| Precioso Okoyomon | |
|---|---|
| Nació | 1993 Londres, inglaterra |
| Nacionalidad | Nigeriano-Americano |
| Educación | Shimer College |
| Conocido por | Arte conceptual, poesía |
| Trabajo notable | Semilla de tierra, Ajebota, una gota de sol debajo de la tierra |
Precious Okoyomon (nacido en 1993) es un artista, poeta y chef nigeriano-estadounidense. Viven y trabajan en la ciudad de Nueva York.
Okoyomon nació en Londres, Inglaterra en 1993. A los once años, se mudaron a Cincinnati, Ohio. Okoyomon asistió a la gran escuela de libros Shimer College en Chicago, donde estudiaron patafísica o física de la imaginación. Mientras aún estaba en la universidad, Okoyomon trabajó en el restaurante de tres estrellas Michelin Alinea durante dos años. Para la presentación de su tesis en la escuela, Okoyomon organizó una serie de cenas experimentales que incluían platos como sopa de roca, y los invitados cenaron bajo sogas colgantes.
La práctica multidisciplinaria de Okoyomon investiga la racialización del mundo natural, el cristianismo, la intimidad y las ideas y experiencias de la vida, la muerte y el tiempo. Sus instalaciones, esculturas, actuaciones y poesía a menudo se basan en su historia familiar, así como en sus encuentros con lo queer e Internet, y con frecuencia regresan a figuras como el ángel, el sol y los árboles como motivos visuales y conceptuales.
Okoyomon ha tenido exposiciones individuales institucionales en el MMK de Frankfurt y LUMA Westbau en Zúrich, y exposiciones colectivas en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, Kunsthal Charlottenborg, y en 2018 se incluyó en la 13a Trienal del Báltico. Okoyomon participó en el Work Marathon 2018 de Hans Ulrich Obrist y ha leído su poesía en The Kitchen, The Studio Museum en Harlem, MoMA PS1, Hauser and Wirth, The KW Institute for Contemporary Art, Artists Space y The Poetry Project, interpretando junto a Eileen Myles, Samuel Delany y John Giorno. En 2019, Okoyomon fue nominado para el Premio de Arte Paulo Cunha E Silva y fue incluido en la lista "30 menores de 35" de la revista Cultured de artistas emergentes notables.
Tomando su título de una palabra de Youraba que significa "niño rico mimado", el primer libro de poesía de Okoyomon, publicado por Bottlecap Press en 2016, explora las complejidades de su identidad como un inmigrante queer negro que habita una posición de clase específica. El libro, que a menudo utiliza taquigrafía y abreviatura de texto de Internet, roba con frecuencia el trabajo de otros poetas y termina con un poema compuesto por capturas de pantalla de una conversación de texto, aborda los desafíos de escribir y leer poesía en la era digital. El libro, que ha sido interpretado como una respuesta a Alt Lit, cita a Dana Ward, Hannah Black, Juliana Huxtable, Bhanu Kapil, Simone White y Fred Moten entre sus muchas influencias.
Para la primera exposición de arte de Okoyomon, colaboraron con Hannah Black en la New York Gallery Real Fine Arts en una secuela de la exposición de 2017 de Black "Some Context" encargada por la Chisenhale Gallery en Londres, donde Black llenó el espacio de exhibición con 20,000 copias de un libro. produjeron titulado "La situación", compuesto por entrevistas que Black realizó con amigos sobre una situación, pero donde se redactó cada mención explícita de cuál es la situación. En "Necesito ayuda", como en "Algún contexto", muchas de las copias del libro fueron trituradas. Para la contribución de Okoyomon al espectáculo, hicieron una serie de muñecos que consisten en lana cruda atada con hilo. En una nota de prensa escrita por Okoyomon y Black, proponen que la exposición "gesticula hacia una política o estética basada en los procesos subyacentes y francamente repugnantes de podredumbre y colapso que han producido la suciedad de la que todo crece.
En una exposición de dos personas en Quinn Harrelson / Current Projects, con el artista Puppies Puppies, Okoyomon presentó su primera escultura a gran escala. En la pieza, que re-escenifica los linchamientos iconográficos del sur de Estados Unidos, Okoyomon, colgaba una agrupación de peluches hechos para parecerse a ángeles, mediante la adición de alas de pájaro disecadas, de lazos de cuerda atados a las ramas de un gran árbol vivo. plantado en un montículo de tierra. Combinando una interpretación cristiana esotérica de un ángel como una criatura sin vida y sin muerte, y las teorías de la muerte social y la esclavitud en la tradición radical negra, Okoyomon construyó una obra de arte que modela una noción compleja de la vida negra, al contrastar la imposibilidad física de matar. un ángel de la horca, porque la criatura alada siempre puede volar hacia arriba para escapar del tirón de la gravedad, con la imposibilidad conceptual de vivir una vida en la que siempre hay que volar solo para mantenerse con vida. Okoyomon sugiere que "la vida negra es una mera movilización de la muerte". En una entrevista con Okoyomon en la Conferencia DLD 2019 en Múnich, Hans Ulrich Obrist calificó la exposición como "un punto culminante absoluto de 2018". El trabajo de Okoyomon de la exposición ahora se incluye en la colección permanente del Museo Rubell.
La primera exposición individual institucional de Okoyomon montada en LUMA Westbau en Zurich en colaboración con The Serpentine Galleries en 2019, comisariada por Fredi Fischli y Niels Olsen, continuó la exploración del artista de la historia de la intersección de la raza y las ideas sobre la naturaleza, la luz, la vida y muerte y arquitectura. La muestra, basada en gestos hechos por primera vez en Making Me Blush el año anterior, presenta un bosque de esculturas de árboles linchadores del artista en el espacio schwarzescafé diseñado por Heimo Zobernig del museo. En una pieza de instalación titulada "Sol frenético", Okoyomon creó una máquina que usa el sistema de aire acondicionado de la galería para hacer circular semillas de algodón y álamo a través del espacio como nieve. El programa incluye el primer trabajo en video de Okoyomon titulado "It's Disassociating Season", que fue proyectado en el espacio y reproducido en bucle. Con una duración de nueve minutos y medio, el video de un solo canal sigue a un oso animado fumando un porro en el bosque mientras se reproduce una grabación del hermano del artista que relata las veces que casi le dispararon durante los encuentros con la policía estadounidense. En la película, un sol con el rostro de dibujos animados de un niño negro aparece y desaparece de la vista. La obra pretende abrir una conversación sobre la comprensión racializada del mal a través de la comedia trágica. En otra intervención arquitectónica, Okoyomon ha colocado esferas de resina negra y algodón sobre los elementos de iluminación existentes en el espacio. La obra hace referencia a las Lantern Laws, un código legal del siglo XVIII que requería que los negros, mestizos e indígenas llevaran linternas si caminaban por la ciudad de Nueva York después del atardecer sin la compañía de una persona blanca. El comunicado de prensa del programa, siguiendo la erudición de Simone Browne, argumenta que "las Leyes de los Faroles sentaron las bases para la vigilancia moderna" y su existencia revela la larga "historia de la criminalización... de la luz, la oscuridad y el sol ( que Okoyomon cree que es indiscutiblemente negro) "El título de la exposición está tomado de una cita de Frantz Fanon de White Skin Black Masks, donde el filósofo político y psiquiatra clínico ofrece que la gente es" negra, no por una maldición, sino porque [su ] la piel ha sido capaz de capturar todos los efluvios cósmicos... una gota de sol bajo la tierra ”. Reviewer señaló el compromiso de la exposición de Okoyomon con los estudios negros sobre la noción de la erudita Christina Sharpe de que la anti-negrura es el clima, presentada en su libro "In the Wake: On Blackness and Being".
En la primera obra de Okoyomon, encargada para la serie Cos X Park Night de 2019 de Serpentine Galleries, comisariada por Claude Adjil, el artista eligió a cuatro mujeres negras para interpretar a ángeles que han caído a la tierra para iniciar el ajuste de cuentas. Interpretada en el Pabellón de Arquitectura Serpentina Junya Ishigami de los Jardines de Kensington, la obra contó con trajes hechos por Fabian Kis-Juhasz y una partitura escrita por Yves B. Golden.
Curada por Susanne Pfeffer, en el MMK de Frankfurt, Earthseed es la primera exposición individual institucional de Okoyomon en Alemania y su mayor exposición hasta la fecha. El título de la exposición es el nombre de una religión ficticia en los libros de Octavia E. Butler Parábola del sembrador y Parábola de los talentos, que propone que "la semilla de la Tierra se puede trasplantar en cualquier lugar y, mediante la adaptación, sobrevivirá". Al igual que la religión imaginada, la exposición de Okoyomon prevé una "teología de mutación, flujo y movimiento". En una pieza llamada "la resistencia es una condición atmosférica", Okoyomon llenó el espacio de la galería con la vid japonesa Kudzu. Respondiendo a la historia del edificio de la galería como oficina de pasaportes, Okoyomon usó la planta invasora como obra de arte para comentar ideas sobre inmigración, invasión, raza y lo que se permite que se considere natural. El comunicado de prensa del programa relata cómo Kudzu se importó por primera vez al sur de Estados Unidos en 1876 con la intención de que, cuando se plantaran, sus raíces fortalecieran el suelo del ecosistema que, como resultado del cultivo excesivo de algodón por parte de los esclavos durante el período, se vio amenazado por una amplia propagación. erosión. Si bien la vid en algunos aspectos cumplió su propósito y sigue siendo hoy un baluarte fundamental y necesario contra la disolución del suelo de la región, la velocidad a la que la vid pudo crecer, cuando se quitó de su plantación original y sus depredadores naturales, permitió consumir grandes extensiones de tierra, lo que le valió el nombre de "la vid que se comió el sur". Pronto, el cultivo o la siembra de Kudzu se convirtió en delito en muchos estados. Okoyomon sugiere que a pesar del hecho de que "la historia específica de la vid como un remedio fallido para el monumental costo de la esclavitud que cobró el sistema ecológico del sur de Estados Unidos se ha olvidado en gran medida", Kudzu podría servir como una metáfora de la negrura misma, que al igual que la planta, se volvió monstruoso cuando lo sacaron de su hogar en África y lo llevaron a los estados, donde funcionó simultáneamente como "indispensable e irreconciliable con la civilización occidental". La muestra también incluye seis esculturas a gran escala, hechas de lana cruda, siguiendo el modelo de las muñecas que Okoyomon exhibió por primera vez en su primera exposición colaborativa "NECESITO AYUDA" con Hannah Black. Hannah Black escribió un ensayo para el folleto que acompaña a la exposición.
Stefan Trinks, en una reseña del programa para el Frankfurter Allgemeine Zeitung, escribe que el programa es una de "esas exposiciones que, a pesar de [su] plenitud metabólica, crea claridad". Trinks ofrece que la identidad particular de Okoyomon como un inmigrante africano en los Estados Unidos podría servir como clave para comprender la comprensión complicada pero perspicua de la exposición de la negritud global y los sentimientos de alienación y desplazamiento que acompañan a navegar por ella.
En 2018, Okoyomon, Bobbi Salvör Menuez y Quori Theodor formaron Spiral Theory Test Kitchen. En 2019, Rachel Hahn describió el "colectivo colaborativo de cocina queer" y los platos experimentales que crean, para la revista Vogue, llamando a sus comidas "que alteran la mente". Otros críticos han notado la influencia del BDSM, las teorías del entrelazamiento cuántico, la erudición de Donna Haraway, la experiencia queer, la poesía del lenguaje y la educación nigeriana de Okoyomon en la cocina psicosexual del grupo. En un artículo publicado por Eater, se cita a la actriz Indya Moore después de comer una cena hecha por el colectivo diciendo que "esta es la comida más queer, trans y no conforme al género que he probado en toda mi vida", y bromea ". si comes esta comida, deconstruirá tu masculinidad tóxica ".. Para el desfile otoño / invierno 2020 del diseñador de moda Telfar en el Pitti Uomo de Florencia, las modelos fueron enviadas por una pasarela circular que sirvió como mesa de comedor para una comida preparada e imaginada por Spiral Theory Test Kitchen.
El segundo libro de Okoyomon "But Did U Die?" será publicado por Wonder Press en 2020. En una propaganda avanzada para el libro de Eileen Myles, escriben "Precious es todo tipo de artista, pero [ellos] solo podrían ser un poeta. [Su] 'también' irrumpe en todos los mundos, [Su] trabajo es puro manifiesto, pararse a reír, es obsceno y bonito, guapo, cataclísmico y justo. Es comida. Es impaciente y completamente en [su] propio tiempo y creo que [ellos] tocan el nuestro, el de todos los demás, en un queman la tierra a la manera de Jimi Hendrix. No, [ellos] lo envían. La tierra se quema. [Ellos] comienzan allí ".
La práctica de Okoyomon ha sido influenciada por el trabajo del Papa L., Adrian Piper, Eileen Myles, Arthur Jafa, Pierre Huyghe, Anicka Yi y Rirkrit Tiravanija. En un artículo en Artsy, Anicka Yi reconoció a Okoyomon como una de las artistas femeninas que merece la atención del mundo del arte, calificando a Okoyomon de "brillante" y escribiendo que ella "cree que [Okoyomon] está expandiendo los límites de lo que el arte puede ser". En una conversación en Art Basel Miami sobre las influencias del artista, moderada por Hans Ulrich Obrist, Okoyomon y Rirkrit Tiravanija hablaron sobre la inspiración que han tenido en el trabajo de los demás.
