo movimiento artístico tuvo sus raíces en Gran Bretaña, en los diseños florales de William Morris y en el movimiento Arts and Crafts fundado por los alumnos de Morris. Los primeros prototipos del estilo incluyen la Casa Roja con interiores de Morris y arquitectura de Philip Webb (1859), y el lujoso Peacock Room de James Abbott McNeill Whistler. El nuevo movimiento también fue fuertemente influenciado por los pintores prerrafaelitas, incluidos Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones, y especialmente por artistas gráficos británicos de la década de 1880, incluidos Selwyn Image, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert y especialmente Aubrey. Beardsley. La silla diseñada por Arthur Mackmurdo ha sido reconocida como precursora del diseño Art Nouveau.

En Francia, recibió la influencia del historiador y teórico de la arquitectura Eugène Viollet-le-Duc, enemigo declarado del estilo arquitectónico histórico Beaux-Arts. En su libro Entretiens sur l'architecture de 1872, escribió: "Utilice los medios y el conocimiento que nos ha dado nuestro tiempo, sin las tradiciones intermedias que ya no son viables hoy, y de esa manera podemos inaugurar una nueva arquitectura. Para cada función su material; para cada material su forma y su adorno ". Este libro influyó en una generación de arquitectos, incluidos Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard y Antoni Gaudí.

Los pintores franceses Maurice Denis, Pierre Bonnard y Édouard Vuillard desempeñaron un papel importante en la integración de la pintura de bellas artes con la decoración. "Creo que ante todo debe decorar un cuadro", escribió Denis en 1891. "La elección de temas o escenas no es nada. Es por el valor de los tonos, la superficie coloreada y la armonía de las líneas que puedo llegar al espíritu y despierta las emociones ". Todos estos pintores hicieron pintura tradicional y pintura decorativa en pantallas, en vidrio y en otros medios.

Otra influencia importante en el nuevo estilo fue el japonismo. Esta fue una ola de entusiasmo por la impresión japonesa en madera, en particular las obras de Hiroshige, Hokusai y Utagawa Kunisada, que se importaron a Europa a partir de la década de 1870. El emprendedor Siegfried Bing fundó una revista mensual, Le Japon artistique en 1888, y publicó treinta y seis números antes de que terminara en 1891. Influyó tanto en coleccionistas como en artistas, incluido Gustav Klimt. Los rasgos estilizados de los grabados japoneses aparecieron en gráficos, porcelana, joyas y muebles de estilo Art Nouveau. Desde principios de 1860, se manifestó repentinamente una influencia del Lejano Oriente. En 1862, los amantes del arte de Londres o París, pudieron comprar obras de arte japonesas, porque en ese año, Japón apareció por primera vez como expositor en la Exposición Internacional de Londres. También en 1862, en París, se inauguró la tienda La Porte Chinoise, en la Rue de Rivoli, donde se vendían ukiyo-e japoneses y otros objetos del Lejano Oriente. En 1867, apareció Examples of Chinese Ornaments de Owen Jones, y en 1870 Art and Industries in Japan de R. Alcock, y dos años más tarde, OH Moser y TW Cutler publicaron libros sobre arte japonés. Algunos artistas de Art Nouveau, como Victor Horta, poseían una colección de arte del Lejano Oriente, especialmente japonés.

Las nuevas tecnologías en impresión y publicación permitieron que Art Nouveau llegara rápidamente a una audiencia global. Las revistas de arte, ilustradas con fotografías y litografías en color, jugaron un papel fundamental en la popularización del nuevo estilo. El Studio en Inglaterra, Arts et idèes y Art et décoration en Francia, y Jugend en Alemania permitieron que el estilo se extendiera rápidamente a todos los rincones de Europa. Aubrey Beardsley en Inglaterra y Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec y Félix Vallotton lograron el reconocimiento internacional como ilustradores. Con los carteles de Jules Chéret para la bailarina Loie Fuller en 1893, y de Alphonse Mucha para la actriz Sarah Bernhardt en 1895, el cartel se convirtió no solo en publicidad, sino en una forma de arte. Sarah Bernhardt puso a un lado una gran cantidad de sus carteles para venderlos a los coleccionistas.

Desarrollo - Bruselas (1893–1898)

Las primeras casas de estilo Art Nouveau, Hankar House de Paul Hankar (1893) y el Hôtel Tassel de Victor Horta (1892-1893), se construyeron casi simultáneamente en Bruselas. Hankar se inspiró particularmente en las teorías del arquitecto francés Eugène Viollet-le-Duc. Con el objetivo de crear una síntesis de bellas artes y artes decorativas, trajo a Adolphe Crespin  [ fr ] y Albert Ciamberlani  [ fr ] para decorar el interior y el exterior con esgrafiados o murales. Hankar decoró tiendas, restaurantes y galerías en lo que un crítico local llamó "un verdadero delirio de originalidad". Murió en 1901, justo cuando el movimiento comenzaba a recibir reconocimiento.

Victor Horta fue uno de los arquitectos más influyentes del Art Nouveau temprano, y su Hôtel Tassel (1892-1893) es uno de los hitos del estilo. La formación arquitectónica de Horta fue como asistente de Alphonse Balat, arquitecto de Leopoldo II de Bélgica, en la construcción de los monumentales Invernaderos de hierro y vidrio de Laeken. En 1892-1893, le dio a esta experiencia un uso muy diferente. Diseñó la residencia de un destacado químico belga, Émile Tassel, en un sitio muy estrecho y profundo. El elemento central de la casa era la escalera, no cerrada por paredes, sino abierta, decorada con una barandilla de hierro forjado ondulado y colocada debajo de una claraboya alta. Los pisos estaban sostenidos por esbeltas columnas de hierro como los troncos de los árboles. Los pisos y paredes de mosaicos fueron decorados con delicados arabescos en formas florales y vegetales, que se convirtieron en la firma más popular del estilo. En poco tiempo, Horta construyó tres casas adosadas más, todas con interiores abiertos y todas con tragaluces para obtener la máxima luz interior: el Hôtel Solvay, el Hôtel van Eetvelde y la Maison amp; Atelier Horta. Los cuatro son ahora parte de un sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Henry van de Velde, nacido en Amberes, fue otra figura fundadora en el nacimiento del Art Nouveau. Los diseños de Van de Velde incluyeron el interior de su residencia, el Bloemenwerf (1895). El exterior de la casa se inspiró en la Casa Roja, la residencia del escritor y teórico William Morris, fundador del movimiento Arts and Crafts. Con formación como pintor, Van de Velde se dedicó a la ilustración, luego al diseño de muebles y finalmente a la arquitectura. Para Bloemenwerf, creó los textiles, el papel tapiz, los cubiertos, las joyas e incluso la ropa, que combinaban con el estilo de la residencia. Van de Velde fue a París, donde diseñó muebles y decoración para Samuel Bing, cuya galería de París dio nombre al estilo. También fue uno de los primeros teóricos del Art Nouveau, que exigió el uso de líneas dinámicas, a menudo opuestas. Van de Velde escribió: "Una línea es una fuerza como todas las demás fuerzas elementales. Varias líneas juntas pero opuestas tienen una presencia tan fuerte como varias fuerzas". En 1906 partió de Bélgica hacia Weimar (Alemania), donde fundó la Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios, donde se prohibió la enseñanza de estilos históricos. Jugó un papel importante en el Werkbund alemán, antes de regresar a Bélgica.

El debut de la arquitectura Art Nouveau en Bruselas fue acompañado por una ola de Arte Decorativo en el nuevo estilo. Entre los artistas importantes se encuentran Gustave Strauven, que utilizó hierro forjado para lograr efectos barrocos en las fachadas de Bruselas; el diseñador de muebles Gustave Serrurier-Bovy, conocido por sus originales sillas y muebles articulados de metal; y el diseñador de joyas Philippe Wolfers, que hizo joyas en forma de libélulas, mariposas, cisnes y serpientes.

La Exposición Internacional de Bruselas celebrada en 1897 atrajo la atención internacional sobre el estilo; Horta, Hankar, Van de Velde y Serrurier-Bovy, entre otros, participaron en el diseño de la feria y Henri Privat-Livemont creó el cartel de la exposición.

París - Maison de l'Art Nouveau (1895) y Castel Beranger (1895-1898)

El marchante y editor de arte franco-alemán Siegfried Bing jugó un papel clave en la publicidad del estilo. En 1891, fundó una revista dedicada al arte de Japón, que ayudó a dar a conocer el japonismo en Europa. En 1892 organizó una exposición de siete artistas, entre ellos Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec y Eugène Grasset, que incluyó tanto pintura moderna como obra decorativa. Esta exposición se mostró en la Société nationale des beaux-arts en 1895. Ese mismo año, Bing abrió una nueva galería en el 22 de la rue de Provence de París, la Maison de l'Art Nouveau, dedicada a nuevas obras tanto de bellas artes como de Artes Decorativas. El interior y el mobiliario de la galería fueron diseñados por el arquitecto belga Henry van de Velde, uno de los pioneros de la arquitectura Art Nouveau. La Maison de l'Art Nouveau mostró pinturas de Georges Seurat, Paul Signac y Toulouse-Lautrec, vidrios de Louis Comfort Tiffany y Émile Gallé, joyas de René Lalique y carteles de Aubrey Beardsley. Las obras que se muestran allí no eran en absoluto uniformes en estilo. Bing escribió en 1902, "Art Nouveau, en el momento de su creación, no aspiraba en modo alguno a tener el honor de convertirse en un término genérico. Era simplemente el nombre de una casa abierta como punto de encuentro para todos los jóvenes y artistas ardientes impacientes por mostrar la modernidad de sus tendencias ".

El estilo se notó rápidamente en la vecina Francia. Después de visitar el Horta's Hôtel Tassel, Héctor Guimard construyó el Castel Béranger, uno de los primeros edificios de París con el nuevo estilo, entre 1895 y 1898. Los parisinos se quejaban de la monotonía de la arquitectura de los bulevares construidos bajo Napoleón III por Georges-Eugène Haussmann.. El Castel Beranger era una curiosa mezcla de neogótico y art nouveau, la curva de latigazo cervical líneas y formas naturales. Guimard, un hábil publicista de su trabajo, declaró: "Lo que debe evitarse a toda costa es... el paralelo y la simetría. La naturaleza es el mayor constructor de todos, y la naturaleza no hace nada que sea paralelo ni nada simétrico".

Los parisinos dieron la bienvenida al estilo original y pintoresco de Guimard; el Castel Béranger fue elegido como una de las mejores fachadas nuevas de París, iniciando la carrera de Guimard. Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas para el nuevo sistema de metro de París, lo que llamó la atención de millones de visitantes a la Exposición Universal de 1900 de la ciudad.

Exposición Universal de París (1900)

Artículo principal: Exposición Universal (1900)

La Exposition universelle de París de 1900 marcó el punto culminante del Art Nouveau. Entre abril y noviembre de 1900, atrajo a casi cincuenta millones de visitantes de todo el mundo y mostró la arquitectura, el diseño, la cristalería, el mobiliario y los objetos decorativos del estilo. La arquitectura de la Exposición era a menudo una mezcla de arquitectura Art Nouveau y Beaux-Arts : la sala principal de exposiciones, el Grand Palais, tenía una fachada Beaux-Arts completamente ajena a la espectacular escalera Art Nouveau y sala de exposiciones en el interior.

Todos los diseñadores franceses realizaron trabajos especiales para la Exposición: cristal y joyería de Lalique ; joyas de Henri Vever y Georges Fouquet ; Vidrio Daum ; la Manufacture nationale de Sèvres en porcelana ; cerámica de Alexandre Bigot ; lámparas y jarrones de vidrio esculpido de Émile Gallé ; muebles de Édouard Colonna y Louis Majorelle ; y muchas otras destacadas empresas de artes y oficios. En la Exposición de París de 1900, Siegfried Bing presentó un pabellón llamado Art Nouveau Bing, que presentaba seis interiores diferentes completamente decorados con el estilo.

La Exposición fue el primer escaparate internacional para diseñadores y artistas Art Nouveau de toda Europa y más allá. Los premiados y participantes fueron Alphonse Mucha, quien realizó murales para el pabellón de Bosnia-Herzegovina y diseñó el menú para el restaurante del pabellón; los decoradores y diseñadores Bruno Paul y Bruno Möhring de Berlín; Carlo Bugatti de Turín ; Bernhardt Pankok de Baviera ; El arquitecto y diseñador ruso Fyodor Schechtel y Louis Comfort Tiffany and Company de Estados Unidos. El arquitecto vienés Otto Wagner formó parte del jurado y presentó una maqueta del baño Art Nouveau de su propio apartamento en Viena, con bañera de cristal. Josef Hoffmann diseñó la exposición vienesa en la exposición de París, destacando los diseños de la Secesión de Viena. Eliel Saarinen ganó el reconocimiento internacional por primera vez por su diseño imaginativo del pabellón de Finlandia.

Si bien la Exposición de París fue, con mucho, la más grande, otras exposiciones hicieron mucho para popularizar el estilo. La Exposición Universal de Barcelona de 1888 marcó el inicio del modernismo en España, con algunos edificios de Lluís Domènech i Montaner. La Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna de 1902 en Turín, Italia, mostró diseñadores de toda Europa, incluidos Victor Horta de Bélgica y Joseph Maria Olbrich de Viena, junto con artistas locales como Carlo Bugatti, Galileo Chini y Eugenio Quarti.

Variaciones locales

Art Nouveau en Francia

Artículos principales: École de Nancy y Art Nouveau en París

Después de la Exposición de 1900, la capital del Art Nouveau fue París. Las residencias más extravagantes del estilo fueron construidas por Jules Lavirotte, quien cubrió por completo las fachadas con una decoración escultórica de cerámica. El ejemplo más llamativo es el Edificio Lavirotte, en 29, avenue Rapp (1901). Los edificios de oficinas y los grandes almacenes presentaban patios altos cubiertos con cúpulas de vidrieras y decoración de cerámica. El estilo fue particularmente popular en restaurantes y cafés, incluidos Maxim's en 3, rue Royale y Le Train bleu en Gare de Lyon (1900).

El estatus de París atrajo a artistas extranjeros a la ciudad. El artista de origen suizo Eugène Grasset fue uno de los primeros creadores de carteles franceses Art Nouveau. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat Noir en 1885, hizo sus primeros carteles para las Fêtes de Paris y un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890. En París, enseñó en la escuela de arte Guérin ( École normale d'enseignement du dessin), donde sus alumnos incluyeron a Augusto Giacometti y Paul Berthon. Théophile-Alexandre Steinlen, nacido en Suiza, creó el famoso cartel del cabaret Le Chat noir de París en 1896. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888 y, en 1895, hizo un cartel para la actriz Sarah Bernhardt en el jugar a Gismonda de Victorien Sardou en el Théâtre de la Renaissance. El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt.

La ciudad de Nancy en Lorena se convirtió en la otra capital francesa del nuevo estilo. En 1901 se fundó la Alliance provinciale des industries d'art, también conocida como École de Nancy, dedicada a trastocar la jerarquía que situaba la pintura y la escultura por encima de las artes decorativas. Los principales artistas que trabajaron allí fueron los creadores de jarrones de vidrio y lámparas Émile Gallé, los hermanos Daum en diseño de vidrio y el diseñador Louis Majorelle, que creó muebles con elegantes formas florales y vegetales. El arquitecto Henri Sauvage trajo el nuevo estilo arquitectónico a Nancy con su Villa Majorelle en 1902.

El estilo francés fue ampliamente difundido por nuevas revistas, incluidas The Studio, Arts et Idées y Art et Décoration, cuyas fotografías y litografías en color dieron a conocer el estilo a diseñadores y clientes adinerados de todo el mundo.

En Francia, el estilo alcanzó su cumbre en 1900 y, a partir de entonces, pasó rápidamente de moda, prácticamente desapareciendo de Francia en 1905. El Art Nouveau era un estilo de lujo, que requería artesanos expertos y muy bien pagados, y no podía ser fácil o barato en masa. -producido. Uno de los pocos productos Art Nouveau que podría producirse en masa fue el frasco de perfume, y todavía se fabrican con el estilo actual.

Art Nouveau en Bélgica

Artículos principales: Art Nouveau en Bruselas y Art Nouveau en Amberes

Bélgica fue uno de los primeros centros del Art Nouveau, gracias en gran parte a la arquitectura de Victor Horta, quien diseñó una de las primeras casas Art Nouveau, el Hôtel Tassel en 1893, y otras tres casas adosadas en variaciones del mismo estilo. Ahora son sitios del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Horta tuvo una fuerte influencia en la obra del joven Héctor Guimard, que vino a ver el Hôtel Tassel en construcción y luego declaró que Horta era el "inventor" del Art Nouveau. La innovación de Horta no fue la fachada, sino el interior, utilizando una abundancia de hierro y vidrio para abrir el espacio e inundar de luz las estancias, y decorarlas con columnas de hierro forjado y barandillas de formas vegetales curvas, que resonaban en los suelos y paredes, así como los muebles y alfombras que diseñó Horta.

Paul Hankar fue otro pionero del Art Nouveau de Bruselas. Su casa se completó en 1903, el mismo año que el Hôtel Tassel de Horta, y contó con murales esgrafiados en la fachada. Hankar fue influenciado tanto por Viollet-le-Duc como por las ideas del movimiento de artes y oficios inglés. Su idea de concepción fue unir las artes decorativas y las bellas artes en un todo coherente. Encargó al escultor Alfred Crick y al pintor Adolphe Crespin  [ fr ] la decoración de las fachadas de las casas con su obra. El ejemplo más llamativo fue la casa y estudio construido para el artista Albert Ciamberlani en 48, rue Defacqz / Defacqzstraat en Bruselas, para el que creó una exuberante fachada cubierta de murales esgrafiados con figuras pintadas y ornamentos, recreando la arquitectura decorativa del Quattrocento, o la Italia del siglo XV. Hankar murió en 1901, cuando su trabajo apenas estaba recibiendo reconocimiento.

Gustave Strauven fue el asistente de Horta, antes de comenzar su propia práctica a los 21 años. Su obra más famosa es la Maison Saint Cyr en la plaza Ambiorix de Bruselas. De tan solo cuatro metros de ancho, está decorado de arriba a abajo con adornos curvos, en un estilo virtualmente Art Nouveau-Barroco.

Otros artistas importantes de Art Nouveau de Bélgica incluyeron al arquitecto y diseñador Henry van de Velde, aunque la parte más importante de su carrera la pasó en Alemania; influyó fuertemente en la decoración del Jugendstil. Otros incluyeron al decorador Gustave Serrurier-Bovy y al artista gráfico Fernand Khnopff. Los diseñadores belgas aprovecharon una abundante oferta de marfil importado del Congo Belga ; Las esculturas mixtas, que combinan piedra, metal y marfil, de artistas como Philippe Wolfers, fueron populares.

Nieuwe Kunst en los Países Bajos

  • The Amsterdam Commodities Exchange, por Hendrik Petrus Berlage (1896-1903)

  • Armario / escritorio de Berlage (1898)

  • Póster de aceite de ensalada de Delft de Jan Toorop (1893)

  • Jarrón con diseño floral abstracto de Theo Colenbrander (1898)

  • Jarrón de porcelana diseñado por J. Jurriaaan Kok y decorado por WR Sterken (1901)

En los Países Bajos, el estilo se conocía como Nieuwe Stijl ("Nuevo estilo") o Nieuwe Kunst ("Nuevo arte"), y tomó una dirección diferente del estilo más floral y curvo de Bélgica. Fue influenciado por las formas más geométricas y estilizadas del Jugendstil alemán y la Secesión de Viena de Austria. También fue influenciado por el arte y las maderas importadas de Indonesia, luego de las Indias Orientales Holandesas, particularmente los diseños de los textiles y batik de Java.

El arquitecto y diseñador de muebles más importante del estilo fue Hendrik Petrus Berlage, quien denunció los estilos históricos y abogó por una arquitectura puramente funcional. Escribió: "Es necesario luchar contra el arte de la ilusión, y reconocer la mentira, para encontrar la esencia y no la ilusión". Como Víctor Horta y Gaudí, fue un admirador de las teorías arquitectónicas de Viollet-le-Duc. Su mobiliario fue diseñado para ser estrictamente funcional y respetar las formas naturales de la madera, en lugar de doblarla o torcerla como si fuera metal. Señaló el ejemplo de los muebles egipcios y prefirió las sillas con ángulos rectos. Su primera y más famosa obra arquitectónica fue la Beurs van Berlage (1896-1903), la Bolsa de Productos de Ámsterdam, que construyó siguiendo los principios del constructivismo. Todo era funcional, incluidas las líneas de remaches que decoraban las paredes de la sala principal. A menudo incluía torres muy altas en sus edificios para hacerlos más prominentes, una práctica utilizada por otros arquitectos Art Nouveau de la época, incluidos Joseph Maria Olbrich en Viena y Eliel Saarinen en Finlandia.

Otros edificios de este estilo incluyen el American Hotel (1898-1900), también de Berlage; y Astoria (1904-1905) de Herman Hendrik Baanders y Gerrit van Arkel en Amsterdam ; la estación de tren de Haarlem (1906-1908) y el antiguo edificio de oficinas de Holland America Lines (1917) en Rotterdam, ahora Hotel New York.

Destacados artistas gráficos e ilustradores del estilo incluyeron a Jan Toorop, cuyo trabajo se inclinó hacia el misticismo y el simbolismo, incluso en sus carteles de aceite para ensaladas. En sus colores y diseños, también mostraron en ocasiones la influencia del arte de Java.

Entre las figuras importantes de la cerámica y la porcelana holandesas se encuentran Jurriaan Kok y Theo Colenbrander. Utilizaron patrones florales coloridos y motivos Art Nouveau más tradicionales, combinados con formas inusuales de cerámica y colores oscuros y claros contrastantes, tomados de la decoración batik de Java.

Estilo moderno y escuela de Glasgow en Gran Bretaña

Artículo principal: Estilo moderno (estilo Art Nouveau británico) Véase también: Escuela de Glasgow

El Art Nouveau tiene sus raíces en Gran Bretaña, en el movimiento Arts and Crafts que comenzó en la década de 1860 y alcanzó el reconocimiento internacional en la década de 1880. Pidió un mejor tratamiento de las artes decorativas y se inspiró en la artesanía y el diseño medievales y en la naturaleza. Un ejemplo temprano notable del estilo moderno es el diseño de Arthur Mackmurdo para la portada de su ensayo sobre las iglesias de la ciudad de Sir Christopher Wren, publicado en 1883, al igual que su silla de caoba del mismo año.

Otros innovadores importantes en Gran Bretaña incluyeron a los diseñadores gráficos Aubrey Beardsley, cuyos dibujos presentaban las líneas curvas que se convirtieron en la característica más reconocible del estilo. También se podría aducir hierro forjado de flujo libre de la década de 1880, o algunos diseños textiles florales planos, la mayoría de los cuales deben algún ímpetu a los patrones de diseño del siglo XIX. Otros artistas gráficos británicos que tuvieron un lugar importante en el estilo fueron Walter Crane y Charles Ashbee.

Los grandes almacenes Liberty en Londres desempeñaron un papel importante, a través de sus coloridos diseños florales estilizados para textiles y los diseños de plata, peltre y joyería de Manxman (de ascendencia escocesa) Archibald Knox. Sus diseños de joyas en materiales y formas rompieron por completo con las tradiciones históricas del diseño de joyas.

Para la arquitectura Art Nouveau y el diseño de mobiliario, el centro más importante de Gran Bretaña fue Glasgow, con las creaciones de Charles Rennie Mackintosh y la Escuela de Glasgow, cuyo trabajo se inspiró en la arquitectura baronial escocesa y el diseño japonés. A partir de 1895, Mackintosh exhibió sus diseños en exposiciones internacionales en Londres, Viena y Turín; sus diseños influyeron particularmente en el estilo de la Secesión en Viena. Sus creaciones arquitectónicas incluyeron el edificio Glasgow Herald (1894) y la biblioteca de la Escuela de Arte de Glasgow (1897). También se ganó una gran reputación como diseñador y decorador de muebles, trabajando en estrecha colaboración con su esposa, Margaret Macdonald Mackintosh, una destacada pintora y diseñadora. Juntos crearon diseños llamativos que combinaban líneas rectas geométricas con una decoración floral suavemente curvada, en particular un símbolo famoso del estilo, la rosa de Glasgow ".

Léon-Victor Solon, hizo una importante contribución a la cerámica Art Nouveau como director de arte en Mintons. Se especializó en placas y jarrones revestidos de tubos comercializados como "artículos secesionistas" (generalmente descritos con el nombre del movimiento artístico vienés ). Además de la cerámica, diseñó textiles para la industria de la seda de puerro y doble cebo para un encuadernador (GTBagguley de Newcastle bajo Lyme), que patentó la encuadernación Sutherland en 1895.

George Skipper fue quizás el arquitecto Art Nouveau más activo de Inglaterra. El edificio Edward Everard en Bristol, construido entre 1900 y 2001 para albergar la imprenta de Edward Everard, presenta una fachada Art Nouveau. Las figuras representadas son de Johannes Gutenberg y William Morris, ambos eminentes en el campo de la imprenta. Una figura alada simboliza el "Espíritu de luz", mientras que una figura sosteniendo una lámpara y un espejo simboliza la luz y la verdad.

Jugendstil en Alemania

Véase también: Jugendstil

El Art Nouveau alemán es comúnmente conocido por su nombre alemán, Jugendstil o "Estilo juvenil". El nombre proviene de la revista artística Die Jugend, o Youth, que se publicó en Munich. La revista fue fundada en 1896 por Georg Hirth, quien permaneció como editor hasta su muerte en 1916. La revista sobrevivió hasta 1940. A principios del siglo XX, Jugendstil se aplicó solo a las artes gráficas. Se refería especialmente a las formas de tipografía y diseño gráfico que se encuentran en revistas alemanas como Jugend, Pan y Simplicissimus. Jugendstil se aplicó más tarde a otras versiones del Art Nouveau en Alemania, Países Bajos. El término fue tomado del alemán por varios idiomas de los estados bálticos y los países nórdicos para describir el Art Nouveau (ver la sección Naming).

En 1892, Georg Hirth eligió el nombre de Secesión de Munich para la Asociación de Artistas Visuales de Munich. La Secesión de Viena, fundada en 1897, y la Secesión de Berlín también tomaron sus nombres del grupo de Munich.

Las revistas Jugend y Simplicissimus, publicadas en Munich, y Pan, publicadas en Berlín, fueron importantes defensores del Jugendstil. El arte Jugendstil combinó curvas sinuosas y líneas más geométricas, y se utilizó para portadas de novelas, anuncios y carteles de exposiciones. Los diseñadores a menudo creaban estilos originales de tipografía que funcionaban armoniosamente con la imagen, por ejemplo, el tipo de letra Arnold Böcklin en 1904.

Otto Eckmann fue uno de los artistas alemanes más destacados asociados con Die Jugend y Pan. Su animal favorito era el cisne, y su influencia fue tan grande que el cisne llegó a servir como símbolo de todo el movimiento. Otro diseñador destacado en el estilo fue Richard Riemerschmid, quien hizo muebles, cerámica y otros objetos decorativos en un estilo geométrico sobrio que apuntaba hacia el Art Deco. El artista suizo Hermann Obrist, residente en Munich, ilustró el motivo del golpe de fouet o latigazo cervical, una doble curva muy estilizada que sugiere un movimiento tomado del tallo de la flor de ciclamen.

La Colonia de Artistas de Darmstadt fue fundada en 1899 por Ernest Ludwig, Gran Duque de Hesse. El arquitecto que construyó la casa del Gran Duque, así como la estructura más grande de la colonia (Torre de la boda), fue Joseph Maria Olbrich, uno de los fundadores de la Secesión de Viena. Otros artistas notables de la colonia fueron Peter Behrens y Hans Christiansen. Ernest Ludwig también se encargó de reconstruir el complejo de spa en Bad Nauheim a principios de siglo. Un complejo Sprudelhof  [ de ] completamente nuevo se construyó en 1905-1911 bajo la dirección de Wilhelm Jost  [ de ] y logró uno de los principales objetivos del Jugendstil: una síntesis de todas las artes. Otro miembro de la familia reinante que encargó una estructura Art Nouveau fue la princesa Isabel de Hesse y Rin. Fundó el Convento Marfo-Mariinsky en Moscú en 1908 y su katholikon es reconocida como una obra maestra del Art Nouveau.

Otra unión notable en el Imperio alemán fue el Deutscher Werkbund, fundado en 1907 en Munich a instancias de Hermann Muthesius por artistas de la colonia de Darmstadt Joseph Maria Olbrich, Peter Behrens ; por otro fundador de la Secesión de Viena, Josef Hoffmann, así como por Wiener Werkstätte (fundada por Hoffmann), por Richard Riemerschmid, Bruno Paul y otros artistas y compañías. Posteriormente, el belga Henry van de Velde se unió al movimiento. La Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios  [ de ], fundada por él en Weimar, fue antecesora de la Bauhaus, una de las corrientes más influyentes de la arquitectura modernista.

En Berlín, Jugendstil fue elegido para la construcción de varias estaciones de tren. La más notable es Bülowstraße de Bruno Möhring (1900-1902), otros ejemplos son Mexikoplatz (1902-1904), Botanischer Garten (1908-1909), Frohnau (1908-1910), Wittenbergplatz (1911-1913) y Pankow (1912-1912). 1914) estaciones. Otra estructura notable de Berlín es Hackesche Höfe (1906) que utilizó ladrillo vidriado policromado para la fachada del patio.

El Art Nouveau en Estrasburgo (entonces parte del Imperio Alemán como la capital del Reichsland Elsaß-Lothringen ) era una marca específica, ya que combinaba influencias de Nancy y Bruselas, con influencias de Darmstadt y Viena, para operar una síntesis local. que reflejaba la historia de la ciudad entre los reinos germánico y francés.

Secesión en Austria – Hungría

Secesión de Viena

Artículo principal: Secesión de Viena

Viena se convirtió en el centro de una variante distinta del Art Nouveau, que se conoció como la Secesión de Viena. El movimiento tomó su nombre de la Secesión de Munich establecida en 1892. La Secesión de Viena fue fundada en abril de 1897 por un grupo de artistas que incluía a Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil, Ernst Stöhr y otros. El pintor Klimt se convirtió en presidente del grupo. Se opusieron a la orientación conservadora hacia el historicismo expresada por Vienna Künstlerhaus, el sindicato oficial de artistas. La Secesión fundó una revista, Ver Sacrum, para promocionar sus trabajos en todos los medios. El arquitecto Joseph Olbrich diseñó el edificio abovedado de la Secesión con el nuevo estilo, que se convirtió en un escaparate para las pinturas de Gustav Klimt y otros artistas de la Secesión.

Klimt se convirtió en el más conocido de los pintores de la Secesión, a menudo borrando la frontera entre la pintura de bellas artes y la pintura decorativa. Koloman Moser fue un artista extremadamente versátil en el estilo; Su trabajo incluye ilustraciones de revistas, arquitectura, platería, cerámica, porcelana, textiles, vidrieras y muebles.

El arquitecto más destacado de la Secesión de Viena fue Otto Wagner, se unió al movimiento poco después de sus inicios para seguir a sus alumnos Hoffmann y Olbrich. Sus principales proyectos incluyeron varias estaciones de la red ferroviaria urbana ( Stadtbahn ), los edificios Linke Wienzeile (que consisten en Majolica House, House of Medallions y la casa en Köstlergasse). La estación de Karlsplatz es ahora una sala de exposiciones del Museo de Viena. El hospital psiquiátrico Kirche am Steinhof de Steinhof (1904-1907) es un ejemplo único y finamente elaborado de la arquitectura religiosa de la Secesión, con un exterior abovedado tradicional pero un interior elegante y moderno en oro y blanco iluminado por abundantes vidrieras modernas.

En 1899 Joseph Maria Olbrich se trasladó a la Colonia de Artistas de Darmstadt, en 1903 Koloman Moser y Josef Hoffmann fundaron la Wiener Werkstätte, una escuela de formación y taller para diseñadores y artesanos de muebles, alfombras, textiles y objetos decorativos. En 1905 Koloman Moser y Gustav Klimt se separaron de la Secesión de Viena, más tarde en 1907 Koloman Moser también dejó Wiener Werkstätte, mientras que su otro fundador, Josef Hoffmann, se unió al Deutscher Werkbund. Gustav Klimt y Josef Hoffmann continuaron colaborando, organizaron la Exposición Kunstschau  [ de ] en 1908 en Viena y construyeron el Palacio Stoclet en Bruselas (1905-1911) que anunció la llegada de la arquitectura modernista. Fue designado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en junio de 2009.

Szecesszió húngaro

El pionero y profeta de la Szecesszió (Secesión en húngaro), el arquitecto Ödön Lechner, creó edificios que marcaron una transición del historicismo al modernismo para la arquitectura húngara. Su idea para un estilo arquitectónico húngaro fue el uso de cerámicas arquitectónicas y motivos orientales. En sus obras, utilizó pigorganita puesta en producción en 1886 por Zsolnay Porcelain Manufactory. Este material se utilizó en la construcción de notables edificios húngaros de otros estilos, por ejemplo, el edificio del parlamento húngaro y la iglesia de Matías.

Las obras de Ödön Lechner incluyen el Museo de Artes Aplicadas (1893–1896), otros edificios con características distintivas similares son el Museo Geológico (1896–1899) y el edificio de la Caja de Ahorros Postal (1899–1902), todos en Budapest. Sin embargo, debido a la oposición del establecimiento arquitectónico húngaro al éxito de Lechner, pronto no pudo obtener nuevos encargos comparables a sus edificios anteriores. Pero Lechner fue una inspiración y un maestro para la siguiente generación de arquitectos que desempeñaron el papel principal en la popularización del nuevo estilo. Dentro del proceso de Magiarización, se encargaron numerosos edificios a sus discípulos en las afueras del reino: por ejemplo, a Marcell Komor  [ hu ] y Dezső Jakab se les encargó la construcción de la Sinagoga (1901-1903) y el Ayuntamiento (1908-1910) en Szabadka (ahora Subotica, Serbia ), Prefectura del condado (1905-1907) y Palacio de la Cultura (1911-1913) en Marosvásárhely (ahora Târgu Mureș, Rumania ). Más tarde, el propio Lechner construyó la Iglesia Azul en Pozsony (actual Bratislava, Eslovaquia ) en 1909-1913.

Otro arquitecto importante fue Károly Kós, seguidor de John Ruskin y William Morris. Kós tomó el movimiento del nacional romanticismo finlandés como modelo y la lengua vernácula de Transilvania como inspiración. Sus edificios más notables incluyen la Iglesia Católica Romana en Zebegény (1908–09), los pabellones del Zoológico Municipal de Budapest (1909–1912) y el Museo Nacional Székely en Sepsiszentgyörgy (ahora Sfântu Gheorghe, Rumania, 1911–12).

El movimiento que promovió Szecesszió en las artes fue Gödöllő Art Colony, fundada por Aladár Körösfői-Kriesch, también seguidor de John Ruskin y William Morris y profesor de la Royal School of Applied Arts de Budapest en 1901. Sus artistas participaron en numerosos proyectos, incluida la Academia de Música Franz Liszt en Budapest.

Miksa Róth, asociado de Gödöllő Art Colony, también participó en varias docenas de proyectos de Szecesszió, incluidos edificios de Budapest, como el Palacio Gresham (vidrieras, 1906) y el Banco Török  [ fr ] (mosaicos, 1906) y también creó mosaicos y vidrieras para el Palacio. of Culture (1911-1913) en Marosvásárhely.

Un notable diseñador de muebles es Ödön Faragó  [ hu ], que combinó la arquitectura popular tradicional, la arquitectura oriental y el Art Nouveau internacional en un estilo muy pintoresco. Pál Horti  [ hu ], otro diseñador húngaro, tenía un estilo mucho más sobrio y funcional, realizado en roble con delicadas tracerías de ébano y latón.

Otras variaciones

El arquitecto modernista esloveno más prolífico fue Ciril Metod Koch. Estudió en las clases de Otto Wagner en Viena y trabajó en el Ayuntamiento de Laybach (ahora Ljubljana, Eslovenia ) de 1894 a 1923. Después del terremoto de Laybach en 1895, diseñó muchos edificios seculares en estilo de la Secesión que adoptó de 1900 a 1923. 1910: Pogačnik House (1901), Čuden Building (1901), The Farmers Loan Bank (1906–07), renovado Hauptmann Building en estilo secesionista en 1904. Lo más destacado de su carrera fue el Loan Bank en Radmannsdorf (ahora Radovljica ) en 1906.

Los edificios de la Secesión más notables de Praga son ejemplos de arte total con arquitectura, escultura y pinturas distintivas. La estación principal de trenes (1901-1909) fue diseñada por Josef Fanta y presenta pinturas de Václav Jansa y esculturas de Ladislav Šaloun y Stanislav Sucharda junto con otros artistas. La Casa Municipal (1904-1912) fue diseñada por Osvald Polívka y Antonín Balšánek, pintada por el famoso pintor checo Alphonse Mucha y presenta esculturas de Josef Mařatka y Ladislav Šaloun. Polívka, Mařatka y Šaloun cooperaron simultáneamente en la construcción del Nuevo Ayuntamiento (1908-1911) junto con Stanislav Sucharda, y posteriormente Mucha pintó las vidrieras de la Catedral de San Vito con su estilo distintivo.

El estilo de combinar Szecesszió húngaro y elementos arquitectónicos nacionales era típico del arquitecto eslovaco Dušan Jurkovič. Sus obras más originales son la Casa Cultural en Szakolca (ahora Skalica en Eslovaquia, 1905), los edificios del balneario en Luhačovice (ahora República Checa) en 1901-1903 y 35 cementerios de guerra cerca de Nowy Żmigród en Galicia (ahora Polonia), la mayoría de ellos estaban fuertemente influenciados por el arte popular y la carpintería locales de Lemko ( Rusyn ) (1915-1917).

Art Nouveau en Rumania

Ver también: arquitectura renacentista rumana

  • El Casino Constanța de Daniel Renard y Petre Antonescu (1905-1910)

  • El centro de una estufa de una casa de la ciudad en el área de Rosetti Square (Bucarest)

  • Puerta en la plaza Mihail Kogălniceanu, Bucarest

  • Relieve en la fachada de un pequeño bloque, cerca del Hospital Colțea, Bucarest

  • Mița la casa ciclista de Bucarest (1900), combinación de renacimiento barroco y Art Nouveau

  • Casa en la calle Dimitrie Racoviță, Bucarest

  • La casa Dianu de Craiova (1900-1905)

  • La casa Dinu Lipatti de Bucarest de Petre Antonescu (1902), combinación de renacimiento barroco y Art Nouveau

  • La casa de Romulus Porescu de Bucarest por Dumitru Maimarolu (1905), Art Nouveau con influencias del Renacimiento barroco

  • La parte superior de una estufa de azulejos del Museo George Severeanu, Bucarest

  • Detalle de una valla en Lascăr Catargiu Boulevard, Bucarest

  • Frescos en el techo del pórtico de la iglesia del monasterio de Antim, Bucarest

  • Puerta de arco trilobulado del Renacimiento rumano de Bucarest, que muestra elementos Art Nouveau

El Casino Constanța es probablemente el ejemplo más famoso de Art Nouveau en Rumania. El tema Casino, Kurhaus o Kursaal es específico de la Belle Époque. El autor del casino, iniciado en 1905 y terminado en 1910, es el arquitecto Daniel Renard, que estudió en París entre 1894 y 1900. Firmó tanto los planos arquitectónicos como decorativos del casino. Específico del Art Nouveau es la ornamentación en relieve de las fachadas, ya sea con motivos florales naturalistas, como los de la Escuela de Nancy, o motivos inspirados en la fauna marina, como conchas y delfines. Una de las casas Art Nouveau de Bucarest es la Casa Dinu Lipatti (nº 12, Bulevar Lascăr Catargiu), de Petre Antonescu, cuyo motivo central es el arco de entrada, sobre el que hay un mascaron femenino en alto relieve. Entre los ejemplos de arquitectura Art Nouveau en Bucarest se encuentran las casas adosadas, que a veces solo tienen ventanas en forma de herradura u otras formas u ornamentos específicos del Art Nouveau. Un ejemplo es la Casa Romulus Porescu (nº 12, calle Doctor Paleologu), que también tiene vidrieras del Renacimiento egipcio en las ventanas de las esquinas. Algunos de los edificios del Renacimiento barroco en Bucarest tienen influencias del Art Nouveau o neorocaille, entre ellos el Observatorio de Bucarest (n. ° 21, Bulevar Lascăr Catargiu), casa n. 58 en la calle Sfinții Voievozi, la Casa del Ciclista Mița (no. 9, calle Biserica Amzei, o no. 11, calle Christian Tell) y el Palacio Cantacuzino (no. 141, Avenida Victoria ). El estilo del Renacimiento rumano, presente en la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico, incluye elementos Art Nouveau.

  • Portada de la revista Literatură și Artă Română ("Literatura y artes rumanas") (1899)

  • Panel decorativo de Ștefan Luchian (1900)

  • Primavera, panel decorativo de Ștefan Luchian (1901)

  • Mujer joven de Ștefan Luchian, dibujo para la portada de la revista Ileana

  • Sello de la Weaver Charity Society (1906)

  • El hada del agua de Elena Alexandrina Bednarik (1908)

  • La portada de un pequeño libro de poesía de 1908.

  • La portada de un pequeño libro de poesía de 1908

  • La portada de una pequeña revista de poesía de la serie Biblioteca Societății (1912)

Uno de los pintores de Art Nouveau más notables de Rumanía fue Ștefan Luchian, quien rápidamente se hizo cargo de las direcciones innovadoras y decorativas del Art Nouveau durante un corto período de tiempo. El momento estuvo sincronizado con la fundación de la Sociedad Ileana en 1897, de la que fue miembro fundador, empresa que organizó una exposición (1898) en el Hotel Unión titulada La Exposición de Artistas Independientes y publicó una revista - la Revista Ileana.

Transilvania tiene ejemplos de edificios Art Nouveau y del Renacimiento rumano, el primero de los cuales es de la era austrohúngara. La mayoría de ellos se encuentran en Oradea, apodada la "capital Art Nouveau de Rumanía", pero también en Timișoara, Târgu Mureș y Sibiu.

Stile Liberty en Italia

Artículo principal: estilo Liberty

El Art Nouveau en Italia se conocía como arte nuova, stile floreale, stile moderno y especialmente stile Liberty. El estilo Liberty tomó su nombre de Arthur Lasenby Liberty y la tienda que fundó en 1874 en Londres, Liberty Department Store, que se especializaba en la importación de adornos, textiles y objetos de arte de Japón y el Lejano Oriente, y cuyos coloridos textiles eran particularmente populares en Italia.. Los diseñadores italianos notables en el estilo incluyeron a Galileo Chini, cuyas cerámicas a menudo se inspiraron tanto en patrones de mayólica. Más tarde fue conocido como pintor y diseñador de escenografías teatrales; diseñó los decorados para dos célebres óperas de Puccini, Gianni Schicchi y Turandot.

La arquitectura de estilo Liberty varió mucho y, a menudo, siguió estilos históricos, particularmente el barroco. Las fachadas a menudo estaban empapadas de decoración y escultura. Ejemplos del estilo Liberty incluyen el Villino Florio (1899-1902) de Ernesto Basile en Palermo ; el Palazzo Castiglioni de Milán de Giuseppe Sommaruga (1901-1903); Milán y la Casa Guazzoni (1904–05) en Milán de Giovanni Battista Bossi (1904–06).

Los coloridos frescos, pintados o en cerámica, y la escultura, tanto en el interior como en el exterior, eran una característica popular del estilo Liberty. Se basaron en temas tanto clásicos como florales. como en los baños de Acque della Salute y en la Casa Guazzoni de Milán.

La figura más importante en el diseño de estilo Liberty fue Carlo Bugatti, hijo de un arquitecto y decorador, padre de Rembrandt Bugatti, escultor de Liberty, y de Ettore Bugatti, famoso diseñador de automóviles. Estudió en la Academia Milanesa de Brera y más tarde en la Académie des Beaux-Arts de París. Su trabajo se distinguió por su exotismo y excentricidad, incluidos cubiertos, textiles, cerámica e instrumentos musicales, pero es mejor recordado por sus diseños de muebles innovadores, que se mostraron por primera vez en la Feria de Bellas Artes de Milán de 1888. Sus muebles a menudo presentaban un diseño de ojo de cerradura y tenían revestimientos inusuales, que incluían pergamino y seda, e incrustaciones de hueso y marfil. También a veces tenía formas orgánicas sorprendentes, copiadas de caracoles y cobras.

Modernismo en Cataluña y España

Artículos principales: Modernismo y Art Nouveau valenciano

Una variante muy original del estilo surgió en Barcelona, Cataluña, casi al mismo tiempo que apareció el estilo Art Nouveau en Bélgica y Francia. Se llamó Modernismo en catalán y Modernismo en castellano. Su creador más famoso fue Antoni Gaudí. Gaudí utilizó formas florales y orgánicas de una forma muy novedosa en el Palau Güell (1886-1890). Según la UNESCO, "la arquitectura del parque combinó elementos del movimiento Arts and Crafts, el simbolismo, el expresionismo y el racionalismo, y presagió e influyó en muchas formas y técnicas del modernismo del siglo XX". Integró la artesanía como cerámica, vidrieras, hierro forjado forja y carpintería en su arquitectura. En sus Pabellones Güell (1884-1887) y luego en el Parc Güell (1900-1914) también utilizó una nueva técnica llamada trencadís, que utilizaba piezas cerámicas de desecho. Sus diseños de alrededor de 1903, la Casa Batlló (1904-1906) y la Casa Milà (1906-1912), están más estrechamente relacionados con los elementos estilísticos del Art Nouveau. Estructuras posteriores, como la Sagrada Familia, combinaron elementos Art Nouveau con neogótico revivalista. Casa Batlló, Casa Milà, Pabellones Güell y Parc Güell fueron fruto de su colaboración con Josep Maria Jujol, quien él mismo creó casas en Sant Joan Despí (1913-1926), varias iglesias cerca de Tarragona (1918 y 1926) y la sinuosa Casa Planells. (1924) en Barcelona.

Además de la presencia dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner también utilizó el Art Nouveau en Barcelona en edificios como el Castell dels Tres Dragons (1888), Casa Lleó Morera, Palau de la Música Catalana (1905) y Hospital de Sant Pau (1901– 1930). Los dos últimos edificios han sido catalogados por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad.

Otro gran modernista fue Josep Puig i Cadafalch, que diseñó la Casa Martí y su café Els Quatre Gats, la fábrica textil Casimir Casaramona (ahora museo de arte CaixaFòrum ), Casa Macaya, Casa Amatller, el Palau del Baró de Quadras (que alberga Casa Àsia durante 10 años hasta 2013) y la Casa de les Punxes ("Casa de los Spikes").

También hubo un movimiento Art Nouveau distintivo en la Comunidad Valenciana. Algunos de los arquitectos destacados fueron Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud y José María Manuel Cortina Pérez. Las características definitorias del modernismo valenciano son un notable uso de la cerámica en la decoración, tanto en la fachada como en la ornamentación, y también el uso de motivos regionales valencianos.

Otra variante destacable es el Art Nouveau madrileño o "Modernismo madrileño", con edificios tan notables como el Palacio Longoria, el Casino de Madrid o el Cementerio de la Almudena, entre otros. Modernistas de renombre de Madrid fueron los arquitectos José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti y Francisco Andrés Octavio  [ ES ].

Véase también: Art Nouveau en Alcoy

El movimiento del Modernismo dejó una amplia herencia artística que incluye dibujos, pinturas, esculturas, trabajos en vidrio y metal, mosaicos, cerámicas y muebles. Una parte se encuentra en el Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Inspirado en un café de París llamado Le Chat Noir, donde había trabajado anteriormente, Pere Romeu i Borràs  [ ca ] decidió abrir un café en Barcelona que se llamó Els Quatre Gats (Cuatro gatos en catalán). El café se convirtió en un punto de encuentro central para las figuras más destacadas del Modernismo de Barcelona, como Pablo Picasso y Ramon Casas i Carbó, que ayudaron a promover el movimiento con sus carteles y postales. Para el café creó un cuadro llamado Ramon Casas y Pere Romeu en un Tándem que fue reemplazado por su otra composición titulada Ramon Casas y Pere Romeu en un automóvil en 1901, que simboliza el nuevo siglo.

Antoni Gaudí diseñó muebles para muchas de las casas que construyó; un ejemplo es un sillón llamado para la Casa de Batalla. Influyó en otro notable diseñador de muebles catalán, Gaspar Homar  [ ca ] (1870-1953), que a menudo combinaba marquetería y mosaicos con su mobiliario.

Arte Nova en Portugal

La variante Art Nouveau en Aveiro (Portugal) se llamaba Arte Nova, y su principal rasgo característico era la ostentación: el estilo era utilizado por la burguesía que quería expresar su riqueza en las fachadas dejando los interiores conservadores. Otro rasgo distintivo de Arte Nova fue el uso de azulejos de producción local con motivos Art Nouveau.

El artista más influyente de Arte Nova fue Francisco Augusto da Silva Rocha. Aunque no se formó como arquitecto, diseñó muchos edificios en Aveiro y en otras ciudades de Portugal. Uno de ellos, la residencia Major Pessoa, tiene una fachada e interior Art Nouveau, y ahora alberga el Museo de Arte Nova.

Hay otros ejemplos de Arte Nova en otras ciudades de Portugal. Algunos de ellos son el Museo-Residencia Dr. Anastácio Gonçalves de Manuel Joaquim Norte Júnior  [ pt ] (1904-1905) en Lisboa, Café Majestic de João Queiroz  [ pt ] (1921) y la librería Livraria Lello de Xavier Esteves  [ pt ] ( 1906), ambos en Oporto.

Jugendstil en los países nórdicos

Finlandia

El Art Nouveau era popular en los países nórdicos, donde generalmente se lo conocía como Jugendstil, y a menudo se combinaba con el estilo romántico nacional de cada país. El país nórdico con el mayor número de edificios Jugendstil es el Gran Ducado de Finlandia, entonces parte del Imperio Ruso. El período Jugendstil coincidió con la Edad de Oro del arte finlandés y el despertar nacional. Después de la Exposición de París de 1900, el principal artista finlandés fue Akseli Gallen-Kallela. Es conocido por sus ilustraciones del Kalevala, la epopeya nacional finlandesa, así como por pintar numerosos edificios Judendstil en el Ducado.

Los arquitectos del pabellón finlandés en la Exposición fueron Herman Gesellius, Armas Lindgren y Eliel Saarinen. Trabajaron juntos desde 1896 hasta 1905 y crearon muchos edificios notables en Helsinki, incluido el edificio Pohjola Insurance (1899-1901) y el Museo Nacional de Finlandia (1905-1910), así como su residencia conjunta Hvitträsk en Kirkkonummi (1902). Los arquitectos se inspiraron en las leyendas nórdicas y la naturaleza, por lo que la fachada de granito rugoso se convirtió en un símbolo de pertenencia a la nación finlandesa. Después de la disolución de la empresa, Saarinen diseñó la estación de tren de Helsinki (1905-1914) con formas más claras, influenciadas por la arquitectura estadounidense. El escultor que trabajó con Saarinen en la construcción del Museo Nacional de Finlandia y la estación de tren de Helsinki fue Emil Wikström.

Otro arquitecto que creó varias obras notables en Finlandia fue Lars Sonck. Sus principales obras de Jugendstil incluyen la Catedral de Tampere (1902-1907), Ainola, la casa de Jean Sibelius (1903), la sede de la Asociación Telefónica de Helsinki (1903-1907) y la Iglesia Kallio en Helsinki (1908-1912). Además, Magnus Schjerfbeck, hermano de Helene Schjerfbeck, hizo el sanatorio de tuberculosis conocido como Sanatorio Nummela en 1903 usando el estilo Jugendstil.

Noruega

  • Diseño gráfico de Gerhard Munthe (1914)

  • Silla vikinga Art Nouveau del diseñador noruego Lars Kinsarvik (1900)

  • Centro Art Nouveau de Ålesund (1905-1907)

  • Interior del Centro Art Nouveau en Ålesund

  • Adornos de una puerta en el centro Art Nouveau de Ålesund

Noruega también aspiraba a la independencia (de Suecia) y el Art Nouveau local estaba relacionado con un renacimiento inspirado en el arte y la artesanía populares vikingos. Los diseñadores notables incluyeron a Lars Kisarvik, que diseñó sillas con patrones tradicionales vikingos y celtas, y Gerhard Munthe, que diseñó una silla con un emblema de cabeza de dragón estilizado de antiguos barcos vikingos, así como una amplia variedad de carteles, pinturas y gráficos.

La ciudad noruega de Ålesund está considerada como el principal centro del Art Nouveau en Escandinavia porque fue completamente reconstruida después de un incendio del 23 de enero de 1904. Se construyeron alrededor de 350 edificios entre 1904 y 1907 bajo un plan urbano diseñado por el ingeniero Frederik Næsser. La fusión de unidad y variedad dio origen a un estilo conocido como Ål Stil. Los edificios del estilo tienen una decoración lineal y ecos de elementos tanto Jugendstil como vernáculos, por ejemplo, torres de iglesias de madera o los techos con cresta. Uno de los edificios, Swan Pharmacy, ahora alberga el Centro Art Nouveau.

Suecia y Dinamarca

Las obras maestras del Jugendstil de otros países nórdicos incluyen Engelbrektskyrkan (1914) y el Royal Dramatic Theatre (1901-1908) en Estocolmo, Suecia y la antigua biblioteca municipal (ahora Danish National Business Archives ) en Aarhus, Dinamarca (1898-1901). El arquitecto de este último es Hack Kampmann, entonces un defensor del estilo romántico nacional que también creó Custom House, Theatre y Villa Kampen en Aarhus. El diseñador de Art Nouveau más notable de Dinamarca fue el platero Georg Jensen. La Exposición del Báltico en Malmö 1914 puede verse como la última gran manifestación del Jugendstil en Suecia.

Moderno en Rusia

Artículos principales: Mir Iskusstva y la arquitectura Art Nouveau en Rusia

Модерн ("Moderno") fue una variación rusa muy colorida del Art Nouveau que apareció en Moscú y San Petersburgo en 1898 con la publicación de una nueva revista de arte, "Мир искусства" (transliteración: Mir Iskusstva ) ("El mundo del arte"), por los artistas rusos Alexandre Benois y Léon Bakst, y el editor en jefe Sergei Diaghilev. La revista organizó exposiciones de los principales artistas rusos, incluidos Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan y el ilustrador de libros Ivan Bilibin. El estilo World of Art hizo menos uso de las formas vegetales y florales del Art Nouveau francés; se basaba en gran medida en los colores brillantes y los diseños exóticos del folclore y los cuentos de hadas rusos. La contribución más influyente del "Mundo del Arte" fue la creación de una nueva compañía de ballet, los Ballets Russes, dirigida por Diaghilev, con vestuario y decorados diseñados por Bakst y Benois. La nueva compañía de ballet se estrenó en París en 1909 y actuó allí todos los años hasta 1913. Los exóticos y coloridos decorados diseñados por Benois y Bakst tuvieron un gran impacto en el arte y el diseño franceses. El vestuario y la escenografía se reprodujeron en las principales revistas de París, L'Illustration, La Vie parisienne y Gazette du bon ton, y el estilo ruso se hizo conocido en París como à la Bakst. La compañía quedó varada en París primero por el estallido de la Primera Guerra Mundial, y luego por la Revolución Rusa en 1917, e irónicamente nunca actuó en Rusia.

De los arquitectos rusos, el más destacado en el estilo Art Nouveau puro fue Fyodor Schechtel. El ejemplo más famoso es la Casa Ryabushinsky en Moscú. Fue construido por un empresario ruso y propietario de un periódico y luego, después de la Revolución Rusa, se convirtió en la residencia del escritor Maxim Gorky, y ahora es el Museo Gorky. Su escalera principal, hecha de un agregado pulido de hormigón, mármol y granito, tiene líneas fluidas y rizadas como las olas del mar, y está iluminada por una lámpara en forma de medusa flotante. El interior también cuenta con puertas, ventanas y techo decorados con coloridos frescos de mosaico. Schechtel, quien también es considerado una figura importante en el simbolismo ruso, diseñó varios otros edificios emblemáticos en Moscú, incluida la reconstrucción de la estación de tren de Moscú Yaroslavsky, en un estilo renacentista más tradicional de Moscú.

Otros arquitectos rusos de la época crearon la arquitectura del Renacimiento ruso, que se basó en la arquitectura histórica rusa. Estos edificios se crearon principalmente en madera y se refirieron a la Arquitectura de Kievan Rus '. Un ejemplo es la Casa Teremok en Talashkino (1901-1902) de Sergey Malyutin, y la Casa Pertsova (también conocida como Casa Pertsov) en Moscú (1905-1907). También fue miembro del movimiento Mir iskusstva. El arquitecto de San Petersburgo Nikolai Vasilyev construyó en una variedad de estilos antes de emigrar en 1923. Este edificio es más notable por las tallas de piedra hechas por Sergei Vashkov inspiradas en las tallas de la Catedral de San Demetrio en Vladimir y la Catedral de San Jorge en Yuryev-Polsky de la Siglos XII y XIII. El Convento Marfo-Mariinsky (1908-1912) de Alexey Shchusev es una versión actualizada de una clásica Iglesia Ortodoxa Rusa. Más tarde, Shchusev diseñó el Mausoleo de Lenin (1924) en Moscú.

Varias colonias de arte en Rusia en este período se construyeron en el estilo del Renacimiento ruso. Las dos colonias más conocidas estaban situadas en Abramtsevo, financiada por Savva Mamontov, y Talashkino, gobernación de Smolensk, financiada por la princesa Maria Tenisheva. Un ejemplo de esta arquitectura del Renacimiento ruso es el Convento Marfo-Mariinsky (1908-1912), una Iglesia Ortodoxa Rusa actualizada por Alexey Shchusev, quien más tarde, irónicamente, diseñó el Mausoleo de Lenin en Moscú.

Jūgendstils (Art Nouveau en Riga)

Artículo principal: Arquitectura Art Nouveau en Riga

  • Fachada de la casa de Elizabetes ielā, 10b, de Mikhail Eisenstein (1903)

  • Escalera en la casa Pēkšēns de Konstantīns Pēkšēns (1903) que ahora alberga el museo Jūgendstils de Riga

  • Decoración romántica nacional en una casa construida por Konstantīns Pēkšēns (1908)

  • Ministerio de Educación, construido por Edgar Friesendorf (1911)

Riga, la actual capital de Letonia, era en ese momento una de las principales ciudades del Imperio Ruso. No obstante, la arquitectura Art Nouveau en Riga se desarrolló de acuerdo con su propia dinámica, y el estilo se volvió abrumadoramente popular en la ciudad. Poco después de la Exposición Etnográfica de Letonia en 1896 y la Exposición Industrial y Artesanal de 1901, el Art Nouveau se convirtió en el estilo dominante en la ciudad. Por lo tanto, la arquitectura Art Nouveau representa un tercio de todos los edificios en el centro de Riga, lo que la convierte en la ciudad con la mayor concentración de tales edificios en todo el mundo. La cantidad y calidad de la arquitectura Art Nouveau fue uno de los criterios para incluir a Riga en el Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO.

Hubo diferentes variaciones de la arquitectura Art Nouveau en Riga:

  • en el Art Nouveau ecléctico, los elementos florales y otros elementos de decoración inspirados en la naturaleza fueron los más populares. Ejemplos de esa variación son las obras de Mikhail Eisenstein,
  • en el Art Nouveau perpendicular, los ornamentos geométricos se integraron en las composiciones verticales de las fachadas. Se construyeron varios grandes almacenes con este estilo, y a veces también se lo conoce como "estilo de grandes almacenes" o Warenhausstil en alemán.
  • El Art Nouveau Romántico Nacional se inspiró en el arte popular local, los volúmenes monumentales y el uso de materiales de construcción naturales.

Algunos edificios neoclásicos posteriores también contenían detalles Art Nouveau.

Style Sapin en La Chaux-de-Fonds, Suiza

Artículo principal: Style Sapin

  • Villa Fallet con decoración inspirada en el abeto (1906) de Le Corbusier (1905)

  • Crematorio (1908–10), interior, con un estilizado diseño de abeto en el techo. Posteriormente se añadieron los murales simbolistas de L'Epplattenier.

  • Crematorio (1908–10), con detalle estilizado de "sapin" o piña

  • Crematorio (1908–10), con detalle de piña.

Una variación llamada Style Sapin ("Estilo de pino") surgió en La Chaux-de-Fonds en el cantón de Neuchâtel en Suiza. El estilo fue lanzado por el pintor y artista Charles l'Eplattenier y se inspiró especialmente en el sapin, o pino, y otras plantas y vida silvestre de las montañas del Jura. Una de sus principales obras fue el Crematorio de la ciudad, que presentaba formas triangulares de árboles, piñas y otros temas naturales de la región. El estilo también se mezcló con los elementos estilísticos más geométricos del Jugendstil y la Secesión de Viena.

Otro edificio notable en el estilo es la Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, un chalet diseñado y construido en 1905 por un estudiante de L'Epplattenier, Le Corbusier, de dieciocho años. La forma de la casa era un chalet suizo tradicional, pero la decoración de la fachada incluía árboles triangulares y otras características naturales. Le Corbusier construyó dos chalés más en la zona, incluido el Villa Stotzer, en un estilo de chalet más tradicional.

Tiffany Style y Louis Sullivan en Estados Unidos

En los Estados Unidos, la firma de Louis Comfort Tiffany jugó un papel central en el Art Nouveau estadounidense. Nacido en 1848, estudió en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York, comenzó a trabajar con el vidrio a los 24 años, entró en el negocio familiar iniciado por su padre y en 1885 montó su propia empresa dedicada al vidrio fino, y desarrolló nuevas técnicas para su coloración. En 1893, comenzó a hacer jarrones y cuencos de vidrio, nuevamente desarrollando nuevas técnicas que permitían formas y colores más originales, y comenzó a experimentar con vidrios decorativos para ventanas. Las capas de vidrio fueron impresas, veteadas y superpuestas, dando una excepcional riqueza y variedad de color en 1895 sus nuevas obras fueron presentadas en la galería Art Nouveau de Siegfried Bing, lo que le dio una nueva clientela europea. Después de la muerte de su padre en 1902, se hizo cargo de toda la empresa Tiffany, pero todavía dedicó gran parte de su tiempo al diseño y fabricación de objetos de arte en vidrio. A instancias de Thomas Edison, comenzó a fabricar lámparas eléctricas con pantallas de vidrio multicolor en estructuras de bronce y hierro, o decoradas con mosaicos, producidas en numerosas series y ediciones, cada una realizada con el cuidado de una joya. Un equipo de diseñadores y artesanos trabajó en cada producto. La lámpara Tiffany en particular se convirtió en uno de los íconos del Art Nouveau, pero los artesanos (y artesanas) de Tiffany diseñaron e hicieron extraordinarias ventanas, jarrones y otras obras de arte en vidrio. El vidrio de Tiffany también tuvo un gran éxito en la Exposición Universal de 1900 en París; su vidriera llamada El Vuelo de las Almas ganó una medalla de oro. La Exposición Colombina fue un lugar importante para Tiffany; una capilla que diseñó se mostró en el Pabellón de Arte e Industria. La Capilla Tiffany, junto con una de las ventanas de la casa de Tiffany en Nueva York, ahora se exhiben en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida.

Otra figura importante del Art Nouveau estadounidense fue el arquitecto Louis Sullivan. Sullivan fue un pionero de la arquitectura moderna estadounidense. Fue el fundador de la Escuela de Chicago, el arquitecto de algunos de los primeros rascacielos y el maestro de Frank Lloyd Wright. Su dicho más famoso fue "La forma sigue a la función". Si bien la forma de sus edificios fue determinada por su función, su decoración fue un ejemplo del Art Nouveau estadounidense. En la Exposición Universal Colombina de 1893 en Chicago, más famosa por la arquitectura neoclásica de su famosa Ciudad Blanca, diseñó una espectacular entrada Art Nouveau para el muy funcional Edificio de Transporte.

Si bien la arquitectura de su Carson, Pirie, Scott and Company Building (1899) (ahora el Sullivan Center ) era sorprendentemente moderna y funcional, rodeó las ventanas con una decoración floral estilizada. Inventó una decoración igualmente original para el National Farmer's Bank of Owatonna, Minnestota (1907-1908) y el Merchants 'National Bank en Grinell, Iowa. Inventó una variedad específicamente estadounidense de Art Nouveau, declarando que las formas decorativas deben oscilar, surgir, mezclarse y derivar sin fin. Creó obras de gran precisión que a veces combinaban temas góticos con Art Nouveau.

Art Nouveau en Argentina

Inundada de inmigrantes europeos, Argentina acogió todos los estilos artísticos y arquitectónicos europeos, incluido el Art Nouveau. Las ciudades con el patrimonio Art Nouveau más notable de Argentina son Buenos Aires, Rosario y Mar del Plata.

París fue un prototipo de Buenos Aires con la construcción de grandes bulevares y avenidas en el siglo XIX. El estilo local, junto con la influencia francesa, también siguió a la libertad italiana, ya que muchos arquitectos ( Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti ) eran italianos. En las obras de Julián García Núñez  [ ES ] influencia catalán puede ser que se indique lo completó sus estudios en Barcelona en 1900. La influencia de la Secesión de Viena se encuentran en el edificio de Paso y Viamonte.

La introducción del Art Nouveau en Rosario está conectado a Francisco Roca Simó  [ ES ] que se formó en Barcelona. Su Club Español edificio  [ ES ] (1912) cuenta con una de las mayores vidrieras de América Latina producido (así como baldosas y cerámica) por la firma local Buxadera, Fornells y Cía. El escultor del edificio es Diego Masana de Barcelona.

La influencia belga en el Art Nouveau argentino está representada por la Villa Ortiz Basualdo, que ahora alberga el Museo Municipal de Arte Juan Carlos Castagnino en Mar del Plata, donde el mobiliario, los interiores y la iluminación son de Gustave Serrurier-Bovy.

Art Nouveau en el resto del mundo

Como en Argentina, el Art Nouveau en otros países fue influenciado principalmente por artistas extranjeros:

Los motivos Art Nouveau también se pueden encontrar en la arquitectura colonial francesa en toda la Indochina francesa.

Un movimiento artístico notable llamado escuela Bezalel apareció en la región de Palestina en los últimos períodos del mandato otomano y británico. Se ha descrito como "una fusión de arte oriental y Jugendstil". Varios artistas asociados con la escuela Bezalel se destacaron por su estilo Art Nouveau, incluidos Ze'ev Raban, Ephraim Moses Lilien y Abel Pann.

Caracteristicas

El Art Nouveau temprano, particularmente en Bélgica y Francia, se caracterizó por formas onduladas y curvas inspiradas en lirios, enredaderas, tallos de flores y otras formas naturales, utilizadas en particular en los interiores de Victor Horta y la decoración de Louis Majorelle y Émile Gallé. También se basó en patrones basados ​​en mariposas y libélulas, tomados del arte japonés, que era popular en Europa en ese momento.

El Art Nouveau temprano también presentaba a menudo formas más estilizadas que expresaban movimiento, como el golpe de fouet o la línea de " latigazo cervical ", representada en las plantas de ciclamen dibujadas por el diseñador Hermann Obrist en 1894. Una descripción publicada en la revista Pan del colgante de pared de Hermann Obrist Cyclamen (1894), lo comparó con las "curvas violentas repentinas generadas por el chasquido de un látigo", el término "latigazo", aunque originalmente se usó para ridiculizar el estilo, se aplica con frecuencia a las curvas características empleadas por los artistas del Art Nouveau.. Estas líneas decorativas onduladas y fluidas en un ritmo sincopado y una forma asimétrica se encuentran a menudo en la arquitectura, la pintura, la escultura y otras formas de diseño Art Nouveau.

Otras formas florales fueron populares, inspiradas en lirios, glicinas y otras flores, particularmente en las lámparas de Louis Comfort Tiffany y los objetos de vidrio realizados por los artistas de la Escuela de Nancy y Émile Gallé. Otras formas curvas y onduladas tomadas de la naturaleza incluyen mariposas, pavos reales, cisnes y nenúfares. Muchos diseños mostraban el cabello de las mujeres entrelazado con tallos de lirios, lirios y otras flores. Víctor Horta utilizó especialmente formas florales estilizadas en alfombras, balaustradas, ventanas y muebles. Héctor Guimard también las utilizó ampliamente para balaustradas y, lo que es más famoso, para las lámparas y barandas en las entradas del metro de París. Guimard explicó: "Lo que debe evitarse en todo lo que es continuo es el paralelo y la simetría. La naturaleza es el mayor constructor y la naturaleza no hace nada que sea paralelo y nada que sea simétrico".

Los muebles Art Nouveau anteriores, como el de Louis Majorelle y Henry van de Velde, se caracterizaban por el uso de materiales exóticos y costosos, incluida la caoba con incrustaciones de maderas preciosas y molduras, y formas curvas sin ángulos rectos. Dio una sensación de ligereza.

En la segunda fase del Art Nouveau, a partir de 1900, la decoración se vuelve más pura y las líneas más estilizadas. Las líneas y formas curvas evolucionaron en polígonos y luego en cubos y otras formas geométricas. Estas formas geométricas se utilizaron con especial efecto en la arquitectura y el mobiliario de Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser y Josef Hoffmann, especialmente en el Palais Stoclet de Bruselas, que anunciaba la llegada del Art Deco y el modernismo.

Otra característica de la arquitectura Art Nouveau fue el uso de la luz, mediante la apertura de espacios interiores, mediante la eliminación de paredes y el uso extensivo de tragaluces para traer la máxima cantidad de luz al interior. La residencia-estudio de Víctor Horta y otras casas construidas por él tenían amplios tragaluces, apoyados en marcos curvos de hierro. En el Hotel Tassel eliminó los muros tradicionales alrededor de la escalera, de modo que la escalera se convirtió en un elemento central del diseño de interiores.

Relación con estilos y movimientos contemporáneos

Dos ejemplos de rococó : un diseño de una consola de 1752 (a la izquierda) y una sopera de porcelana de 1756 (a la derecha). Las curvas, los ornamentos vegetales, la asimetría y los motivos inspirados en la naturaleza se utilizaron ampliamente tanto en el Renacimiento rococó (uno de los estilos más populares en las décadas de 1870 y 1880) como en el Art Nouveau.

Como estilo artístico, el Art Nouveau tiene afinidades con los estilos prerrafaelitas y simbolistas, y artistas como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt y Jan Toorop podrían clasificarse en más de uno de estos estilos. Sin embargo, a diferencia de la pintura simbolista, el Art Nouveau tiene una apariencia distintiva; y, a diferencia del movimiento Arts and Crafts, orientado a los artesanos, los artistas de Art Nouveau utilizaron fácilmente nuevos materiales, superficies mecanizadas y abstracción al servicio del diseño puro.

Art Nouveau no evitó el uso de máquinas, como lo hizo el movimiento Arts and Crafts. Para la escultura, los principales materiales empleados fueron el vidrio y el hierro forjado, lo que dio como resultado cualidades escultóricas incluso en la arquitectura. La cerámica también se empleó en la creación de ediciones de esculturas de artistas como Auguste Rodin. aunque su escultura no se considera Art Nouveau.

La arquitectura Art Nouveau hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el uso de hierro expuesto y grandes piezas de vidrio de forma irregular para la arquitectura.

Las tendencias Art Nouveau también fueron absorbidas por los estilos locales. En Dinamarca, por ejemplo, fue un aspecto de Skønvirke ("trabajo estético"), que a su vez se relaciona más estrechamente con el estilo Arts and Crafts. Asimismo, los artistas adoptaron muchos de los motivos florales y orgánicos del Art Nouveau en el estilo Młoda Polska ("Joven Polonia") en Polonia. Młoda Polska, sin embargo, también incluyó otros estilos artísticos y abarcó un enfoque más amplio del arte, la literatura y el estilo de vida.

Géneros

El Art Nouveau está representado en la pintura y la escultura, pero es más prominente en la arquitectura y las artes decorativas. Se adaptaba bien a las artes gráficas, especialmente al cartel, el diseño de interiores, el arte en metal y vidrio, la joyería, el diseño de muebles, la cerámica y los textiles.

Carteles y artes gráficas

Artículo principal: Carteles Art Nouveau y artes gráficas

Las artes gráficas florecieron en el período Art Nouveau, gracias a las nuevas tecnologías de impresión, en particular la litografía en color, que permitió la producción masiva de carteles en color. El arte ya no se limita a galerías, museos y salones; se podía encontrar en las paredes de París y en revistas ilustradas de arte, que circulaban por Europa y Estados Unidos. El tema más popular de los carteles Art Nouveau fueron las mujeres; mujeres que simbolizan el glamour, la modernidad y la belleza, a menudo rodeadas de flores.

En Gran Bretaña, el principal artista gráfico del estilo Art Nouveau fue Aubrey Beardsley (1872-1898). Comenzó con ilustraciones grabadas de libros para Le Morte d'Arthur, luego ilustraciones en blanco y negro para Salomé de Oscar Wilde (1893), lo que le dio fama. Ese mismo año, comenzó a grabar ilustraciones y carteles para la revista de arte The Studio, que ayudó a publicitar a artistas europeos como Fernand Khnopff en Gran Bretaña. Las líneas curvas y los intrincados motivos florales atrajeron tanta atención como el texto.

El artista franco-suizo Eugène Grasset (1845-1917) fue uno de los primeros creadores de carteles franceses Art Nouveau. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat noir en 1885 e hizo sus primeros carteles para las Fêtes de Paris. Hizo un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890 y una amplia variedad de ilustraciones de libros. Los artistas-diseñadores Jules Chéret, Georges de Feure y el pintor Henri de Toulouse-Lautrec hicieron carteles para teatros, cafés, salas de baile y cabarets de París. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888 y en 1895 realizó un cartel para la actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismonda de Victorien Sardou. El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt. Durante los siguientes cuatro años, también diseñó decorados, vestuario e incluso joyas para la actriz. Basándose en el éxito de sus carteles de teatro, Mucha hizo carteles para una variedad de productos, desde cigarrillos y jabón hasta galletas de cerveza, todos con una figura femenina idealizada con una figura de reloj de arena. Luego pasó a diseñar productos, desde joyas hasta cajas de galletas, con su estilo distintivo.

En Viena, el diseñador de gráficos y carteles más prolífico fue Koloman Moser (1868-1918), quien participó activamente en el movimiento de Secesión con Gustav Klimt y Josef Hoffmann, y realizó ilustraciones y portadas para la revista del movimiento, Ver Sacrum, como así como cuadros, mobiliario y decoración.

Cuadro

La pintura era otro dominio del Art Nouveau, aunque la mayoría de los pintores asociados con el Art Nouveau se describen principalmente como miembros de otros movimientos, en particular el postimpresionismo y el simbolismo. Alphonse Mucha era famoso por sus carteles Art Nouveau, lo que lo frustraba. Según su hijo y biógrafo, Jiří Mucha, no pensaba mucho en el Art Nouveau. "¿Qué es, Art Nouveau ?", Preguntó. "... El arte nunca puede ser nuevo". Se enorgullecía más de su trabajo como pintor de historia. Su única pintura inspirada en el Art-Nouveau, "Slava", es un retrato. de la hija de su patrón en traje eslavo, que se inspiró en sus carteles teatrales.

Los pintores más estrechamente asociados con el Art Nouveau fueron Les Nabis, artistas postimpresionistas que estuvieron activos en París desde 1888 hasta 1900. Uno de sus objetivos declarados era romper la barrera entre las bellas artes y las artes decorativas. Pintaron no solo lienzos, sino también biombos y paneles decorativos. Muchas de sus obras estuvieron influenciadas por la estética de los grabados japoneses. Los miembros incluyeron a Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton y Paul Sérusier.

En Bélgica, Fernand Khnopff trabajó tanto en pintura como en diseño gráfico. Los murales de Gustav Klimt se integraron en el esquema decorativo de Josef Hoffmann para el Palais Stoclet. El mural de Klimt para el comedor del Palais Stoclet (1905-1911) se considera una obra maestra del Art Nouveau tardío.

Un tema apareció tanto en la pintura tradicional como en el Art Nouveau; la bailarina estadounidense Loie Fuller, fue interpretada por pintores y cartelistas franceses y austriacos.

Un estilo particular que se hizo popular en el período Art Nouveau, especialmente en Bruselas, fue el esgrafiado, una técnica inventada en el Renacimiento para aplicar capas de yeso teñido para hacer murales en las fachadas de las casas. Esto fue utilizado en particular por el arquitecto belga Paul Hankar para las casas que construyó para dos amigos artistas, Paul Cauchie y Albert Ciamberlani.

Arte en vidrio

Artículo principal: arte en vidrio Art Nouveau

El arte en vidrio fue un medio en el que el Art Nouveau encontró nuevas y variadas formas de expresión. Se llevó a cabo una intensa experimentación, particularmente en Francia, para encontrar nuevos efectos de transparencia y opacidad: en el grabado win cameo, doble capa y grabado al ácido, una técnica que permitió la producción en serie. La ciudad de Nancy se convirtió en un importante centro para la industria del vidrio francesa, y allí se ubicaron los talleres de Émile Gallé y el estudio Daum, dirigido por Auguste y Antonin Daum. Trabajaron con muchos diseñadores notables, incluidos Ernest Bussière  [ fr ], Henri Bergé (ilustrador)  [ fr ] y Amalric Walter. Desarrollaron un nuevo método para incrustar vidrio presionando fragmentos de vidrio de diferentes colores en la pieza sin terminar. A menudo colaboraban con el diseñador de muebles Louis Majorelle, cuya casa y talleres estaban en Nancy. Otra característica del Art Nouveau fue el uso de vidrieras con ese estilo de temas florales en salones residenciales, particularmente en las casas Art Nouveau en Nancy. Muchos fueron obra de Jacques Grüber, quien hizo ventanas para la Villa Majorelle y otras casas.

En Bélgica, la firma líder fue la fábrica de vidrio de Val Saint Lambert, que creó jarrones en formas orgánicas y florales, muchas de ellas diseñadas por Philippe Wolfers. Wolfers se destacó particularmente por crear obras de vidrio simbolista, a menudo con adornos de metal adheridos. En Bohemia, entonces una región del Imperio Austro-Húngaro conocida por la fabricación de cristales, las empresas J. amp; L. Lobmeyr y Joh. Loetz Witwe también experimentó con nuevas técnicas de coloración, produciendo colores más vivos y ricos. En Alemania, la experimentación estuvo a cargo de Karl Köpping, quien utilizó vidrio soplado para crear vasos extremadamente delicados en forma de flores; tan delicado que pocos sobreviven hoy.

En Viena, los diseños de vidrio del movimiento de la Secesión eran mucho más geométricos que los de Francia o Bélgica; Otto Prutscher fue el diseñador de vidrio más riguroso del movimiento. En Gran Bretaña, Margaret Macdonald Mackintosh creó varios diseños de vidrieras florales para la exhibición arquitectónica llamada "La casa de un amante del arte".

En los Estados Unidos, Louis Comfort Tiffany y sus diseñadores se hicieron particularmente famosos por sus lámparas, cuyas pantallas de vidrio usaban temas florales comunes intrincadamente ensamblados. Las lámparas de Tiffany ganaron popularidad después de la Exposición Mundial de Columbia en Chicago en 1893, donde Tiffany exhibió sus lámparas en una capilla de estilo bizantino. Tiffany experimentó extensamente con los procesos de coloración del vidrio, patentando en 1894 el proceso Favrile glass, que utilizaba óxidos metálicos para colorear el interior del vidrio fundido, dándole un efecto iridiscente. Sus talleres produjeron varias series diferentes de la lámpara Tiffany en diferentes diseños florales, junto con vidrieras, biombos, jarrones y una variedad de objetos decorativos. Sus obras fueron importadas primero a Alemania, luego a Francia por Siegfried Bing, y luego se convirtió en una de las sensaciones decorativas de la Exposición de 1900. Un rival estadounidense de Tiffany, Steuben Glass, fue fundado en 1903 en Corning, Nueva York, por Frederick Carder, quien, como Tiffany, utilizó el proceso Fevrile para crear superficies con colores iridiscentes. Otro notable artista del vidrio estadounidense fue John La Farge, quien creó vidrieras intrincadas y coloridas sobre temas religiosos y puramente decorativos.

Se pueden encontrar ejemplos de vidrieras en iglesias en el artículo sobre edificios religiosos Art Nouveau.

Arte metalico

El teórico de la arquitectura del siglo XIX Viollet-le-Duc había abogado por mostrar, en lugar de ocultar los marcos de hierro de los edificios modernos, pero los arquitectos Art Nouveau Victor Horta y Hector Guimard fueron un paso más allá: agregaron decoración de hierro en curvas inspiradas en flores y vegetales. formas tanto en el interior como en el exterior de sus edificios. Adoptaron la forma de barandillas de escaleras en el interior, artefactos de iluminación y otros detalles en el interior, y balcones y otros adornos en el exterior. Estos se convirtieron en algunas de las características más distintivas de la arquitectura Art Nouveau. El uso de la decoración metálica en formas vegetales pronto apareció también en cubiertos, lámparas y otros elementos decorativos.

En los Estados Unidos, el diseñador George Grant Elmslie realizó diseños de hierro fundido extremadamente intrincados para las balaustradas y otra decoración interior de los edificios del arquitecto Louis Sullivan de Chicago.

Mientras que los diseñadores franceses y estadounidenses usaban formas florales y vegetales, Joseph Maria Olbrich y los otros artistas de la Secesión diseñaron teteras y otros objetos de metal en un estilo más geométrico y sobrio.

Joyería

Las características de la joyería Art Nouveau incluyen curvas y líneas sutiles. Su diseño a menudo presenta objetos naturales como flores, animales o pájaros. El cuerpo femenino también es popular y aparece a menudo en camafeos. Con frecuencia incluía collares largos hechos de perlas o cadenas de plata esterlina puntuadas con cuentas de vidrio o terminadas en un colgante de plata u oro, que a menudo se diseñó como un adorno para sostener una sola joya facetada de amatista, peridoto o citrino.

El período Art Nouveau trajo una notable revolución estilística a la industria de la joyería, liderada en gran parte por las principales firmas de París. Durante los dos siglos anteriores, el énfasis en la joyería fina se había estado creando engastes dramáticos para los diamantes. Durante el reinado del Art Nouveau, los diamantes solían desempeñar un papel secundario. Los joyeros experimentaron con una amplia variedad de otras piedras, incluyendo ágata, granate, ópalo, piedra lunar, aguamarina y otras piedras semipreciosas, y con una amplia variedad de nuevas técnicas, entre otras, esmaltado, y nuevos materiales, incluyendo cuerno, vidrio moldeado, y marfil.

Los primeros joyeros notables de París en el estilo Art Nouveau incluyeron a Louis Aucoc, cuya firma de joyería familiar data de 1821. El diseñador más famoso del período Art Nouveau, René Lalique, cumplió su aprendizaje en el estudio Aucoc desde 1874 hasta 1876. Lalique se convirtió en un centro figura de joyería Art Nouveau y vidrio, utilizando la naturaleza, desde libélulas hasta hierbas, como modelos. Artistas de fuera del mundo tradicional de la joyería, como Paul Follot, más conocido como diseñador de muebles, experimentaron con diseños de joyería. Otros notables diseñadores franceses de joyería Art Nouveau fueron Jules Brateau y Georges Henry. En los Estados Unidos, el diseñador más famoso fue Louis Comfort Tiffany, cuyo trabajo se mostró en la tienda de Siegfried Bing y también en la Exposición de París de 1900.

En Gran Bretaña, la figura más destacada fue el diseñador de Liberty amp; Co. amp; Cymric, Archibald Knox, quien hizo una variedad de piezas Art Nouveau, incluidas hebillas de cinturón plateadas. CR Ashbee diseñó colgantes con forma de pavo real. El versátil diseñador de Glasgow Charles Rennie Mackintosh también hizo joyas, utilizando símbolos celtas tradicionales. En Alemania, el centro de joyería Jugendstil era la ciudad de Pforzheim, donde estaban ubicadas la mayoría de las firmas alemanas, incluida Theodor Fahrner. Rápidamente produjeron obras para satisfacer la demanda del nuevo estilo.

Arquitectura y ornamentación

Ver también: templos Art Nouveau

La arquitectura Art Nouveau fue una reacción contra los estilos eclécticos que dominaron la arquitectura europea en la segunda mitad del siglo XIX. Se expresó a través de la decoración: ornamental (basada en flores y plantas, por ejemplo, cardos, lirios, ciclambres, orquídeas, nenúfares, etc.) o escultórica (ver la sección respectiva más abajo). Si bien los rostros de personas (o mascarons ) se refieren a adornos, el uso de personas en diferentes formas de escultura (estatuas y relieves: consulte la sección respectiva a continuación) también fue común en algunas formas de Art Nouveau. Antes de la Secesión de Viena, el Jugendstil y las diversas formas de las fachadas de estilo romántico nacional eran asimétricas y, a menudo, estaban decoradas con baldosas de cerámica policromadas. La decoración generalmente sugería movimiento; no había distinción entre la estructura y el adorno. Un motivo rizado o "latigazo cervical", basado en las formas de las plantas y flores, fue ampliamente utilizado en el Art Nouveau temprano, pero la decoración se volvió más abstracta y simétrica en la Secesión de Viena y otras versiones posteriores del estilo, como en el Palais Stoclet en Bruselas (1905-1911).

El estilo apareció por primera vez en la Casa Hankar de Bruselas por Paul Hankar (1893) y el Hôtel Tassel (1892–93) de Victor Horta. El Hôtel Tassel recibió la visita de Héctor Guimard, que utilizó el mismo estilo en su primera obra importante, el Castel Béranger (1897-1898). Horta y Guimard también diseñaron el mobiliario y la decoración interior, hasta los pomos de las puertas y la moqueta. En 1899, basándose en la fama del Castel Béranger, Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas de las estaciones del nuevo Metro de París, inaugurado en 1900. Aunque pocos de los originales sobrevivieron, estos se convirtieron en el símbolo del movimiento Art Nouveau. en París.

En París, el estilo arquitectónico también fue una reacción a las estrictas regulaciones impuestas a las fachadas de los edificios por Georges-Eugène Haussmann, el prefecto de París bajo Napoleón III. Las ventanas de arco finalmente se permitieron en 1903, y los arquitectos Art Nouveau se fueron al extremo opuesto, sobre todo en las casas de Jules Lavirotte, que eran esencialmente grandes obras de escultura, completamente cubiertas de decoración. Un importante barrio de casas Art Nouveau apareció en la ciudad francesa de Nancy, alrededor de la Villa Majorelle (1901–02), la residencia del diseñador de muebles Louis Majorelle. Fue diseñado por Henri Sauvage como escaparate de los diseños de muebles de Majorelle.

Muchos edificios Art Nouveau se incluyeron en la lista del Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO como parte de sus centros urbanos (en Berna, Budapest, Lviv, París, Oporto, Praga, Riga, San Petersburgo, Estrasburgo ( Neustadt ), Viena ). Junto con ellos, había edificios que se incluyeron en la lista como objetos separados:

Escultura

La escultura fue otra forma de expresión para los artistas del Art Nouveau, cruzando a veces con la cerámica. La figura de porcelana Bailarín con bufanda de Agathon Léonard ganó reconocimiento tanto en cerámica como en escultura en la Exposición de París de 1900. También escultores de otros países crearon esculturas de cerámica: el bohemio Stanislav Sucharda y Ladislav Šaloun, el belga Charles Van der Stappen y el catalán Lambert Escaler  [ ca ], quien creó estatuas de terracota policromada. Otro escultor notable de esa época fue Agustí Querol Subirats de Cataluña que creó estatuas en España, México, Argentina y Cuba.

En la escultura arquitectónica no solo se utilizaron estatuas sino también relieves. Los arquitectos y escultores Art Nouveau se inspiraron en motivos animales (mariposas, pavos reales, cisnes, búhos, murciélagos, dragones, osos). También se utilizaron Atlantes, cariátides, putti y gárgolas.

Muebles

Artículo principal: muebles Art Nouveau

El diseño de muebles en el período Art Nouveau estuvo estrechamente asociado con la arquitectura de los edificios; los arquitectos a menudo diseñaron los muebles, las alfombras, los artefactos de iluminación, los pomos de las puertas y otros detalles decorativos. El mobiliario era a menudo complejo y caro; un acabado fino, generalmente pulido o barnizado, se consideraba esencial, y los diseños continentales solían ser muy complejos, con formas curvas que eran caras de hacer. También tenía el inconveniente de que el dueño de la casa no podía cambiar los muebles o agregar piezas en un estilo diferente sin interrumpir todo el efecto de la habitación. Por esta razón, cuando la arquitectura Art Nouveau pasó de moda, el estilo de los muebles también desapareció en gran medida.

En Francia, el centro de diseño y fabricación de muebles estaba en Nancy, donde dos importantes diseñadores, Émile Gallé y Louis Majorelle tenían sus estudios y talleres, y donde se había fundado la Alliance des industries d'art (más tarde llamada Escuela de Nancy). en 1901. Ambos diseñadores basaron su estructura y ornamentación en formas extraídas de la naturaleza, como flores e insectos, como la libélula, un motivo popular en el diseño Art Nouveau. Gallé fue particularmente conocido por su uso de la marquetería en relieve, en forma de paisajes o temas poéticos. Majorelle era conocido por su uso de maderas exóticas y caras, y por pegar bronce esculpido en temas vegetales a sus muebles. Ambos diseñadores utilizaron máquinas para las primeras fases de fabricación, pero todas las piezas se terminaron a mano. Otros diseñadores de muebles notables de la Escuela de Nancy fueron Eugène Vallin y Émile André ; Ambos eran arquitectos de formación, y ambos diseñaron muebles que se asemejaban a los muebles de diseñadores belgas como Horta y Van de Velde, que tenían menos decoración y seguían más de cerca las curvas de las plantas y flores. Otros diseñadores franceses notables fueron Henri Bellery-Desfontaines, quien se inspiró en los estilos neogóticos de Viollet-le-Duc ; y Georges de Feure, Eugène Gaillard y Édouard Colonna, quienes trabajaron junto con el marchante de arte Siegfried Bing para revitalizar la industria francesa del mueble con nuevos temas. Su trabajo era conocido por el "naturalismo abstracto", su unidad de líneas rectas y curvas y su influencia rococó. El mobiliario de de Feure en el pabellón Bing ganó una medalla de oro en la Exposición de París de 1900. El diseñador francés más inusual y pintoresco fue François-Rupert Carabin, escultor de formación, cuyos muebles presentaban formas femeninas desnudas esculpidas y animales simbólicos, en particular gatos, que combinaban elementos Art Nouveau con simbolismo. Otros diseñadores de muebles influyentes de París fueron Charles Plumet y Alexandre Charpentier. En muchos sentidos, el antiguo vocabulario y las técnicas de los muebles rococó franceses clásicos del siglo XVIII fueron reinterpretados en un nuevo estilo.

En Bélgica, los arquitectos pioneros del movimiento Art Nouveau, Victor Horta y Henry van de Velde, diseñaron muebles para sus casas, utilizando líneas curvas vigorosas y un mínimo de decoración. El diseñador belga Gustave Serrurier-Bovy agregó más decoración, aplicando tiras de latón en formas curvas. En los Países Bajos, donde el estilo se llamó Nieuwe Kunst o New Art, HP Berlag, Lion Cachet y Theodor Nieuwenhuis siguieron un rumbo diferente, el del movimiento Arts and Crafts inglés, con formas racionales más geométricas.

En Gran Bretaña, el mobiliario de Charles Rennie Mackintosh era puramente artístico, austero y geométrico, con largas líneas rectas y ángulos rectos y un mínimo de decoración. Los diseños continentales eran mucho más elaborados, a menudo utilizando formas curvas tanto en las formas básicas de la pieza como en los motivos decorativos aplicados. En Alemania, el mobiliario de Peter Behrens y el Jugendstil era en gran parte racionalista, con líneas rectas geométricas y algo de decoración adherida a la superficie. Su objetivo era exactamente lo contrario del Art Nouveau francés; simplicidad de estructura y simplicidad de materiales, para muebles que podrían ser económicos y fáciles de fabricar en masa. Lo mismo ocurrió con el mobiliario de los diseñadores de la Wiener Werkstätte de Viena, encabezados por Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich y Koloman Moser. El mobiliario era geométrico y tenía un mínimo de decoración, aunque en estilo a menudo seguía el precedente histórico nacional, particularmente el estilo Biedemeier.

El diseño de muebles italiano y español se fue en su propia dirección. Carlo Bugatti en Italia diseñó la extraordinaria Silla Snail, de madera recubierta de pergamino pintado y cobre, para la Exposición Internacional de Turín de 1902. En España, siguiendo el ejemplo de Antoni Gaudí y el movimiento modernista, el diseñador de muebles Gaspar Homar diseñó obras que se inspiraron por formas naturales con toques de estilos históricos catalanes.

En los Estados Unidos, el diseño de muebles se inspiró más a menudo en el movimiento Arts and Crafts, o en modelos estadounidenses históricos, que en el Art Nouveau. Un diseñador que introdujo los temas Art Nouveau fue Charles Rohlfs en Buffalo, Nueva York, cuyos diseños para muebles de roble blanco americano fueron influenciados por motivos del arte celta y el arte gótico, con toques de Art Nouveau en los adornos metálicos aplicados a las piezas.

Cerámica

El arte de la cerámica, incluida la loza, fue otro dominio floreciente para los artistas del Art Nouveau, en los países de habla inglesa que caen dentro del movimiento más amplio de la cerámica artística. La última parte del siglo XIX vio muchas innovaciones tecnológicas en la fabricación de cerámicas, en particular el desarrollo de cerámicas de alta temperatura ( grand feu) con esmaltes cristalizados y mate. Al mismo tiempo, se redescubrieron varias técnicas perdidas, como el glaseado sang de boeuf. La cerámica Art Nouveau también estuvo influenciada por la cerámica tradicional y moderna japonesa y china, cuyos motivos vegetales y florales encajaban bien con el estilo Art Nouveau. En Francia, los artistas también redescubrieron los métodos tradicionales del gres ( grés) y los reinventaron con nuevos motivos.

Émile Gallé, en Nancy, creó obras de barro en colores naturales de la tierra con temas naturalistas de plantas e insectos. La cerámica también encontró un nuevo uso importante en la arquitectura: los arquitectos Art Nouveau, entre ellos Jules Lavirotte y Hector Guimard, comenzaron a decorar las fachadas de los edificios con cerámica arquitectónica, muchas de ellas realizadas por el estudio de Alexandre Bigot, dándoles un distintivo Art Nouveau. mirada escultural.

Uno de los pioneros ceramistas franceses del Art Nouveau fue Ernest Chaplet, cuya carrera en la cerámica abarcó treinta años. Comenzó a producir gres influenciado por prototipos japoneses y chinos. A partir de 1886, trabajó con el pintor Paul Gauguin en diseños de gres con figuras aplicadas, múltiples mangos, pintado y parcialmente vidriado, y colaboró ​​con los escultores Félix Bracquemond, Jules Dalou y Auguste Rodin. Sus obras fueron aclamadas en la Exposición de 1900.

Las principales firmas cerámicas nacionales tuvieron un lugar importante en la Exposición de París de 1900: la Manufacture nationale de Sèvres en las afueras de París; Nymphenburg, Meissen, Villeroy amp; Boch en Alemania y Doulton en Gran Bretaña. Otros ceramistas franceses destacados fueron Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse  [ fr ] y Auguste Delaherche.

En Francia, la cerámica Art Nouveau a veces cruzó la línea hacia la escultura. La figura de porcelana Bailarina con bufanda de Agathon Léonard, realizada para la Manufacture nationale de Sèvres, ganó el reconocimiento en ambas categorías en la Exposición de París de 1900.

La fábrica Zsolnay en Pécs, Hungría, fue fundada por Miklós Zsolnay (1800-1880) en 1853 y dirigida por su hijo, Vilmos Zsolnay (1828-1900) con el diseñador jefe Tádé Sikorski (1852-1940) para producir gres y otras cerámicas. En 1893, Zsolnay introdujo piezas de porcelana hechas de eosina. Lideró la fábrica al reconocimiento mundial al demostrar sus productos innovadores en ferias mundiales y exposiciones internacionales, incluida la Feria Mundial de 1873 en Viena, y luego en la Feria Mundial de 1878 en París, donde Zsolnay recibió un Gran Premio. Las decoraciones de los edificios Zsolnay resistentes a las heladas se utilizaron en numerosos edificios, específicamente durante el movimiento Art Nouveau.

Las baldosas cerámicas son también una característica distintiva del portugués Arte Nova que siguió el largo azulejo tradición del país.

Mosaicos

Los mosaicos fueron utilizados por muchos artistas del Art Nouveau de diferentes movimientos, especialmente del Modernismo catalán ( Hospital de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó-Morera y muchos otros). Antoni Gaudí inventó una nueva técnica en el tratamiento de materiales denominada trencadís, que utilizaba piezas cerámicas de desecho.

Los coloridos azulejos de Maiolica en diseños florales son una característica distintiva de la Casa de Mayólica en Viena de Otto Wagner (1898) y de los edificios de las obras de la colonia rusa Abramtsevo, especialmente las de Mikhail Vrubel.

Textiles y papel pintado

Los textiles y los papeles pintados fueron un vehículo importante del Art Nouveau desde el comienzo del estilo y un elemento esencial del diseño de interiores Art Nouveau. En Gran Bretaña, los diseños textiles de William Morris ayudaron a lanzar el movimiento Arts and Crafts y luego el Art Nouveau. Se crearon muchos diseños para los grandes almacenes Liberty de Londres, que popularizaron el estilo en toda Europa. Uno de esos diseñadores fue Silver Studio, que proporcionó coloridos patrones florales estilizados. Otros diseños distintivos vinieron de la Escuela de Glasgow y Margaret Macdonald Mackintosh. La escuela de Glasgow introdujo varios motivos distintivos, incluidos huevos estilizados, formas geométricas y la "Rosa de Glasgow".

En Francia, el diseñador Eugène Grasset hizo una contribución importante, quien en 1896 publicó La Plante et ses applications ornamentales, sugiriendo diseños Art Nouveau basados ​​en diferentes flores y plantas. Muchos patrones fueron diseñados y producidos por los principales fabricantes textiles franceses en Mulhouse, Lille y Lyon, por talleres alemanes y belgas. El diseñador alemán Hermann Obrist se especializó en motivos florales, en particular el ciclamen y el estilo "latigazo cervical" basado en tallos de flores, que se convirtió en un motivo principal del estilo. El belga Henry van de Velde presentó una obra textil, La Veillée d'Anges, en el Salón La Libre Esthéthique de Bruselas, inspirada en el simbolismo de Paul Gauguin y de los Nabis. En los Países Bajos, los textiles a menudo se inspiraron en los patrones de batik de las colonias holandesas en las Indias Orientales. El arte popular también inspiró la creación de tapices, alfombras, bordados y textiles en Europa Central y Escandinavia, en la obra de Gerhard Munthe y Frida Hansen en Noruega. El diseño Five Swans de Otto Eckmann apareció en más de cien versiones diferentes. El diseñador húngaro János Vaszary combinó elementos Art Nouveau con temas folclóricos.

Museos

Hay 4 tipos de museos que presentan el patrimonio Art Nouveau:

  • Museos de amplio alcance (no dedicados específicamente al Art Nouveau pero con una gran colección de artículos de este estilo). Los monumentos Art Nouveau están en cursiva ;
  • Casas-museos de artistas de Art Nouveau (todos menos el museo Alphonse Mucha son monumentos de Art Nouveau);
  • Museos dedicados a los movimientos Art Nouveau locales (todos son monumentos Art Nouveau);
  • Otros edificios Art Nouveau con estatus de museo o con un museo en su interior (no dedicado a los movimientos Art Nouveau locales / artistas específicos).
País Museos de amplio alcance Casas-museos de artistas Art Nouveau Museos dedicados a los movimientos Art Nouveau locales Otros edificios Art Nouveau con estatus de museo o con un museo en su interior
  Austria Museo de Artes Aplicadas de Viena Edificio de la Secesión en Viena Pabellones Wagner en Karlsplatz e Hietzing en Viena
  Argentina Museo Municipal de Arte Juan Carlos Castagnino en Mar del Plata
  Bélgica Museo Fin-de-Siècle en Bruselas Maison y Atelier Horta en Bruselas Centro Belga del Cómic, Museo de Instrumentos Musicales en Bruselas
  Chile Palacio Baburizza en Valparaíso
  República Checa Museo de Bohemia Oriental en Hradec Kralove Museo Alphonse Mucha en Praga Museo de Arte Moderno de Olomouc
  Dinamarca Museo Sønderjylland en Skærbæk
  Francia Musée d'Orsay, Museo de Artes Decorativas, Museo Carnavalet, Petit Palais de París ; Musée historique en Haguenau ; Musée d'art moderne et contemporain de Estrasburgo, Museo de Bellas Artes de Nancy Villa Majorelle en Nancy ; Musée Lalique  [ fr ] en Wingen-sur-Moder ; Museo de la escuela de Nancy en Nancy Maxim's Art Nouveau "Collection 1900" sobre el restaurante Maxim's en París (solo grupos de veinte o más personas)
  Finlandia Ateneum y Museo Nacional de Finlandia en Helsinki, Museo de Arte de Turku en Turku Hvitträsk (casa de Herman Gesellius, Armas Lindgren y Eliel Saarinen ) en Kirkkonummi y Museo Gallen-Kallela en Espoo
  Alemania Museo Bröhan en Berlín, Museo in der Majolika en Karlsruhe, Landesmuseum en Mainz, Museo Wiesbaden en Wiesbaden Museo de la colonia de Darmstadt  [ de ] en Darmstadt Museo Osthaus en Hagen
  Hungría Museo de Artes Aplicadas y su sucursal Villa György Ráth en Budapest Museo Casa Miksa Róth en Budapest Casa de la Szecesszió húngara en Budapest Museo Geológico de Budapest
  Italia Museo municipal  [ it ] en Casale Monferrato Villa Bernasconi  [ it ] en Cernobbio
  Letonia Museo Art Nouveau de Riga en Riga
  México Museo del Objeto del Objeto en la Ciudad de México
  Noruega Centro Jugendstil en Ålesund Museo Noruego de Arte Contemporáneo en Oslo
  Portugal Museo de Arte Nova en Aveiro Museo-Residencia del Dr. Anastácio Gonçalves en Lisboa
  Rumania Museo Nacional Székely en Sfântu Gheorghe
  Rusia Colonia Abramtsevo en la región de Moscú ; Museo de Arte Decorativo de toda Rusia y Museo Gorki en Moscú ; Museo Estatal Ruso, Museo de Historia Política de Rusia en San Petersburgo Casa Museo Fyodor Livchak en Ulyanovsk Museo de la colonia de arte Talashkino en Flenovo, óblast de Smolensk (solo en ruso) Museo de la Edad de Plata de la literatura rusa en Moscú, Museo de Moderno en Samara, finca del Aseevs en Tambov ; Museo Municipal de Primorsk y Museo de la finca de Scherbov en Gatchina (ambos Óblast de Leningrado ), Museo de Arquitectura y Urbanismo de Taganrog en Taganrog, Museo de Arquitectura Belle Epoque en Ulyanovsk
  España Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona, CaixaFòrum en Madrid, Museo Art Nouveau y Art Déco en Salamanca Casa Museo Gaudí en Barcelona, Casa Museo Lluís Domènech i Montaner en Canet de Mar Museo del Modernismo Catalán  [ ca ] en Barcelona,, Art Nouveau Casa-Museo  [ ES ] en Novelda Sagrada Família, Hospital de Sant Pau de Barcelona
  Suecia Museo biológico en Estocolmo, Museo Röhsska en Gotemburgo
   Suiza Musée des Beaux-Arts en La Chaux-de-Fonds  [ fr ]
  Reino Unido El Victoria and Albert Museum de Londres ; Museo Kelvingrove en Glasgow, Galería de Arte Haworth en Accrington Mackintosh House en Hunterian Museum and Art Gallery en Glasgow Museo Horniman en Londres
  Ucrania Museo de arte en Chernivtsi, Museo de tradiciones locales en Poltava
  Estados Unidos Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida, Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, Centro Getty en Los Ángeles; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum en la ciudad de Nueva York, Art Institute of Chicago en Chicago

Hay muchos otros edificios y estructuras Art Nouveau que no tienen el estatus de museo pero que se pueden visitar oficialmente por una tarifa o extraoficialmente de forma gratuita (por ejemplo, estaciones de tren, iglesias, cafés, restaurantes, pubs, hoteles, tiendas, oficinas, bibliotecas, cementerios, etc.). fuentes, así como numerosos edificios de apartamentos que aún están habitados).

Ver también

Notas

Referencias

Bibliografía

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Otras lecturas

enlaces externos

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