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Música de baile electrónica

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La música electrónica de baile ( EDM), también conocida como música de baile, música de club o simplemente baile, es una amplia gama de géneros de música electrónica de percusión hechos principalmente para clubes nocturnos, raves y festivales. Generalmente, es producido para reproducción por DJs que crean selecciones perfectas de pistas, llamadas mezcla de DJ, pasando de una grabación a otra. Los productores de EDM también interpretan su música en vivo en un concierto o festival en lo que a veces se llama PA en vivo.

A finales de la década de 1980 y principios de la de 1990, tras la aparición de raving, radios piratas, PartyCrews, festivales clandestinos y un aumento del interés por la cultura de los clubes, la música electrónica alcanzó una popularidad generalizada en Europa. En los Estados Unidos en ese momento, la aceptación de la cultura de la danza no era universal fuera de la ciudad de Nueva York; aunque tanto la música electrónica como la house de Chicago fueron influyentes tanto en Europa como en los Estados Unidos, los principales medios de comunicación y la industria discográfica se mantuvieron abiertamente hostiles hacia ella. También se percibió una asociación entre EDM y la cultura de las drogas, lo que llevó a los gobiernos a nivel estatal y municipal a promulgar leyes y políticas destinadas a detener la propagación de la cultura rave.

Posteriormente, en el nuevo milenio, la popularidad de EDM aumentó a nivel mundial, principalmente en los Estados Unidos y Australia. A principios de la década de 2010, el término "música electrónica de baile" y el inicialismo "EDM" estaba siendo promovido por la industria musical y la prensa musical estadounidenses en un esfuerzo por cambiar el nombre de la cultura rave estadounidense. A pesar del intento de la industria de crear una marca EDM específica, el inicialismo sigue en uso como un término general para múltiples géneros, incluidos dance-pop, house, techno y electro, así como sus respectivos subgéneros. El género alcanzó su punto máximo como fuerza dominante en la música popular convencional en la década de 2010.

Contenido
  • 1 Historia
    • 1.1 Precursores
      • 1.1.1 Dub
      • 1.1.2 Hip hop
      • 1.1.3 Disco
      • 1.1.4 Synth-pop
    • 1.2 Música de baile en la década de 1980
      • 1.2.1 Post-disco
      • 1.2.2 Electro
      • 1.2.3 Música house
      • 1.2.4 Techno, acid house, rave
    • 1.3 La música dance en la década de 1990
      • 1.3.1 Trance
      • 1.3.2 Breakbeat hardcore, jungle, drum and bass
    • 1.4 La música de baile en el siglo XXI
      • 1.4.1 Dubstep
      • 1.4.2 Casa eléctrica
      • 1.4.3 Música trampa (EDM)
  • 2 Terminología
  • 3 Producción
    • 3.1 Producción de fantasmas
    • 3.2 Producción de dormitorios
  • 4 Popularización
    • 4.1 Estados Unidos
      • 4.1.1 Interés empresarial de EE. UU.
      • 4.1.2 Críticas a la sobrecomercialización
    • 4.2 Internacional
  • 5 Impacto social
    • 5.1 Festivales
    • 5.2 Asociación con el consumo de drogas recreativas
      • 5.2.1 Muertes relacionadas con las drogas en eventos de música electrónica de baile
  • 6 premios de la industria
  • 7 Véase también
  • 8 notas
  • 9 referencias
    • 9.1 Bibliografía
  • 10 Lecturas adicionales

Historia

Ver también: Música electrónica e Historia del DJ

Varios géneros EDM han evolucionado durante los últimos 40 años, por ejemplo; house, techno, dance-pop, etc. La variación estilística dentro de un género EDM establecido puede conducir al surgimiento de lo que se llama un subgénero. La hibridación, donde se combinan elementos de dos o más géneros, puede conducir al surgimiento de un género completamente nuevo de EDM.

Precursores

Véase también: P-Funk

A finales de la década de 1960, bandas como Silver Apples crearon música electrónica destinada al baile. Otros ejemplos tempranos de música que influyeron en la música electrónica de baile posterior incluyen la música dub jamaicana durante la década de 1960 a la de 1970, la música disco basada en sintetizadores del productor italiano Giorgio Moroder a fines de la década de 1970 y el electropop de Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra a mediados de la década de 1970. -hasta finales de la década de 1970.

Doblar

Artículo principal: Música Dub Ver también: Sistema de sonido (Jamaicano) y Deejay (Jamaicano)

El autor Michael Veal considera que la música dub, una música jamaicana derivada del roots reggae y la cultura del sistema de sonido que floreció entre 1968 y 1985, es uno de los precursores importantes de la música electrónica de baile contemporánea. Las producciones de dub eran pistas de reggae remezcladas que enfatizaban el ritmo, elementos líricos y melódicos fragmentados y texturas reverberantes. La música fue iniciada por ingenieros de estudio, como Sylvan Morris, King Tubby, Errol Thompson, Lee "Scratch" Perry y Scientist. Sus producciones incluían formas de edición de cintas y procesamiento de sonido que Veal considera comparables a las técnicas utilizadas en la música concreta. Los productores de dub hicieron deconstrucciones improvisadas de mezclas de reggae multipista existentes utilizando la mesa de mezclas de estudio como instrumento de interpretación. También destacaron los efectos espaciales como la reverberación y el retardo mediante el uso de enrutamientos de envío auxiliares de forma creativa. El Roland Space Echo, fabricado por Roland Corporation, fue ampliamente utilizado por los productores de doblaje en la década de 1970 para producir efectos de eco y retardo.

A pesar del limitado equipo electrónico disponible para pioneros del doblaje como King Tubby y Lee "Scratch" Perry, sus experimentos en la cultura del remix eran musicalmente de vanguardia. El doblaje ambiental fue iniciado por King Tubby y otros artistas de sonido jamaicanos, utilizando electrónica ambiental inspirada en DJ, completa con interrupciones, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos. Presentaba técnicas de capas e incorporaba elementos de músicas del mundo, líneas de bajos profundos y sonidos armónicos. También se utilizaron técnicas como un retardo de eco prolongado.

Hip hop

Artículo principal: música hip hop Ver también: Rapear y Turntablism

La música hip hop ha tenido cierta influencia en el desarrollo de la música electrónica de baile desde la década de 1970. Inspirado por la cultura jamaicana de los sistemas de sonido, el DJ jamaicano-estadounidense Kool Herc introdujo grandes equipos de altavoces con graves pesados ​​en el Bronx. A sus fiestas se les atribuye haber iniciado el movimiento hip-hop de la ciudad de Nueva York en 1973. Una técnica desarrollada por DJ Kool Herc que se hizo popular en la cultura hip hop fue tocar dos copias del mismo disco en dos tocadiscos, en alternancia, y en el punto donde una pista presentaba una ruptura. Esta técnica se utilizó además para realizar un bucle manual de una ruptura puramente de percusión, lo que dio lugar a lo que más tarde se denominó un tiempo de ruptura.

Turntablism tiene su origen en la invención de la plataforma giratoria de accionamiento directo, por Shuichi Obata, un ingeniero de Matsushita (ahora Panasonic ). En 1969, Matsushita lo lanzó como el SP-10, el primer tocadiscos de accionamiento directo del mercado y el primero de su influyente serie de tocadiscos Technics. El tocadiscos más influyente fue el Technics SL-1200, que fue desarrollado en 1971 por un equipo dirigido por Shuichi Obata en Matsushita, que luego lo lanzó al mercado en 1972. En las décadas de 1980 y 1990 , los DJ de hip-hop usaban tocadiscos como instrumentos musicales. por derecho propio y uso virtuoso se convirtió en una práctica creativa llamada turntablismo.

Disco

Artículo principal: Disco Ver también: Euro disco, Italo disco y Hi-NRG

En 1974, el primer éxito disco de George McCrae, " Rock Your Baby ", fue uno de los primeros discos en utilizar una caja de ritmos, una de las primeras máquinas de ritmo de Roland. El uso de cajas de ritmos en la producción disco fue influenciado por " Family Affair " (1971) de Sly y Family Stone, cuyo ritmo se hizo eco en "Rock Your Baby" de McCrae y " Why Can't We Live Together " de Timmy Thomas. "(1972). El productor disco Biddu usó sintetizadores en varias canciones disco de 1976 a 1977, incluyendo "Bionic Boogie" de Rain Forest (1976), "Soul Coaxing" (1977) y Eastern Man and Futuristic Journey (grabado de 1976 a 1977).

Actos como Donna Summer, Chic, Earth, Wind, and Fire, Heatwave y Village People ayudaron a definir el sonido disco de finales de la década de 1970. En 1977, Giorgio Moroder y Pete Bellotte produjeron " I Feel Love " para Donna Summer. Se convirtió en el primer éxito disco conocido en tener una pista de acompañamiento completamente sintetizada. Otros productores de música disco, el más famoso productor estadounidense Tom Moulton, tomaron ideas y técnicas de la música dub (que llegó con la creciente migración jamaicana a la ciudad de Nueva York en la década de 1970) para proporcionar alternativas al estilo de cuatro en la pista que dominaba. A principios de la década de 1980, la popularidad de la música disco disminuyó drásticamente en los Estados Unidos, abandonada por las principales discográficas y productores estadounidenses. Euro disco siguió evolucionando dentro de la amplia escena de la música pop convencional.

Pop sintetizado

Artículo principal: Synth-pop Vea también: Música new wave, Electropop, Minimal wave y City pop

Synth-pop (abreviatura de 'sintetizador pop'; también llamado 'tecno-pop') es un subgénero de la música new wave que se hizo prominente por primera vez a fines de la década de 1970 y presenta al sintetizador como el instrumento musical dominante. Fue prefigurada en la década de 1960 y principios de la de 1970 por el uso de sintetizadores en rock progresivo, electrónica, art rock, disco y, en particular, el " Krautrock " de bandas como Kraftwerk. Surgió como un género distinto en Japón y el Reino Unido en la era post-punk como parte del movimiento new wave de finales de la década de 1970 hasta mediados de la de 1980.

Los primeros pioneros del synth-pop incluyeron al grupo japonés Yellow Magic Orchestra y las bandas británicas Ultravox, Human League y Berlin Blondes. The Human League utilizó sintetizadores monofónicos para producir música con un sonido simple y austero. Después del gran avance de Gary Numan en la lista de singles del Reino Unido en 1979, un gran número de artistas comenzaron a disfrutar del éxito con un sonido basado en sintetizadores a principios de la década de 1980, incluidos debutantes de finales de la década de 1970 como Japan y Orchestral Maneuvers in the Dark, y recién llegados como como Depeche Mode y Eurythmics. En Japón, el éxito de Yellow Magic Orchestra abrió el camino para bandas de synth-pop como P-Model, Plastics y Hikashu. El desarrollo de sintetizadores polifónicos económicos, la definición de MIDI y el uso de ritmos de baile, llevaron a un sonido más comercial y accesible para el synth-pop. Esto, su adopción por los actos conscientes del estilo del movimiento New Romantic, junto con el ascenso de MTV, llevó al éxito de un gran número de actos británicos de synth-pop (incluidos Duran Duran y Spandau Ballet ) en los Estados Unidos.

La banda japonesa de música electrónica Yellow Magic Orchestra (YMO) fue pionera en el uso de muestreo digital y bucles en la música popular. Su enfoque del muestreo fue un precursor del enfoque contemporáneo de construir música cortando fragmentos de sonidos y colocándolos en bucle utilizando tecnología informática. " Computer Game / Firecracker " (1978) interpoló una melodía de Martin Denny y muestreó los sonidos de los videojuegos de Space Invaders. Technodelic (1981) introdujo el uso del muestreo digital en la música popular, como el primer álbum que constaba principalmente de samples y loops. El álbum fue producido utilizando el muestreador digital PCM LMD-649 de Toshiba-EMI, que el ingeniero Kenji Murata diseñó a medida para YMO. El LMD-649 también fue utilizado para samplear por otros artistas japoneses de synthpop a principios de la década de 1980, incluidos actos asociados con YMO como Chiemi Manabe y Logic System.

Música de baile en la década de 1980

Vea también: hip hop de la nueva escuela, bajo de Miami, música de estilo libre, hip house, house latino y música de baile industrial

El surgimiento de la música electrónica de baile en la década de 1980 estuvo determinado por el desarrollo de varios instrumentos musicales electrónicos nuevos, en particular los de la japonesa Roland Corporation. El Roland TR-808 (a menudo abreviado como "808") jugó un papel importante en la evolución de la música dance, después de que " Planet Rock " de Afrika Bambaataa (1982) lo hiciera muy popular en las pistas de baile. La pista, que también contó con la línea melódica de Trans-Europe Express de Kraftwerk, informó el desarrollo de la música electrónica de baile y subgéneros como el bajo de Miami y el techno de Detroit, y popularizó el 808 como un "elemento fundamental del sonido futurista". Según Slate, "Planet Rock" "no puso al 808 en el mapa, sino que reorientó todo un mundo de música dance post-disco a su alrededor". Los Roland TR-909, TB-303 y Juno-60 influyeron de manera similar en la música electrónica de baile como el techno, el house y el ácido.

Post-disco

Artículo principal: Post-disco Véase también: Boogie (género)

Durante la era post-disco que siguió a la reacción violenta contra " disco " que comenzó a mediados y finales de 1979, que en los Estados Unidos provocó disturbios civiles y un motín en Chicago conocido como Disco Demolition Night, [13] un movimiento clandestino de música "desnuda" inspirada en la discoteca con "sonidos radicalmente diferentes" [14] comenzaron a surgir en la costa este. [15] [Nota 1] Esta nueva escena se vio principalmente en el área metropolitana de Nueva York y fue dirigida inicialmente por los artistas urbanos contemporáneos que estaban respondiendo a la sobrecomercialización y posterior desaparición de la cultura disco. El sonido que surgió se originó en P-Funk [18], el lado electrónico de la música disco, dub y otros géneros. Gran parte de la música producida durante este tiempo fue, como la discoteca, dirigida a un mercado impulsado por los solteros. [14] En este momento, el control creativo comenzó a desplazarse hacia compañías discográficas independientes, productores menos establecidos y DJ de clubes. [14] Otros estilos de baile que comenzaron a hacerse populares durante la era post-disco incluyen dance-pop, [19] [20] boogie, [14] electro, Hi-NRG, Italo disco, house, [19] [21] [22] [23] y tecno. [22] [24] [25] [26] [27]

Electro

Artículo principal: Electro (música) El instrumento que sintetizados golpes de tambor programados proporcionado electro, el Roland TR-808 máquina de tambor.

A principios de la década de 1980, el electro (abreviatura de "electro-funk") surgió como una fusión de electro-pop, funk y boogie. También llamado electro-funk o electro-boogie, pero luego abreviado como electro, los pioneros citados incluyen a Ryuichi Sakamoto, Afrika Bambaataa, Zapp, D.Train y Sinnamon. El hip hop y el rap tempranos combinados con influencias del electropop alemán y japonés como Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra inspiraron el nacimiento del electro. A medida que se desarrolló el sonido electrónico, los instrumentos como el bajo y la batería fueron reemplazados por sintetizadores y, sobre todo, por cajas de ritmos icónicas, en particular la Roland TR-808 y la Yamaha DX7. Los primeros usos del TR-808 incluyen varias pistas de Yellow Magic Orchestra en 1980-1981, la pista de 1982 " Planet Rock " de Afrika Bambaataa y la canción de 1982 " Sexual Healing " de Marvin Gaye. En 1982, el productor Arthur Baker, con Afrika Bambaataa, lanzó el seminal " Planet Rock ", que fue influenciado por Yellow Magic Orchestra, usó muestras de Kraftwerk y tenía ritmos de batería proporcionados por el TR-808. Planet Rock fue seguido más tarde ese año por otro gran disco de electro, " Nunk " de Warp 9. En 1983, Hashim creó un sonido electro-funk con "Al-Naafyish (The Soul)" que influyó en Herbie Hancock, dando como resultado su sencillo " Rockit " el mismo año. Los primeros años de la década de 1980 fueron el pico de la corriente principal del electro. Según el autor Steve Taylor, Planet Rock de Afrika Bambaataa sirve como "plantilla para toda la música de baile interesante desde entonces".

música de la casa

Artículo principal: música house Vea también: Casa de Chicago, Casa de garaje y Casa profunda

A principios de la década de 1980, los deportistas de radio de Chicago The Hot Mix 5 y el club DJ Ron Hardy y Frankie Knuckles jugaron varios estilos de música de baile, entre otras cosas antiguas discoteca registros (en su mayoría Filadelfia discoteca y Salsoul pistas), electro canguelo pistas de artistas como Afrika Bambaataa, Italo disco más reciente, música hip hop B-Boy de Man Parrish, Jellybean Benitez, Arthur Baker y John Robie, y música pop electrónica de Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra. Algunos hicieron y tocaron sus propias ediciones de sus canciones favoritas en cinta de carrete a carrete y, a veces, mezclaron efectos, cajas de ritmos y otra instrumentación electrónica rítmica. La hipnótica canción electrónica de baile "On and On", producida en 1984 por el DJ Jesse Saunders de Chicago y coescrita por Vince Lawrence, tenía elementos que se convirtieron en elementos básicos del sonido house temprano, como el sintetizador de bajo Roland TB-303 y voces mínimas. así como un Roland (específicamente TR-808 ) de la máquina de tambor y Korg (específicamente poli-61 sintetizador).

"On and On" se cita a veces como el "primer disco de la casa", aunque también se han citado otros ejemplos de esa época, como " Music is the Key " (1985) de JM Silk. La música house se extendió rápidamente a las ciudades estadounidenses, como Nueva York, Newark y Detroit, todas las cuales desarrollaron sus propias escenas regionales. A mediados y finales de la década de 1980, la música house se hizo popular en Europa, así como en las principales ciudades de América del Sur y Australia. Chicago House experimentó cierto éxito comercial en Europa con lanzamientos como "House Nation" de House Master Boyz y Rude Boy of House (1987). Después de esto, una serie de lanzamientos inspirados en la casa como " Pump Up The Volume " de M | A | R | R | S (1987), " Theme from S'Express " de S'Express (1988) y " Doctorin ' the House "de Coldcut (1988) entró en las listas de éxitos.

La instrumentación electrónica y la disposición mínima de Charanjit Singh 's Síntesis: Diez Ragas a un ritmo de una discoteca (1982), un álbum de indias ragas realizan en un estilo disco, anticiparon los sonidos del acid house música, pero no se sabe que han tenido cualquier influencia en el género antes del redescubrimiento del álbum en el siglo XXI.

Techno, acid house, rave

Artículos principales: Techno y Acid house Vea también: Detroit techno, Electronic Body Music, Balearic House y Second Summer of Love Roland TB-303 : El sintetizador de línea de bajo que se utilizó de forma destacada en el acid house.

A mediados de la década de 1980, la música house prosperó en la pequeña isla balear de Ibiza, España. El sonido balear era el espíritu de la música que emergía de la isla en ese momento; la combinación de viejos discos de vinilo rock, pop, reggae y disco junto con una actitud de "todo vale" hizo de Ibiza un centro de experimentación musical inducida por las drogas. Un club llamado Amnesia, cuyo DJ residente, Alfredo Fiorito, pionero del house balear, fue el centro de la escena. La amnesia se hizo conocida en toda Europa y, a mediados o finales de la década de 1980, atraía a personas de todo el continente.

En 1988, la música house se había convertido en la forma más popular de música de club en Europa, con el acid house desarrollándose como una tendencia notable en el Reino Unido y Alemania en el mismo año. En el Reino Unido, una subcultura establecida de fiestas de almacén, centrada en la escena del sistema de sonido británico africano-caribeño alimentó las fiestas clandestinas que presentaban exclusivamente música dance. También en 1988, el ambiente de fiesta balear asociado con el DJ Alfredo de Ibiza se trasladó a Londres, cuando Danny Rampling y Paul Oakenfold abrieron los clubes Shoom y Spectrum, respectivamente. Ambos lugares se convirtieron en sinónimo de acid house, y fue durante este período que la MDMA ganó prominencia como droga de fiesta. Otros clubes importantes del Reino Unido incluyeron Back to Basics en Leeds, Sheffield's Leadmill and Music Factory, y The Haçienda en Manchester, donde el spot de Mike Pickering y Graeme Park, Nude, fue un importante campo de pruebas para la música de baile underground estadounidense. El éxito del house y el acid house allanó el camino para Detroit Techno, un estilo que inicialmente fue apoyado por un puñado de clubes de música house en Chicago, Nueva York y el norte de Inglaterra, y los clubes de Detroit se pusieron al día más tarde. El término Techno entró en uso por primera vez después del lanzamiento de una compilación de 10 Records / Virgin Records titulada Techno: The Dance Sound of Detroit en 1988.

Una de las primeras producciones de Detroit en recibir mayor atención fue " Strings of Life " de Derrick May (1987), que, junto con el lanzamiento anterior de May, "Nude Photo" (1987), ayudó a elevar el perfil del techno en Europa, especialmente en el Reino Unido y Alemania., durante el boom de la música house de 1987-1988 (ver Second Summer of Love ). Se convirtió en la pista más conocida de May, que, según Frankie Knuckles, "simplemente explotó. Era como algo que no puedes imaginar, el tipo de poder y energía que la gente obtuvo de ese disco cuando se escuchó por primera vez. Mike Dunn dice que él no tiene idea de cómo la gente puede aceptar un disco que no tiene línea de bajo ". Según el DJ británico Mark Moore, "Strings of Life" llevó a los asistentes a los clubes de Londres a aceptar el house: "porque la mayoría de la gente odiaba la música house y todo era groove y hip hop raros... Tocaba" Strings of Life "en el Mudd Club y limpiar el piso ". A fines de la década de 1980, el interés por el house, el acid house y el techno se intensificó en la escena de los clubes y los asistentes a los clubes impulsados ​​por la MDMA, que se enfrentaban a un cierre de 2 am en el Reino Unido, comenzaron a buscar refugio después del horario de atención en un almacén abierto toda la noche. fiestas. En un año, en el verano de 1989, hasta 25.000 personas a la vez asistían a fiestas clandestinas organizadas comercialmente llamadas raves.

Música de baile en la década de 1990

Ver también: Progressive house, casa de la tecnología, techno mínimo, la música Trance, música de baile inteligente, Eurodance, casa Ghetto, Hardcore (electrónica de baile género musical), y el hardcore digital

Trance

Artículo principal: música trance Ver también: trance de Goa, trance psicodélico, trance progresivo y trance edificante

El trance surgió de la escena rave en el Reino Unido a finales de la década de 1980 y se desarrolló aún más a principios de la década de 1990 en Alemania antes de extenderse por el resto de Europa, como una rama más melódica del techno y el house. Al mismo tiempo que la música trance se desarrollaba en Europa, el género también estaba ganando adeptos en el estado indio de Goa. El trance es principalmente instrumental, aunque las voces se pueden mezclar: típicamente son interpretadas por mezzosoprano a soprano solistas femeninas, a menudo sin una estructura tradicional de verso / coro. La forma vocal estructurada en la música trance forma la base del subgénero del trance vocal, que ha sido descrito como "grandioso, altísimo y operístico" y "protagonistas femeninas etéreas flotando entre los sintetizadores". La música trance se divide en varios subgéneros, incluidos el trance ácido, el trance clásico, el trance duro, el trance progresivo y el trance edificante. El trance edificante también se conoce como "trance de himno", "trance épico", "trance comercial", "trance de estadio" o "trance eufórico", y ha sido fuertemente influenciado por la música clásica en las décadas de 1990 y 2000 por artistas destacados como Ferry Corsten, Armin Van Buuren, Tiësto, Push, Rank 1 y en la actualidad con el desarrollo del subgénero "trance edificante orquestal" o "trance edificante con orquesta sinfónica" de artistas como Andy Blueman, Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone y Simon O'Shine, etc. Estrechamente relacionado con Uplifting Trance está Euro-trance, que se ha convertido en un término general para una amplia variedad de música de baile europea altamente comercializada. Varios subgéneros son cruces con otros géneros importantes de música electrónica. Por ejemplo, Tech trance es una mezcla de trance y techno, y Vocal trance "combina elementos progresivos [del trance] con música pop". El género del trance onírico se originó a mediados de la década de 1990, con su popularidad liderada entonces por Robert Miles.

AllMusic afirma sobre el trance progresivo: "el ala progresiva de la multitud de trance condujo directamente a un sonido más comercial y orientado a las listas, ya que el trance nunca había disfrutado de mucha acción en las listas en primer lugar. Enfatizando el sonido más suave de Eurodance o house (y ocasionalmente más que recuerda a Jean-Michel Jarre que a Basement Jaxx ), Progressive Trance se convirtió en el sonido de las pistas de baile del mundo a finales del milenio. Los críticos ridiculizaron su enfoque en las averías predecibles y la relativa falta de habilidad para mezclar ritmos, pero el trance progresivo fue criticado por el mejor DJ ".

Breakbeat hardcore, jungle, drum and bass

Artículos principales: Jungle music, Drum and bass y Breakbeat hardcore Vea también: Historia de drum and bass, UK garage, Breakbeat y Breakcore

A principios de la década de 1990, se desarrolló un estilo de música dentro de la escena rave que tenía una identidad distinta del house y el techno estadounidenses. Esta música, al igual que el hip-hop anterior, combinaba ritmos sincopados o breakbeats muestreados, otras muestras de una amplia gama de diferentes géneros musicales y, ocasionalmente, muestras de música, diálogos y efectos de películas y programas de televisión. En relación con los estilos anteriores de música dance como el house y el techno, la llamada 'música rave' tendía a enfatizar los sonidos graves y usaba tempos más rápidos, o beats por minuto (BPM). Este subgénero se conocía como rave "hardcore", pero desde 1991, algunas pistas musicales compuestas por estos ritmos de ritmo alto, con líneas de bajo pesadas y muestras de música jamaicana más antigua, se conocían como "jungle techno ", un género influenciado por Jack Smooth y Basement Records, y más tarde simplemente "jungle", que se hizo reconocido como un género musical separado popular en raves y en la radio pirata en Gran Bretaña. Es importante tener en cuenta cuando se habla de la historia del drum amp; bass que antes de la jungla, la música rave se estaba volviendo más rápida y más experimental.

En 1994, jungle había comenzado a ganar popularidad en la corriente principal, y los fanáticos de la música (a menudo denominados junglists ) se convirtieron en una parte más reconocible de la subcultura juvenil. El género se desarrolló aún más, incorporando y fusionando elementos de una amplia gama de géneros musicales existentes, incluido el sonido raggamuffin, dancehall, cantos de MC, dub basslines y una percusión breakbeat cada vez más compleja y muy editada. A pesar de la afiliación con la escena rave alimentada por el éxtasis, Jungle también heredó algunas asociaciones con la violencia y la actividad criminal, tanto de la cultura de las pandillas que había afectado a la escena hip-hop del Reino Unido como consecuencia del sonido y los temas de jungle, a menudo agresivos o amenazantes. violencia (generalmente reflejada en la elección de muestras). Sin embargo, esto se desarrolló en conjunto con la reputación a menudo positiva de la música como parte de la escena rave más amplia y la cultura musical jamaicana basada en los salones de baile que prevalece en Londres. Para 1995, ya sea como reacción a este cisma cultural o independientemente de él, algunos productores de la jungla comenzaron a alejarse del estilo influenciado por el ragga y crearon lo que se etiquetaría colectivamente, por conveniencia, como drum and bass.

Música de baile en el siglo XXI

Ver también: la música Bass, Crunk, trap, trap (EDM), Juego de piernas (género), Electroclash, Hardstyle, moombahton, y microgenres

Dubstep

Artículo principal: Dubstep

El dubstep es un género de música electrónica de baile que se originó en el sur de Londres a finales de la década de 1990. En general se caracteriza por escaso, sincopado rítmicos patrones con líneas de bajo que contienen prominentes sub-graves frecuencias. El estilo surgió como una rama del garage del Reino Unido, basándose en un linaje de estilos relacionados como 2-step, dub reggae, jungle, broken beat y grime. En el Reino Unido, los orígenes del género se remontan al crecimiento de la escena de fiestas del sistema de sonido jamaicano a principios de la década de 1980.

Los primeros lanzamientos de dubstep conocidos se remontan a 1998 y, por lo general, aparecían como lados B de lanzamientos de sencillos de garaje de 2 pasos. Estas pistas eran remezclas más oscuras y experimentales con menos énfasis en las voces e intentaban incorporar elementos de breakbeat y drum and bass en 2 pasos. En 2001, esta y otras variedades de música garage oscura comenzaron a exhibirse y promocionarse en el club nocturno Plastic People de Londres, en la noche "Forward" (a veces estilizada como FWD gt;gt;), que pasó a ser considerada influyente en el desarrollo del dubstep.. El término "dubstep" en referencia a un género de música comenzó a ser utilizado alrededor de 2002 por sellos como Big Apple, Ammunition y Tempa, momento en el que las tendencias estilísticas utilizadas en la creación de estos remixes comenzaron a ser más notorias y distintas de 2- paso y mugre.

Casa electro

Artículo principal: Electro house

Electro house es una forma de música house caracterizada por una línea de bajo o bombo prominente y un tempo entre 125 y 135 latidos por minuto, generalmente 128. Sus orígenes fueron influenciados por el electro, electroclash. El término se ha utilizado para describir la música de muchos. DJ Mag Los 100 mejores DJ, incluidos Dimitri Vegas amp; Like Mike, Hardwell, Skrillex y Steve Aoki. El DJ italiano Benny Benassi, con su tema " Satisfaction " lanzado en 2002, es visto como el precursor del electro-house que lo llevó al mainstream. A mediados de la década de 2000, el electro-house experimentó un aumento en popularidad, con éxitos como el remix de Tom Neville de I See Girls de Studio B en 2005 (Reino Unido # 11). En noviembre de 2006, los temas de electro house " Put Your Hands Up For Detroit " de Fedde Le Grand y el remix de D. Ramirez de " Yeah Yeah " de Bodyrox y Luciana ocuparon los puestos número uno y número dos, respectivamente, en el Reino Unido. 40 listas de singles. Desde entonces, han surgido productores de electro house como Feed Me, Knife Party, The M Machine, Porter Robinson, Yasutaka Nakata y Dada Life.

Música trap (EDM)

Artículo principal: Música trap (EDM)

La música trap (EDM) se originó en el techno, el dub y el house holandés, pero también en el hip hop sureño a finales de la década de 2000 y principios de la de 2010. Esta forma de música trap se puede simplificar con estas tres características: "1/3 de hip hop (el tempo y la estructura de la canción son similares, la mayoría de las pistas suelen tener entre 70 y 110 bpm), con voces a veces más bajas, 1/3 de música de baile. - trabajo de sintetizador holandés de tono alto, muestreo Hardstyle, así como una gran cantidad de remezclas trampa de canciones populares de EDM, y 1/3 dub (enfoque de baja frecuencia y fuerte énfasis en la repetitividad a lo largo de una canción) ". Algunos de los artistas que popularizaron este género, junto con varios otros, fueron productores potenciales como RL Grime con las pistas "Core" y "Scylla" lanzadas en 2014, Flosstradamus con su álbum " Hdynation Radio" lanzado en 2015 y Carnage ( DJ) con su tema "Turn Up" lanzado en 2012. La música trap en esta connotación se caracterizó por "sintetizadores conmovedores, 808, la flauta de pan, trampas agudas y vocales largas, arrastradas por el almíbar" que creaban ritmos sucios y agresivos que resultaban en " melodías oscuras "Trap ahora se usa principalmente como remixes.

Terminología

El primer uso del término "música electrónica de baile" (EDM) fue por el músico, productor, manager e innovador inglés Richard James Burgess en 1980, cuyo sencillo "European Man" con su banda Landscape utilizó el término en la parte posterior del sencillo. carátula del disco: "Electronic Dance Music... EDM; programado por computadora a la perfección para su placer auditivo". Por lo tanto, se sabe que Burgess acuñó el término, así como " Nuevo Romántico ". En respuesta a una pregunta sobre que se le atribuye haber acuñado el término New Romantic en una entrevista con The Electricity Club, Burgess dijo: "Inicialmente estaba usando tres términos: Futurista, Electronic Dance Music (los sencillos de Landscape tienen EDM impreso en ellos) y New Romántico." En los Estados Unidos, el término se usó ya en 1985, aunque el término "música de baile" no se popularizó como un término general. [95] Escribiendo en The Guardian, el periodista Simon Reynolds señaló que la adopción del término EDM por parte de la industria musical estadounidense a fines de la década de 2000 fue un intento de cambiar la marca de la "cultura rave" estadounidense y diferenciarla de la escena rave de la década de 1990. Se ha descrito como una era de la música electrónica, siendo descrita en un artículo de MixMag como "el sonido del escenario principal masivamente comercial, que llena los estadios, golpea los puños, encabeza las listas de éxitos y que conquistó Estados Unidos... posiblemente en algún lugar entre electro y house progresivo, dirigido por Michael Bay, y como muchos géneros musicales, tratar de concretarlo es como intentar agarrar un puñado de agua ”. En el Reino Unido, "música dance" o "dance" son términos más comunes para EDM. [4] Lo que se percibe como "música de club" ha cambiado con el tiempo; ahora incluye diferentes géneros y puede que no siempre abarque EDM. De manera similar, la "música electrónica de baile" puede significar diferentes cosas para diferentes personas. Tanto "música de club" como "EDM" parecen vagas, pero los términos a veces se utilizan para referirse a géneros distintos y no relacionados (la música de club se define por lo que es popular, mientras que la EDM se distingue por atributos musicales). [96] Aunque Billboard debutó en una lista de "baile" en 1974, la industria musical estadounidense más grande no creó listas de música hasta finales de la década de 1990. [93] En julio de 1995, Nervous Records y Project X Magazine organizaron la primera ceremonia de premiación, llamándola "Electronic Dance Music Awards". [Nota 4]

Producción

Una configuración típica de estudio en casa para la producción de EDM con computadora, interfaz de audio y varios instrumentos MIDI.

La música electrónica de baile generalmente se compone y produce en un estudio de grabación con equipos especializados como muestreadores, sintetizadores, unidades de efectos y controladores MIDI, todos configurados para interactuar entre sí mediante el protocolo MIDI. En los primeros días del género, se usaban instrumentos musicales electrónicos de hardware y el enfoque en la producción estaba principalmente en manipular datos MIDI en lugar de manipular señales de audio. Desde finales de la década de 1990, ha aumentado el uso de software. Un estudio de producción de música electrónica moderno generalmente consiste en una computadora que ejecuta una estación de trabajo de audio digital (DAW), con varios complementos instalados, como sintetizadores de software y unidades de efectos, que se controlan con un controlador MIDI, como un teclado MIDI. Esta configuración es generalmente suficiente para completar producciones completas, que luego están listas para masterizar.

Producción de fantasmas

Un productor fantasma es un productor de música contratado en un acuerdo comercial que produce una canción para otro DJ / artista que la lanza como propia, generalmente bajo un contrato que les impide identificarse como parte del personal de la canción. Los productores fantasma reciben una tarifa simple o pagos de regalías por su trabajo y, a menudo, pueden trabajar en su preferencia de no tener la intensa presión de la fama y el estilo de vida de un DJ reconocido internacionalmente. Un productor fantasma puede aumentar su notoriedad en la industria de la música al familiarizarse con los DJ y productores establecidos de "renombre". Productores como Martin Garrix y Porter Robinson a menudo se destacan por su trabajo de producción de fantasmas para otros productores, mientras que David Guetta y Steve Aoki se destacan por su uso de productores fantasma en sus canciones, mientras que DJ como Tiësto han estado acreditando abiertamente a sus productores en un intento de evitar censura y transparencia.

Muchos productores fantasmas firman acuerdos que les impiden trabajar para otra persona o establecerse como solistas. Estos acuerdos de no divulgación a menudo se consideran depredadores porque los productores fantasma, especialmente los productores adolescentes, no conocen la industria de la música. El productor londinense Mat Zo ha alegado que los DJs que contratan productores fantasmas "han fingido hacer su propia música y nos han dejado a los verdaderos productores a la lucha".

Producción de dormitorio

Un productor de dormitorio es un músico independiente que crea música electrónica en su computadora portátil o en un estudio en casa. A diferencia de los estudios de grabación tradicionales, los productores de dormitorio suelen utilizar software y equipos accesibles y de bajo costo que pueden llevar a que la música se cree completamente "en la caja", sin hardware externo.

Popularización

Estados Unidos

Véase también: Teatro Beacham § Era de Late Night: (1988-1994) Aahz

Inicialmente, la popularización de la música electrónica de baile se asoció con la cultura rave y club europea y logró una exposición popular limitada en Estados Unidos. A mediados y finales de la década de 1990, esto comenzó a cambiar a medida que la industria musical estadounidense se esforzaba por comercializar una variedad de géneros de baile como " electrónica ". En ese momento, una ola de bandas de música electrónica del Reino Unido, incluidos The Prodigy, The Chemical Brothers, Fatboy Slim y Underworld, se había asociado prematuramente con una "revolución de la electrónica estadounidense". Pero en lugar de tener éxito en la corriente principal, muchos artistas de EDM establecidos fueron relegados a los márgenes de la industria estadounidense. En 1998, Ray of Light de Madonna, un álbum fuertemente influenciado por las tendencias de la música de club y producido con el productor británico William Orbit, atrajo la atención de los oyentes de música popular a la música dance. A fines de la década de 1990, a pesar del interés de los medios estadounidenses en la música dance rebautizada como electrónica, los productores estadounidenses de house y techno continuaron viajando al extranjero para establecer sus carreras como DJ y productores.

A mediados de la década de 2000, el productor holandés Tiësto atrajo la atención del público mundial al EDM después de proporcionar una banda sonora a la entrada de atletas durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 2004, un evento que The Guardian consideró como uno de los 50 eventos más importantes en música dance. En 2003, la influencia de la música dance en la radio estadounidense hizo que Billboard creara la primera lista de Dance / Mix Show Airplay. En 2005, la prominencia de la música de baile en la cultura popular norteamericana había aumentado notablemente. Según Spin, la actuación de Daft Punk en Coachella en 2006 fue el "punto de inflexión" para el EDM: presentó al dúo a una nueva generación de "niños del rock". Como señaló Entertainment Weekly, " SexyBack " de Justin Timberlake ayudó a introducir los sonidos EDM en las 40 radios principales, ya que reunió variaciones de la música electrónica de baile con los sonidos de Ramp;B del cantante. En 2009, el músico house francés David Guetta comenzó a ganar prominencia en la música pop convencional gracias a varios éxitos cruzados en las listas Top 40 como " When Love Takes Over " con Kelly Rowland, así como a sus colaboraciones con artistas de pop y hip hop estadounidenses como como Akon (" Sexy Bitch ") y The Black Eyed Peas (" I Gotta Feeling "). El sitio web para compartir música SoundCloud, así como el sitio web para compartir videos YouTube, también ayudaron a impulsar el interés en la música electrónica. El productor de dubstep, Skrillex, popularizó un sonido más duro llamado " Brostep ", que había generado comparaciones con la agresión y el tono del heavy metal.

Con la creciente popularidad de la música electrónica de baile, los promotores y los locales se dieron cuenta de que los DJ podían generar mayores ganancias que los músicos tradicionales; Diplo explicó que "una banda toca [durante] 45 minutos; los DJ pueden tocar durante cuatro horas. Bandas de rock: hay algunos tipos de cabezas de cartel que pueden tocar en lugares con capacidad para entre 3.000 y 4.000 personas, pero los DJ tocan en los mismos lugares, dan la vuelta a la multitud dos veces, la gente compra bebidas durante toda la noche a precios más altos, es una situación en la que todos ganan ". Los festivales de música electrónica, como Electric Daisy Carnival (EDC) en Las Vegas y Ultra Music Festival en Miami también crecieron en tamaño, poniendo un mayor énfasis en las experiencias visuales y los DJ que habían comenzado a alcanzar un estatus de celebridad. Otros actos importantes que ganaron prominencia, incluidos Avicii y Swedish House Mafia, recorrieron lugares importantes como arenas y estadios en lugar de tocar en clubes; En diciembre de 2011, Swedish House Mafia se convirtió en el primer acto de música electrónica en vender entradas en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York.

En 2011, Spin declaró una "nueva generación rave" liderada por actos como David Guetta, Deadmau5 y Skrillex. En enero de 2013, Billboard presentó una nueva lista de canciones electrónicas / dance centrada en el EDM, que rastrea las 50 mejores canciones electrónicas según las ventas, la transmisión por radio, la reproducción en clubes y la transmisión en línea. Según Eventbrite, es más probable que los fanáticos del EDM usen las redes sociales para descubrir y compartir eventos o conciertos. También descubrieron que el 78% de los fanáticos dicen que es más probable que asistan a un evento si sus compañeros lo hacen, en comparación con el 43% de los fanáticos en general. EDM tiene muchos fans jóvenes y sociales. A finales de 2011, Music Trades describía la música electrónica de baile como el género de más rápido crecimiento en el mundo. Los elementos de la música electrónica también se hicieron cada vez más prominentes en la música pop. La radio y la televisión también contribuyeron a la aceptación generalizada de la música dance.

Interés corporativo de EE. UU.

La consolidación corporativa en la industria de la electroerosión comenzó en 2012, especialmente en términos de eventos en vivo. En junio de 2012, el ejecutivo de medios Robert F. X. Sillerman, fundador de lo que ahora es Live Nation, relanzó SFX Entertainment como un conglomerado de EDM y anunció su plan de invertir mil millones de dólares para adquirir negocios de EDM. Sus adquisiciones incluyeron festivales y promotores regionales (incluido IDamp;T, que organiza Tomorrowland ), dos operadores de clubes nocturnos en Miami y Beatport, una tienda de música en línea que se enfoca en la música electrónica. Live Nation también adquirió Cream Holdings y Hard Events, y anunció una "asociación creativa" con los organizadores de EDC Insomniac Events en 2013 que le permitiría acceder a sus recursos sin dejar de ser una empresa independiente; El director ejecutivo de Live Nation, Michael Rapino, describió el EDM como el "[nuevo] rock 'n' roll ".

El conglomerado de radio estadounidense iHeartMedia, Inc. (anteriormente Clear Channel Media and Entertainment) también hizo esfuerzos para alinearse con EDM. En enero de 2014 se contrató señaló británica DJ y Radio 1 de la BBC personalidad Pete Tong a la programación de la producción por su "evolución" de radio de baile marca, y anunció una asociación con SFX a conciertos en directo co-producir y programación original orientada a la EDM por su parte superior 40 de radio estaciones. El presidente de iHeartMedia, John Sykes, explicó que quería que las propiedades de su empresa fueran el "mejor destino [para EDM]".

Las principales marcas también han utilizado el fenómeno EDM como un medio para dirigirse a los millennials y las canciones y artistas de EDM han aparecido cada vez más en comerciales y programas de televisión. El mánager de Avicii, Ash Pournouri, comparó estas prácticas con la comercialización del hip-hop a principios de la década de 2000. Heineken tiene una relación de marketing con el Ultra Music Festival y ha incorporado a los productores holandeses Armin van Buuren y Tiësto en sus campañas publicitarias. Anheuser-Busch tiene una relación similar como patrocinador de cerveza de los eventos de SFX Entertainment. En 2014, 7 Up lanzó "7x7Up", una campaña multiplataforma basada en EDM que incluye contenido digital, publicidad con productores y escenarios de marca tanto en Ultra como en Electric Daisy Carnival. El proveedor de servicios inalámbricos T-Mobile US celebró un acuerdo con SFX para convertirse en el patrocinador inalámbrico oficial de sus eventos y se asoció con Above amp; Beyond para patrocinar su gira de 2015.

En agosto de 2015, SFX comenzó a experimentar disminuciones en su valor y una oferta fallida del CEO Sillerman para privatizar la empresa. La empresa comenzó a buscar alternativas estratégicas que podrían haber resultado en la venta de la empresa. En octubre de 2015, Forbes declaró la posibilidad de una " burbuja " de EDM, a raíz de las caídas en SFX Entertainment, la desaceleración del crecimiento de los ingresos, los crecientes costos de organizar festivales y contratar talentos, así como una sobresaturación de festivales en el este. y el oeste de Estados Unidos. El director ejecutivo de Insomniac, Pasquale Rotella, consideró que la industria capearía la incertidumbre financiera del mercado en general centrándose en la "innovación" y entrando en nuevos mercados. A pesar de las previsiones de que el interés por la electroerosión popular disminuirá, en 2015 se estimó que era una industria de 5.500 millones de libras esterlinas en EE. UU., Un 60% más en comparación con las estimaciones de 2012.

SFX salió de la bancarrota en diciembre de 2016 como LiveStyle, bajo el liderazgo de Randy Phillips, un ex ejecutivo de AEG Live.

En 2020, LiveStyle entró en su fase final de restaurar a los propietarios originales de las empresas adquiridas durante el reinado de SFX o venderlas. El promotor de Northeast EDM, React Presents, fue vendido a LiveXLive y Donnie compró su empresa, Disco Donnie Presents, de LiveStyle.

Críticas a la sobrecomercialización

Tras la popularización del EDM en Estados Unidos, varios productores y DJ, incluidos Carl Cox, Steve Lawler y Markus Schulz, expresaron su preocupación de que la sobrecomercialización percibida de la música de baile había afectado el "arte" de pinchar. Cox vio el enfoque de "presionar-reproducir" adoptado por los nuevos DJ de EDM como poco representativo de lo que él llamó un "espíritu de DJ". En Mixmag, DJ Tim Sheridan argumentó que los "DJ de botón" que utilizan la sincronización automática y reproducen conjuntos pregrabados de "éxitos obvios" dieron como resultado una situación superada por "el espectáculo, el dinero y el mundo del espectáculo".

Algunos productores de house admitieron abiertamente que la EDM "comercial" necesitaba una mayor diferenciación y creatividad. Avicii, cuyo álbum de 2013 True incluyó canciones que incorporan elementos de bluegrass, como el sencillo principal " Wake Me Up ", afirmó que la mayoría de EDM carecía de "longevidad". Deadmau5 criticó la homogeneización del EDM popular y sugirió que "todo suena igual". Durante el Ultra Music Festival 2014, Deadmau5 hizo comentarios críticos sobre el prometedor artista de EDM Martin Garrix y luego tocó una versión editada de " Animals " de Garrix remezclado con la melodía de " Old McDonald Had a Farm ". Posteriormente, Tiësto criticó a Deadmau5 en Twitter por mezclar "sarcásticamente" los " Niveles " de Avicii con sus propios " Ghosts 'n' Stuff ".

En mayo de 2014, la serie de comedia de NBC Saturday Night Live parodió los estereotipos de la cultura EDM y los DJ de botón en un corto digital titulado ¿Cuándo caerá el bajo?. Presentaba a un DJ que realiza actividades cotidianas (jugar un juego de computadora, freír huevos, recolectar dinero) que luego presiona un botón gigante "BASS", que explota las cabezas de los asistentes al concierto.

Después de años de rápido crecimiento, el popular mercado estadounidense de EDM comenzó a decaer en 2016 cuando varios artistas famosos por producir el llamado electro-house de 'big room' comenzaron a diversificarse estilísticamente. Este desarrollo fue referenciado directamente por dos de esos DJ, David Guetta y Showtek, en un sencillo con influencia tecno lanzado en abril de 2016 titulado 'The Death of EDM'. A finales de la década de 2010, la posición de EDM como la fuerza dominante en la música popular convencional comenzó a estancarse a medida que fue desplazada por otros estilos.

Internacional

En mayo de 2015, el Business Report de International Music Summit estimó que la industria mundial de la música electrónica había alcanzado un valor de casi $ 6,9 mil millones; el recuento incluyó ventas de música, ingresos por eventos (incluidos clubes nocturnos y festivales), la venta de equipos y software de DJ y otras fuentes de ingresos. El informe también identificó varios mercados emergentes para la música electrónica de baile, incluidos el este de Asia, India y Sudáfrica, que se atribuyen principalmente a la inversión de intereses nacionales, estadounidenses y europeos. Varios festivales importantes también comenzaron a expandirse en América Latina.

En Ghana, África Occidental, un artista llamado Djsky introdujo EDM en 2015: presente y organizó festivales y eventos exitosos como Hey Ibiza, Sunset Music Festival, Sky show y más. En una entrevista con WatsUp TV, Djsky reveló que fue el primero en introducir Electronic Music Dance en la música de Ghana.

En Etiopía, la EDM se ha convertido en parte de la música convencional después del gran avance en 2018 de un joven artista llamado Rophnan, que incorporó el sonido EDM con ritmos y melodías tradicionales. En sus programas, decenas de miles de jóvenes llenaban estadios en todo el país y las radios comenzaron a tocar el género emergente.

China es un mercado en el que la electroerosión inicialmente había hecho relativamente pocos avances; Aunque los promotores creían que la música principalmente instrumental eliminaría una barrera metafórica del lenguaje, el crecimiento de EDM en China se vio obstaculizado por la falta de una cultura rave prominente en el país como en otras regiones, así como por la popularidad del pop chino nacional sobre el extranjero. artistas. El ex ejecutivo de Universal Music, Eric Zho, inspirado por el crecimiento de EE. UU., Hizo las primeras inversiones significativas en música electrónica en China, incluida la organización del festival Storm inaugural de Shanghai en 2013, el logro de un acuerdo de patrocinio para el festival con Budweiser de Anheuser-Busch. brand, una búsqueda de talentos locales y la organización de colaboraciones entre productores de EDM y cantantes chinos, como Avicii y "Lose Myself" de Wang Leehom. En los años siguientes, comenzó a aparecer una mayor cantidad de eventos EDM en China, y Storm también fue precedida por una mayor cantidad de pre-fiestas en 2014 que en su año inaugural. Un nuevo informe publicado durante la inauguración de la Cumbre Internacional de Música de China en octubre de 2015 reveló que la industria china de EDM estaba experimentando ganancias modestas, citando el mayor número de eventos (incluidas nuevas marcas de festivales importantes como Modern Sky y YinYang), un aumento del 6% en las ventas de música electrónica en el país y el tamaño significativo del mercado en general. Zho también creía que el clima político "práctico" del país, así como las inversiones de China en eventos culturales, ayudaron a "alentar" el crecimiento de EDM en el país.

Impacto social

Festivales

Artículo principal: Lista de festivales de música electrónica Un festival de EDM en 2013 en Plainfeld, Austria con más de 100,000 asistentes, exhibiendo las grandes multitudes y la iluminación dramática común en tales eventos desde principios de la década de 2000.

En la década de 1980, la música electrónica de baile a menudo se tocaba en fiestas rave clandestinas ilegales celebradas en lugares secretos, por ejemplo, almacenes, hangares de aviones abandonados, campos y cualquier otra área grande y abierta. En las décadas de 1990 y 2000, aspectos de la cultura rave underground de la década de 1980 y principios de la de 1990 comenzaron a evolucionar hacia conciertos y festivales de EDM legítimos y organizados. Los festivales importantes a menudo presentan una gran cantidad de actos que representan varios géneros de EDM repartidos en múltiples escenarios. Los festivales han puesto un mayor énfasis en los espectáculos visuales como parte de sus experiencias generales, incluidos diseños de escenarios elaborados con temáticas subyacentes, sistemas de iluminación complejos, espectáculos de láser y pirotecnia. La moda rave también evolucionó entre los asistentes, que The Guardian describió como un avance desde el "kandi raver" de la década de 1990 a "[una] imagen elegante y sexificada pero también kitsch-surrealista a medio camino entre Venice Beach y Cirque du Soleil, Willy Wonka y un desfile del orgullo gay ". Estos eventos se diferenciaban de los raves clandestinos por su naturaleza organizada, que a menudo se llevaban a cabo en lugares importantes, y por las medidas para garantizar la salud y la seguridad de los asistentes. Rawley Bornstein de MTV describió la música electrónica como "el nuevo rock and roll", al igual que el organizador de Lollapalooza, Perry Ferrell.

Festival de Música de Baile Spectrum, 2016

Ray Waddell de Billboard señaló que los promotores de festivales han hecho un excelente trabajo en la creación de marcas. Se ha demostrado que los festivales más grandes tienen impactos económicos positivos en sus ciudades anfitrionas. El Ultra Music Festival 2014 atrajo a 165,000 asistentes, y más de $ 223 millones, a la economía de la región de Miami / South Florida. La edición inaugural de TomorrowWorld, una versión con sede en EE. UU. Del festival Tomorrowland de Bélgica, trajo 85,1 millones de dólares al área de Atlanta, tanto en ingresos como en la celebración de la NCAA Final Four (el campeonato nacional de baloncesto universitario de EE. UU.) A principios de año. EDC Las Vegas impulsó la economía del condado de Clark en $ 350.3 millones solo en 2015, con más de 405,000 asistentes en tres días (19 al 21 de junio). La popularidad del EDM y los festivales también llevó a algunos festivales de varios géneros no fuertemente asociados con la música electrónica, como Coachella y Lollapalooza, a agregar más actos electrónicos a su cartel. A menudo tocan escenarios específicos de EDM, pero actos importantes como Deadmau5 y Calvin Harris han aparecido como cabezas de cartel en los escenarios principales de Lollapalooza y Coachella, respectivamente, ubicaciones que se asocian típicamente con el rock y la alternativa. Russell Smith de The Globe and Mail consideró que la industria de los festivales comerciales era una antítesis de los principios originales de la subcultura rave, citando "las entradas caras, los patrocinadores corporativos gigantes, la cultura grosera de los hermanos: chicos musculosos sin camisa que recorren los estadios, diminutos chicas populares en bikini que se montan en sus hombros, sin mencionar la música cursi en sí ". Los incidentes relacionados con las drogas, así como otras quejas en torno al comportamiento de sus asistentes, han contribuido a las percepciones negativas y la oposición a los eventos de música electrónica por parte de las autoridades locales.

Después del Ultra Music Festival 2014, donde una multitud de intrusos pisoteó a un guardia de seguridad en su primer día, los comisionados de la ciudad de Miami consideraron prohibir el festival en la ciudad, citando el incidente de pisoteo, comportamiento lascivo y quejas de los residentes del centro de ser acosados. por los asistentes. Los comisionados votaron para permitir que Ultra se continúe celebrando en Miami debido a sus efectos económicos positivos, con la condición de que sus organizadores aborden la seguridad, el uso de drogas y el comportamiento lascivo de los asistentes. En 2018, después de continuas preocupaciones, los comisionados votaron para prohibir que el festival se llevara a cabo en Bayfront Park y el centro de Miami, pero posteriormente aprobaron una propuesta para trasladar el evento a una de las islas barrera de Miami, Virginia Key. Después del festival, que se vio afectado por problemas de transporte (ya que solo hay un enlace vehicular entre Virginia Key y Miami continental) y otros problemas, Ultra se retiró del acuerdo y negoció un acuerdo para regresar a Bayfront Park.

Asociación con el uso de drogas recreativas

Ver también: drogas de club, pastillas para fiestas, MDMA, 2C-B, 4-MA, cannabis, cocaína, GHB, DMT, LSD, ketamina, anfetamina, bencilpiperazina y benzodiazepina

La música de baile tiene una larga asociación con el consumo de drogas recreativas, en particular con una amplia gama de drogas que se han clasificado con el nombre de " drogas de club ". Russell Smith señaló que la asociación de las drogas y las subculturas musicales no era de ninguna manera exclusiva de la música electrónica, citando ejemplos anteriores de géneros musicales que estaban asociados con ciertas drogas, como el rock psicodélico y el LSD, la música disco y la cocaína, y la música punk y la heroína..

En la foto de arriba se muestra cómo se ve comúnmente el éxtasis de la droga, aunque hay muchas formas y formas diferentes.

La metilendioximetanfetamina (MDMA), también conocida como éxtasis, "E" o "Molly", a menudo se considera la droga preferida dentro de la cultura rave y también se usa en clubes, festivales y fiestas en casa. En el ambiente rave, los efectos sensoriales de la música y la iluminación son a menudo muy sinérgicos con la droga. La calidad de anfetamina psicodélica de la MDMA ofrece múltiples razones de su atractivo para los usuarios en el entorno "rave". Algunos consumidores disfrutan de la sensación de comunión masiva debido a los efectos reductores de la inhibición de la droga, mientras que otros la usan como combustible para fiestas debido a los efectos estimulantes de la droga. Otra droga parametoxianfetamina (4-MA) también conocida como éxtasis rosa, PMA, "Muerte" o "Dr. Muerte", es similar a la MDMA pero pueden tardar hasta una hora en producir efectos, que pueden resultar en hipertermia. y posteriormente, insuficiencia orgánica. Las personas que toman PMA a menudo se confunden con su identificación como MDMA.

En ocasiones, la MDMA es conocida por tomarse junto con drogas psicodélicas. Las combinaciones más comunes incluyen MDMA combinada con LSD, MDMA combinada con DMT, MDMA con hongos psilocibina y MDMA con el fármaco disociativo ketamina. Muchos usuarios usan productos mentolados mientras toman MDMA por su sensación refrescante mientras experimentan los efectos de la droga. Los ejemplos incluyen cigarrillos mentolados, Vicks VapoRub, NyQuil y pastillas.

La incidencia de la ketamina no medicinal ha aumentado en el contexto de raves y otras fiestas. Sin embargo, su aparición como droga de club difiere de otras drogas de club (p. Ej., MDMA ) debido a sus propiedades anestésicas ( p. Ej., Dificultad para hablar, inmovilización) en dosis más altas; Además, hay informes de que la ketamina se vende como "éxtasis". También se ha documentado el uso de ketamina como parte de una "experiencia posterior al club". El auge de la ketamina en la cultura de la danza fue rápido en Hong Kong a fines de la década de 1990. Antes de convertirse en una sustancia controlada por el gobierno federal en los Estados Unidos en 1999, la ketamina estaba disponible como preparaciones farmacéuticas desviadas y como un polvo puro que se vendía a granel por las empresas nacionales de suministro de productos químicos. Gran parte de la ketamina que se desvía actualmente para usos no médicos se origina en China e India.

Muertes relacionadas con las drogas en eventos de música electrónica de baile

En los principales festivales y conciertos de música electrónica se han producido varias muertes atribuidas al aparente consumo de drogas. El Los Angeles Memorial Coliseum incluyó a Insomniac Events en la lista negra después de que un asistente menor de edad muriera por "complicaciones de encefalopatía isquémica debido a intoxicación por metilendioximetanfetamina " durante el Electric Daisy Carnival 2010; como resultado, el evento se trasladó a Las Vegas al año siguiente. Las muertes relacionadas con las drogas durante el Electric Zoo 2013 en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos, y el Future Music Festival Asia 2014 en Kuala Lumpur, Malasia, provocaron la cancelación del último día de ambos eventos, mientras que Life in Color canceló un evento planeado en Malasia. de preocupación por el incidente en Future Music Festival Asia y otras muertes relacionadas con las drogas que ocurrieron en los conciertos 650 de A State of Trance en Yakarta, Indonesia.

En septiembre de 2016, la ciudad de Buenos Aires, Argentina prohibió todos los eventos de música electrónica, a la espera de una futura legislación, luego de cinco muertes relacionadas con las drogas y cuatro heridos en un evento del Time Warp Festival en la ciudad en abril de 2016. La prohibición obligó a la banda electrónica Kraftwerk a cancelar un concierto previsto en la ciudad, a pesar de argumentar que existían diferencias entre un festival y sus conciertos.

Premios de la industria

Organización Otorgar Años Notas
Premios BRIT Ley de danza británica 1994-2004 Los premios BRIT en el Reino Unido introdujeron una categoría de "British Dance Act" en 1994, ganada por primera vez por M People. Aunque los actos de danza habían aparecido en los premios en años anteriores, este fue el primer año en que la música de baile recibió su propia categoría. Más recientemente, el premio fue eliminado al igual que "Urban" y "Rock" y otros géneros, ya que los premios eliminaron los premios basados ​​en géneros y se trasladaron a premios más generalizados centrados en artistas.
premio Grammy Mejor grabación de baile 1998-presente Ganado más recientemente (2019) por Silk City y Dua Lipa con Diplo y Mark Ronson por " Electricity ".
premio Grammy Mejor álbum dance / electrónico 2005-presente Ganado más recientemente (2020) por The Chemical Brothers por No Geography.
DJ Mag Encuesta de los 100 mejores DJ 1991-presente La revista británica de música dance DJ Mag publica una lista anual de los 100 mejores DJ del mundo; de 1991 a 1996, los periodistas de la revista clasificaron la encuesta Top 100; en 1997, la encuesta se convirtió en una votación pública. El número uno actual de la lista de 2018 es Martin Garrix.
Premios DJ Premio al mejor DJ 1998-presente El único evento global de premios de DJ que nomina y premia a DJ's internacionales en 11 categorías que se celebra anualmente en Ibiza, España, ganadores seleccionados por votación pública y uno de los más importantes.
Conferencia de música de invierno (WMC) IDMA: Premios Internacionales de Música Dance 1998-presente
Revista Proyecto X Premios de música electrónica de baile 1995 Los lectores de la revista Project X votaron por los ganadores del primer (y único) "Electronic Dance Music Awards". En una ceremonia organizada por la revista y Nervous Records, se entregaron estatuas de premios a Winx, The Future Sound of London, Moby, Junior Vasquez, Danny Tenaglia, DJ Keoki, TRIBAL America Records y Moonshine Records.
Premios de la música americana Artista favorito de música electrónica de baile 2012-presente Ganado más recientemente (2020) por Lady Gaga.
Premios de la música del mundo Artista favorito de música electrónica de baile 2006-presente (en pausa) Ganado más recientemente (2014) por Calvin Harris.

Ver también

Notas

Referencias

Bibliografía

Otras lecturas

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