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Museo de Arte

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El Louvre en París, Francia, fue el museo de arte más visitado del mundo en 2018. Archivo: Gallery15Urlan.ogv Reproducir medios La Galería Nacional de Arte en Washington DC.

Un museo de arte o galería de arte es un edificio o espacio para la exhibición de arte, generalmente de la propia colección del museo. Puede ser de propiedad pública o privada y puede ser accesible para todos o tener restricciones. Aunque se ocupan principalmente de las artes visuales, los museos de arte se utilizan a menudo como un lugar para otros intercambios culturales y actividades artísticas, como conferencias, artes escénicas, conciertos de música o lecturas de poesía. Los museos de arte también albergan con frecuencia exposiciones temporales temáticas, que a menudo incluyen artículos en préstamo de otras colecciones.

Contenido
  • 1 Terminología
  • 2 Historia
    • 2.1 Colecciones privadas
    • 2.2 Museos públicos
    • 2.3 Museos y galerías universitarias
    • 2.4 Las galerías como sección específica en los museos
  • 3 Arte visual no mostrado en una galería
  • 4 Arquitectura
  • 5 Aspectos culturales
  • 6 museos en línea
    • 6.1 Museos con mayor presencia en la web
    • 6.2 Colecciones de arte en línea
      • 6.2.1 Folksonomía
  • 7 listas de museos
    • 7.1 Listas nacionales e internacionales
    • 7.2 Listas de área local
      • 7.2.1 Principales ciudades europeas
      • 7.2.2 Áreas locales de América del Norte
  • 8 Organizaciones
    • 8.1 Organizaciones internacionales y de actualidad
    • 8.2 Organizaciones nacionales
    • 8.3 Otras organizaciones (para varios museos)
      • 8.3.1 Organizaciones de museos regionales, provinciales y estatales
      • 8.3.2 Organizaciones de museos de distrito, locales y comunitarios
  • 9 Véase también
  • 10 referencias
  • 11 Lecturas adicionales

Terminología

Una institución dedicada a la exhibición de arte puede llamarse museo de arte o galería de arte, y los dos términos pueden usarse indistintamente. Esto se refleja en los nombres de instituciones de todo el mundo, algunas de las cuales se denominan galerías (p. Ej., National Gallery y Neue Nationalgalerie ), y otras se denominan museos (p. Ej., El Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Arte Occidental ).

La frase "galería de arte" también se puede utilizar para las empresas que exhiben arte para la venta, pero no son museos de arte.

Historia

Colecciones privadas

A lo largo de la historia, las instituciones religiosas o los líderes políticos han encargado obras de arte grandes y costosas y se han exhibido en templos, iglesias y palacios. Aunque estas colecciones de arte no estaban abiertas al público en general, a menudo estaban disponibles para su visualización por parte del público. En la época clásica, las instituciones religiosas comenzaron a funcionar como una forma temprana de galería de arte. Los ricos coleccionistas romanos de gemas grabadas (incluido Julio César ) y otros objetos preciosos a menudo donaban sus colecciones a los templos. No está claro qué tan fácil fue en la práctica para el público ver estos elementos.

La colección de arte del Palacio de Versalles en Francia se abría periódicamente al público "respetable".

En Europa, desde el período medieval tardío en adelante, las áreas de los palacios reales, castillos y grandes casas de campo de la élite social a menudo se hicieron parcialmente accesibles para sectores del público, donde se podían ver colecciones de arte. En el Palacio de Versalles, la entrada estaba restringida a personas de ciertas clases sociales, que usaran la ropa adecuada; los accesorios apropiados ( hebillas de zapatos plateados y una espada ) se podían alquilar en las tiendas externas. Los tesoros de las catedrales y las grandes iglesias, o partes de ellas, a menudo se exhibían y veneraban públicamente. Muchas de las más importantes casas de campo inglesas podían ser visitadas por los respetables para dar una propina al ama de llaves durante los largos períodos en que la familia no estaba en la residencia.

Se hicieron arreglos especiales para permitir al público ver muchas colecciones reales o privadas colocadas en galerías, como ocurre con la mayoría de las pinturas de la Colección Orleans, que se encontraban en un ala del Palais-Royal en París y se podían visitar durante la mayor parte de el siglo XVIII. En Italia, el turismo artístico del Grand Tour se convirtió en una industria importante a partir del siglo XVIII, y las ciudades se esforzaron por hacer accesibles sus obras clave. Los Museos Capitolinos comenzaron en 1471 con una donación de escultura clásica a la ciudad de Roma por parte del Papado, mientras que los Museos Vaticanos, cuyas colecciones aún son propiedad del Papa, remontan su fundación a 1506, cuando el recientemente descubierto Laocoonte y sus hijos fue poner en exhibición pública. Una serie de museos sobre diferentes temas se abrieron durante los siglos posteriores, y muchos de los edificios del Vaticano se construyeron expresamente como galerías. Uno de los primeros tesoros reales abiertos al público fue la Bóveda Verde del Reino de Sajonia en la década de 1720.

Los museos abiertos al público con financiación privada comenzaron a establecerse a partir del siglo XVII, a menudo basados ​​en una colección del tipo gabinete de curiosidades. El primer museo de este tipo fue el Ashmolean Museum en Oxford, inaugurado en 1683 para albergar y exhibir los artefactos de Elias Ashmole que fueron entregados a la Universidad de Oxford en un legado.

Museos públicos

El Kunstmuseum Basel es el primer museo de arte público del mundo.

El Kunstmuseum Basel, a través de su linaje que se remonta al Gabinete Amerbach, que incluía una colección de obras de Hans Holbein el Joven y adquirido por la ciudad de Basilea en 1661, se considera el primer museo de arte abierto al público en el mundo.

En la segunda mitad del siglo XVIII, muchas colecciones privadas de arte se abrieron al público, y durante y después de la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas, muchas colecciones reales fueron nacionalizadas, incluso donde la monarquía permaneció en su lugar, como en España y Baviera..

En 1753, se estableció el Museo Británico y la colección de manuscritos de la Old Royal Library se le donó para la vista del público. En 1777, el diputado John Wilkes presentó una propuesta al gobierno británico para comprar la colección de arte del difunto Sir Robert Walpole, que había acumulado una de las mayores colecciones de este tipo en Europa, y albergarla en un ala especialmente construida de la Museo Británico a la vista del público. Después de mucho debate, la idea finalmente se abandonó debido al gran gasto, y veinte años después, la colección fue comprada por la zarita Catalina la Grande de Rusia y se encuentra en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo.

La colección real bávara (ahora en la Alte Pinakothek, Munich) se abrió al público en 1779 y la colección Medici en Florencia alrededor de 1789 (como la Galería Uffizi ). La apertura del Musée du Louvre durante la Revolución Francesa en 1793 como museo público para gran parte de la antigua colección real francesa marcó una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte al transferir la propiedad a un estado republicano; pero fue una continuación de tendencias ya bien establecidas. El edificio que ahora ocupa el Prado en Madrid fue construido antes de la Revolución Francesa para la exhibición pública de partes de la colección de arte real, y se abrieron al público galerías reales similares en Viena, Munich y otras capitales. En Gran Bretaña, sin embargo, la Colección Real correspondiente permaneció en manos privadas del monarca, y las primeras galerías de arte nacionales especialmente construidas fueron la Dulwich Picture Gallery, fundada en 1814 y la National Gallery de Londres abierta al público una década más tarde. en 1824. De manera similar, la Galería Nacional de Praga no se formó abriendo al público una colección de arte real o principesca existente, sino que se creó desde cero como un proyecto conjunto de algunos aristócratas checos en 1796.

En general, se considera que la Corcoran Gallery of Art fue el primer museo de arte de los Estados Unidos. Originalmente se encontraba en la Renwick Gallery, construida en 1859. Ahora, parte de la Institución Smithsonian, Renwick alberga la colección de arte estadounidense y europeo de William Wilson Corcoran. El edificio fue diseñado por James Renwick, Jr. y finalmente se terminó en 1874. Está ubicado en 1661 Pennsylvania Avenue NW. Renwick lo diseñó después de la adición de las Tullerías del Louvre. En el momento de su construcción, se conocía como "el Louvre americano".

Museos y galerías universitarias

El Museo del Hermitage en San Petersburgo, Rusia. El Museo de Arte de la Universidad de Tartu es el museo más antiguo de Estonia. Artículo principal: museos y galerías de arte universitario en los Estados Unidos

Los museos y galerías de arte universitario constituyen colecciones de arte desarrolladas, propiedad y mantenidas por todo tipo de escuelas, colegios comunitarios, colegios y universidades. Este fenómeno existe en Occidente y Oriente, lo que lo convierte en una práctica global. Aunque fácilmente se pasa por alto, solo en los EE. UU. Hay más de 700 museos de arte universitarios. Este número, en comparación con otros tipos de museos de arte, hace que los museos de arte universitarios sean quizás la categoría más grande de museos de arte en el país. Si bien la primera de estas colecciones se remonta a colecciones de aprendizaje desarrolladas en academias de arte en Europa occidental, ahora están asociadas y alojadas en centros de educación superior de todo tipo.

Las galerías como sección específica en los museos

Ateneum, un museo de arte en Helsinki, Finlandia

Siendo la palabra galería originalmente un término arquitectónico, las salas de exhibición en los museos a menudo se denominan galerías públicas. También con frecuencia, una serie de salas dedicadas a períodos históricos específicos (por ejemplo, el Antiguo Egipto ) u otras agrupaciones temáticas importantes de obras (por ejemplo, la colección de moldes de yeso como en el Ashmolean Museum ) dentro de un museo con una colección más variada se denominan específicos galerías, por ejemplo, la Galería Egipcia o la Galería Cast.

Arte visual no mostrado en una galería

Las obras en papel, como dibujos, pasteles, acuarelas, grabados y fotografías, normalmente no se muestran de forma permanente por motivos de conservación. En cambio, el acceso público a estos materiales lo proporciona una sala de impresión dedicada ubicada dentro del museo. Los murales o mosaicos a menudo permanecen donde se crearon ( in situ ), aunque muchos también se han trasladado a las galerías. Varias formas de arte del siglo XX, como el land art y el performance art, también suelen existir fuera de una galería. Sin embargo, los registros fotográficos de este tipo de arte se muestran a menudo en las galerías. La mayoría de los museos y las grandes galerías de arte poseen más obras de las que tienen espacio para exhibir. El resto se mantiene en colecciones de reserva, dentro o fuera del sitio.

Similar a una galería de arte es el jardín de esculturas (o "parque de esculturas"), que presenta esculturas en un espacio al aire libre. La instalación de esculturas ha ganado popularidad, por lo que las esculturas se instalan en espacios abiertos durante eventos temporales como festivales.

Arquitectura

"La casa inclinada" del Museo de Arte de Tartu en Tartu, Estonia

La mayoría de las pinturas más grandes de alrededor de 1530 en adelante fueron diseñadas para ser vistas en iglesias o (cada vez más) palacios, y muchos edificios construidos como palacios ahora funcionan con éxito como museos de arte. En el siglo XVIII, las adiciones a palacios y casas de campo a veces se pensaban específicamente como galerías para ver arte, y se diseñaron teniendo eso en cuenta. La forma arquitectónica de todo el edificio destinado exclusivamente a ser una galería de arte fue posiblemente establecida por Sir John Soane con su diseño para la Dulwich Picture Gallery en 1817. Esto estableció la galería como una serie de habitaciones interconectadas con espacios de pared en gran parte ininterrumpidos para colgar cuadros. e iluminación indirecta de tragaluces o linternas de techo.

A finales del siglo XIX se produjo un auge en la construcción de galerías de arte públicas en Europa y América, convirtiéndose en una característica cultural esencial de las grandes ciudades. Más galerías de arte se levantaron junto a museos y bibliotecas públicas como parte de la campaña municipal por la alfabetización y la educación pública.

A mediados y finales del siglo XX, los estilos arquitectónicos anteriores empleados para los museos de arte (como el estilo Beaux-Arts del Metropolitan Museum of Art en la ciudad de Nueva York o la arquitectura neogótica y renacentista del Rijksmuseum de Ámsterdam) sucumbieron a los estilos modernos, como como deconstructivismo. Los ejemplos de esta tendencia incluyen el Museo Guggenheim en Nueva York por Frank Lloyd Wright, el Museo Guggenheim Bilbao por Frank Gehry, Centro Pompidou-Metz de Shigeru Ban, y el rediseño del Museo de San Francisco del arte moderno por Mario Botta. Algunos críticos argumentan que estas galerías frustran sus propósitos porque sus espacios interiores dramáticos distraen la atención de las pinturas que se supone que exhiben.

Aspectos culturales

Los museos son más que simples 'estructuras fijas diseñadas para albergar colecciones'. Su propósito es dar forma a la identidad y la memoria, el patrimonio cultural, narrativas destiladas e historias preciadas. Muchos museos de arte a lo largo de la historia se han diseñado con un propósito cultural o han sido objeto de intervención política. En particular, se ha pensado que las galerías de arte nacionales incitan sentimientos de nacionalismo. Esto ha ocurrido tanto en países democráticos como no democráticos, aunque los regímenes autoritarios históricamente han ejercido más control sobre la administración de los museos de arte. Ludwig Justi, por ejemplo, fue destituido como director de la Alte Nationalgalerie (Antigua Galería Nacional) en Berlín en 1933 por las nuevas autoridades nazis por no ser políticamente adecuado.

La cuestión del lugar del museo de arte en su comunidad ha sido objeto de debate durante mucho tiempo. Algunos ven a los museos de arte como instituciones fundamentalmente elitistas, mientras que otros los ven como instituciones con potencial para la educación y la elevación de la sociedad. John Cotton Dana, un bibliotecario y director de museo estadounidense, así como el fundador del Museo de Newark, vio al museo de arte tradicional como una institución pública inútil, que se enfocaba más en la moda y la conformidad que en la educación y la elevación. De hecho, el museo ideal de Dana sería el más adecuado para un uso activo y vigoroso por parte del ciudadano medio, ubicado cerca del centro de su movimiento diario. Además, la concepción de Dana del museo perfecto incluía una variedad más amplia de objetos que el museo de arte tradicional, incluidas herramientas industriales y artesanías que fomentan la imaginación en áreas tradicionalmente consideradas mundanas. Esta visión del museo de arte lo imagina como uno bien adaptado a un mundo industrial, de hecho lo mejora. Dana consideraba que las pinturas y esculturas eran mucho menos útiles que los productos industriales, comparando el museo con una tienda por departamentos. Además, alentó el préstamo activo de los objetos coleccionados de un museo para mejorar la educación en las escuelas y ayudar en el desarrollo cultural de los miembros individuales de la comunidad. Por último, Dana vio las sucursales de los museos en una ciudad como un buen método para asegurarse de que todos los ciudadanos tengan acceso a sus beneficios. La visión de Dana del museo ideal buscaba involucrar a una variedad más amplia de personas en él, y conscientemente no era elitista.

Desde la década de 1970, varios teóricos políticos y comentaristas sociales han señalado las implicaciones políticas de los museos de arte y las relaciones sociales. Pierre Bourdieu, por ejemplo, argumentó que a pesar de la aparente libertad de elección en las artes, las preferencias artísticas de las personas (como la música clásica, el rock, la música tradicional) están estrechamente relacionadas con su posición social. El llamado capital cultural es un factor importante en la movilidad social (por ejemplo, conseguir un trabajo mejor remunerado y de mayor estatus). El argumento afirma que ciertos museos de arte tienen como objetivo perpetuar los ideales de gusto aristocráticos y de la clase alta y excluye a los segmentos de la sociedad que no tienen las oportunidades sociales para desarrollar tal interés. Las bellas artes perpetúan así la desigualdad social al crear divisiones entre diferentes grupos sociales. Este argumento también se relaciona con la teoría marxista de la mistificación y la cultura de élite.

Además, algunas galerías de arte, como la National Gallery de Londres y el Louvre de París, están ubicadas en edificios de gran impacto emocional. El Louvre de París se encuentra, por ejemplo, en el antiguo castillo real del antiguo régimen y, por tanto, está claramente diseñado con una agenda política. Se ha argumentado que tales edificios crean sentimientos de subyugación y se suma a la mistificación de las bellas artes. Las investigaciones sugieren que el contexto en el que se presenta una obra de arte tiene una influencia significativa en su recepción por parte del público, y los espectadores que muestran obras de arte en un museo las calificaron mejor que cuando se exhibieron en un entorno de "laboratorio".

Museos online

Museos con mayor presencia en la web

La mayoría de los museos de arte tienen colecciones en línea limitadas, pero algunos museos, así como algunas bibliotecas y agencias gubernamentales, han desarrollado importantes catálogos en línea. Los museos, bibliotecas y agencias gubernamentales con importantes colecciones en línea incluyen:

  • El Museo Británico tiene más de 4.000.000 de objetos de todo tipo disponibles en línea, de los cuales 1.018.471 tienen una o más imágenes (a junio de 2019).
  • Biblioteca del Congreso, colección de grabados (C19 en adelante) y fotografías (varios millones de entradas).
  • El Metropolitan Museum of Art tiene "406.000 imágenes de alta resolución de obras de dominio público de la colección que se pueden descargar, compartir y mezclar sin restricciones".
  • El Rijksmuseum tiene 399.189 objetos disponibles en línea, de los cuales 153.309 tienen una o más imágenes.
  • National Portrait Gallery, con más de 215.000 obras, 150.000 de las cuales están ilustradas, entre pinturas, grabados y retratos fotográficos.
  • MOMA (Museo de Arte Moderno), con fondos que incluyen más de 150.000 piezas individuales además de aproximadamente 22.000 películas.
  • Museo de Bellas Artes de Boston, con más de 330.000 obras, la mayoría con imágenes. Bueno para impresiones.
  • Museos de Bellas Artes de San Francisco, con más de 85.000 obras.
  • Harvard Art Museums, con más de 233.000 obras en línea.
  • Louvre, con más de 80.000 obras en diversas bases de datos, con un gran número de imágenes, además de otros 140.000 dibujos.
  • Galería Nacional de Arte, con más de 108.000 obras catalogadas, aunque con solo 6.000 imágenes.
  • (en francés) La base de datos Mona Lisa de museos franceses - Joconde * (del Ministerio de Cultura francés )
  • Galería Photoclass Galería de Arte de Corea del Sur - desde 2002

Colecciones de arte online

Hay una serie de catálogos y galerías de arte en línea que se han desarrollado independientemente del apoyo de cualquier museo individual. Muchos de estos, como American Art Gallery, son intentos de desarrollar galerías de obras de arte que tienen un enfoque enciclopédico o histórico, mientras que otros son esfuerzos comerciales para vender el trabajo de artistas contemporáneos.

Un número limitado de estos sitios tienen una importancia independiente en el mundo del arte. Las grandes casas de subastas, como Sotheby's, Bonhams y Christie's, mantienen grandes bases de datos en línea de arte que han subastado o están subastando. Bridgeman Art Library sirve como fuente central de reproducciones de obras de arte, con acceso limitado a museos, marchantes de arte y otros profesionales u organizaciones profesionales.

Folksonomía

También hay galerías en línea que han sido desarrolladas por una colaboración de museos y galerías que están más interesadas en la categorización del arte. Están interesados ​​en el uso potencial de la folksonomía dentro de los museos y los requisitos para el procesamiento posterior de los términos que se han recopilado, tanto para probar su utilidad como para implementarlos de manera útil.

El steve.museum es un ejemplo de un sitio que está experimentando con esta filosofía colaborativa. Las instituciones participantes incluyen el Museo Guggenheim, el Museo de Arte de Cleveland, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

Listas de museos

Listas nacionales e internacionales

  • Mundo: Patrimonio de la Humanidad (s) (según la UNESCO )
  • Mundo (arte moderno): Museos de arte moderno
  • América Latina: Museos en América Latina, en el sitio web del Centro de Información de la Red Latinoamericana (LANIC) de la Universidad de Texas en Austin
  • EE.UU.: Categoría: Instituciones acreditadas por la Alianza Americana de Museos, lista alfabética con enlaces.
  • EE.UU.: Página web de MUSEOS DE ARTE, CENTROS DE ARTE y ORGANIZACIONES DE ARTE SIN FINES DE LUCRO, ordenadas por estado, en el sitio web Art Collecting.com.
  • EE. UU.: Página de museos, en la que se enumeran (con vínculos) los museos nacionales de los Estados Unidos, en la subsección "Historia, arte y cultura" de la sección "Ciudadanos" del sitio web de información general del gobierno federal de EE. UU. USA.gov

Listas de área local

Principales ciudades europeas

Áreas locales de América del Norte

Organizaciones

Hay relativamente pocas organizaciones locales / regionales / nacionales dedicadas específicamente a los museos de arte. La mayoría de los museos de arte están asociados con organizaciones locales / regionales / nacionales para las artes, las humanidades o los museos en general. Muchas de estas organizaciones se enumeran a continuación:

Organizaciones internacionales y de actualidad

Organizaciones nacionales

Otras organizaciones (para varios museos)

Organizaciones de museos regionales, provinciales y estatales

  • Canadá, Ontario: Asociación de museos de Ontario y Asociación de galerías de arte de Ontario
  • Estados Unidos, estados del oeste: Asociación de Museos del Oeste
  • Estados Unidos, estados del oeste: Museums West Consortium, una asociación de 13 museos del oeste americano.
  • Estados Unidos, estados del oeste: Asociación Occidental para la Conservación del Arte (WAAC)
  • EE. UU., CA (California): Asociación de Museos de California
  • EE. UU., FL (Florida): Asociación de Directores de Museos de Arte de Florida, afiliada a la Asociación de Museos de Florida

Organizaciones de museos de distrito, locales y comunitarios

  • EE. UU., DC, Washington: Smithsonian Institution, el museo nacional oficial y la organización que controla la mayoría de los principales museos de arte y cultura en Washington, DC, museos nacionales con importantes colecciones de arte, así como otras instalaciones históricas y culturales nacionales en todo el país. El Smithsonian también, directa o indirectamente, ya través de exhibiciones itinerantes, coordina cierto apoyo del gobierno federal a los museos (de arte y otros) a nivel nacional. También se asocia con muchos museos en los Estados Unidos, cada uno designado como una institución "afiliada al Smithsonian".
  • Estados Unidos, Florida, Miami Miami Art Museums Alliance
  • Estados Unidos, Nuevo México, Taos: colonia de arte de Taos
  • Estados Unidos, NY, Ciudad de Nueva York: Asociación de museos de arte
  • Estados Unidos, NY, Ciudad de Nueva York: Consejo de Museos de la Ciudad de Nueva York
  • Estados Unidos, TX, Houston: Asociación del Distrito de Museos de Houston

Ver también

Referencias

Otras lecturas

  • "Museos de arte", Encyclopædia Britannica (11ª ed.), Nueva York: Encyclopædia Britannica Co., 1910, OCLC   14782424
  • Saumarez Smith, Charles (2021). El museo de arte en los tiempos modernos. Londres: Thames amp; Hudson. ISBN   978-0-500-02243-6. OCLC   1233310517.
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