El arte participativo es un enfoque para hacer arte que involucra la participación del público en el proceso creativo, permitiéndoles convertirse en coautores, editores y observadores de la obra. Este tipo de arte está incompleto sin la interacción física de los espectadores. Pretende desafiar la forma dominante de hacer arte en Occidente, en la que una pequeña clase de artistas profesionales hacen el arte mientras el público asume el papel de observador pasivo o consumidor, es decir, comprando el trabajo de los profesionales en el mercado. Las obras elogiadas de los defensores que popularizaron el arte participativo incluyen a Augusto Boal en su Teatro de los oprimidos, así como a Allan Kaprow en los acontecimientos.
Uno de los usos más tempranos del término aparece en la reseña del fotógrafo Richard Ross para la revista del Instituto de Arte Contemporáneo de Los Ángeles de la exposición "Artistas del centro de Los Ángeles", organizada por el Foro de Arte Contemporáneo de Santa Bárbara en 1980. Descripción de obras in situ por Jon Peterson, Maura Sheehan y Judith Simonian colocados de forma anónima en Santa Bárbara, Ross escribió: "Estos artistas tienen la responsabilidad de la comunidad. Su arte es participativo".
El arte participativo requiere del artista que no esté presente o que de alguna manera sea capaz de retroceder lo suficiente como para ser igual a los participantes. Ésta es la única forma en que se puede ofrecer a los participantes la agencia de creación; sin este detalle, los participantes siempre responderán dentro del dominio de autoridad del artista; serán subyugados de esta manera y el trabajo dejará de ser participativo. Este detalle es de vital importancia para afirmar la participación como una forma en sí misma, y diferencia efectivamente la participación del arte interactivo basado en la comunidad y del arte socialmente comprometido. Cualquiera de estas técnicas puede incluir la presencia del artista, ya que no afectará el resultado del trabajo de la misma manera.
Hay varios grados de participación, desde la manipulación nominal de un objeto como las esculturas portátiles de Lygia Clark hasta la entrega del cuerpo del artista a los caprichos de la audiencia en la actuación de 1974 Rhythm 0 de Marina Abramović. La teórica de los nuevos medios Beryl Graham ha comparado los diversos grados de participación en las artes con los ocho peldaños de poder descritos en la "Escalera de participación ciudadana" de Sherry Arnstein, que van desde la manipulación hasta la consultoría simbólica y el control ciudadano completo.
En la edición de otoño / invierno de la revista Oregon Humanities, el escritor Eric Gold describe "una tradición artística llamada ' práctica social ', que se refiere a obras de arte en las que el artista, la audiencia y sus interacciones entre sí son el medio. El pintor usa pigmento y lienzo, y un escultor madera o metal, el artista de práctica social a menudo crea un escenario en el que se invita a la audiencia a participar. Aunque los resultados pueden documentarse con fotografías, videos o de otra manera, la obra de arte es en realidad las interacciones que surgen del compromiso de la audiencia con el artista y la situación ".
El arte participativo o interactivo crea una colaboración dinámica entre el artista, la audiencia y su entorno. El arte participativo no es solo algo en lo que te quedas quieto y en silencio, es algo en lo que participas. Lo tocas, lo hueles, escribes en él, le hablas, bailas con él, juegas con él, aprendes de él. Tú lo co-creas.
Hay muchos ejemplos de artistas que realizan proyectos interactivos, socialmente comprometidos o basados en la comunidad. El problema que plantean surge cuando se utilizan indistintamente con el término "arte participativo". Es tentador pero incorrecto usar el término de esta manera porque el arte participativo es una forma en sí mismo, mientras que otros tipos de arte que interactúan con el público (práctica social, arte socialmente comprometido, arte basado en la comunidad, etc.) son su subespecie. -tipos. Si bien puede parecer paradójico, es fundamental comprender que el hecho de que una obra de arte se relacione con el público no la hace participativa. Es importante señalar que ha habido cierta ofuscación nominal del arte participativo, lo que ha obstaculizado su apreciación como una forma distinta. Es muy probable que esto ocurriera simultáneamente con el desarrollo del término Estética relacional por Bourriaud a fines de la década de 1990. Algunas otras técnicas de creación de arte, como el 'arte basado en la comunidad', el ' arte interactivo ' o el ' arte socialmente comprometido ' han sido (mal) etiquetadas como arte participativo, simplemente porque las sutilezas de la distinción no siempre se comprenden o comprenden claramente. preocuparse por. Muchas formas de cultura y medios populares más allá del arte visual se han vuelto cada vez más participativas con el auge de Internet y las redes sociales, que permiten a los usuarios "participar" a distancia. Se nos hace creer que esto es 'participativo', pero como sabemos, comprometerse con las plataformas de redes sociales (participar) en realidad está contribuyendo con trabajo gratuito. Este tipo de "participación" no tiene nada que ver con el arte, pero refleja el problema central de la denominación en esta área de la creación artística. La participación se puede utilizar como un término general para los diversos tipos de interfaz que las obras de arte han creado con el público. Por ejemplo, 100 personas que trabajan directamente con un artista para hacer arte en un museo es completamente diferente de un proyecto de artista ubicado en un centro comunitario local en un área empobrecida de una ciudad. Podemos decir que ambos incluyen necesariamente la participación del público, pero es importante que no se mezclen con el arte participativo simplemente porque, por un lado, los resultados de cada uno son completamente diferentes y se pretende que así sea (donde el primero está enredado en y permanece en el mundo del arte enrarecido, mientras que este último solo tiene un verdadero valor público en su entorno original) mientras que, por otro, el compromiso no es participación. Como vemos en este ejemplo, los subtítulos del arte participativo son reconocibles por sus nombres, pero no todos son iguales. Se puede ver una mayor complejidad en el hecho de que el arte participativo puede ser en sí mismo una forma. Se distingue de sus subtipos por la ausencia del autor. Este es el factor principal e importante en la definición de lo que es arte verdaderamente participativo porque cuando el autor no está presente o no es conocido, el participante gana una verdadera agencia y participa plenamente. En cualquiera de las sub-formas (arte socialmente comprometido, arte basado en la comunidad, etc.) los participantes son, en el mejor de los casos, colaboradores y, en el peor, medios humanos. En cualquier caso, todos los 'participantes' quedan subyugados por la presencia física del artista, negándoles la autonomía.
Janet Cardiff ha creado varios recorridos de audio que los usuarios experimentan al caminar por rutas específicas del sitio y escuchar paisajes sonoros compuestos por el artista.
Figment es una muestra anual de arte participativo en la ciudad de Nueva York.
Antony Gormley ha involucrado al público en la creación de varias obras, entre las que destaca One amp; Other, que invitó a cientos de participantes a ocupar el zócalo vacante en Trafalgar Square y actuar o contribuir de alguna otra manera a la obra.
Carsten Höller ha creado instalaciones interactivas como Test Site (2006), que invita a los participantes a jugar en toboganes gigantes instalados en la Tate Modern.
Allan Kaprow fue pionero en el campo del arte participativo con sus eventos Happening organizados en la ciudad de Nueva York de los años 60, que utilizaron instalaciones físicas e indicaciones para facilitar las experiencias estéticas de los participantes.
Learning to Love you More (2002-2009) fue una obra de arte en Internet de Miranda July y Harrell Fletcher que invitó a los participantes a enviar respuestas a las indicaciones escritas y mostró un archivo de las obras de arte conceptual resultantes.
Adrian Piper dirigió una serie de eventos titulados Funk Lessons (1982-1984) que combinaban fiestas de baile participativas con conversaciones y conferencias sobre la cultura afroamericana.
El arte popular y tribal puede considerarse un predecesor o modelo del "arte participativo" contemporáneo en el sentido de que muchos o todos los miembros de la sociedad participan en la creación de "arte". Sin embargo, la cuestión ideológica del uso surge en este punto porque el arte hecho en las instituciones del arte es por defecto, ya parte del mundo del arte y, por lo tanto, su uso percibido es completamente diferente de cualquier práctica ritual o tradicional expresada por grupos populares o tribales.. Como escribió el etnomusicólogo Bruno Nettl, el grupo tribal "no tiene especialización ni profesionalización; su división del trabajo depende casi exclusivamente del sexo y ocasionalmente de la edad, y sólo en raras ocasiones ciertos individuos son competentes en alguna técnica en un grado distintivo... el mismo las canciones son conocidas por todos los miembros del grupo, y hay poca especialización en composición, interpretación o fabricación de instrumentos ”.
